Работа за рубежом для музыкантов: Что происходит в России?

Содержание

В Астрахани в католической церкви шедевры классики исполнят на органе и дудуке

В Астрахани выступит один из лучших современных дудукистов Аргишти из Санкт-Петербурга. Он известен не только в России, но и за рубежом. Концерт пройдёт 6-го и 7-го марта. В программе музыка Баха, Шуберта и других знаменитых композиторов, а также мелодии Армении и Востока.

Первая репетиция перед концертом в Астрахани. Наталья Фомичева знакомит гостя с великолепным памятником архитектуры. Это третий, после Петербургского и Московского, по времени основания католический храм в России. А для музыкантов важны и условия для выступления.

«И для дудука, и для органа нужно пространство акустическое, которое есть. Мы и там в костеле играли, и здесь в костеле», − говорит управляющая благотворительным фондом “Возрождение Астраханского органа” Наталья Фомичева.

Там − это в Волгограде, где как раз и познакомились известная астраханская органистка Наталья Фомичева и один из лучших современных исполнителей-дудукистов Аргишти.
Вместе они при полном аншлаге сыграли на концерте в костеле города-героя. И вот теперь − Астрахань.
«С концертом в первый раз. Наталья Фомичева − это такой энерджайзер, столько энергии, столько посыла. Я предвкушаю, наши два концерта. Столько планов, новых аранжировок. Вообще я тут был один разок проездом, успел погулять. Набережная мне особенно понравилась», − поделился музыкант-дудукист Аргишти.

Классические музыкальные произведения, народные мелодии Армении и Востока, а также авторские композиции. Всё это прозвучит на концерте.

Аргишти показывает инструмент. На нём на армянском написана строчка из псалмов Давида “Господи, велики и чудны дела Твои”. Она появилась после того, как музыкант купил себе новый инструмент − он ещё пах абрикосом. Тогда в Татевском монастыре дудукист познакомился с настоятелем, отцом Микаэлом.

«Он смотрел куда-то вдаль, а я ему играл. Он говорит: “Если есть возможность, то напиши на нём эти строки”. Я пошёл в мастерскую, мне сделали надпись. И вот 9 лет я уже на нём играю. И вот об этом он поёт − вот велики и чудны дела Твои, Господи. Не только о том, что снаружи − что солнце каждое утро встаёт, заходит, но вот и том, что там творится [показывает на сердце] − это же чудо, что внутри, что снаружи происходит», − отмечает Аргишти.

В праздничные дни в костеле зазвучат 2 короля музыки: орган − божественный инструмент, вобравший в себя Вселенную, и армянский дудук − душа абрикосового дерева, рождённый среди гор, устремлённых в небо. Их удивительное сочетание станет настоящим праздником для меломанов.

Официальная работа в Германии — Иммигрант сегодня

Всем привет! Это видеожурнал о жизни в Германии и Евгений Матвиенко, и как вы уже догадались из названия, речь в этом видео пойдет об уличных музыкантах в Германии. Я думаю есть очень много разных тонкостей и нюансов, когда человек работает на улице с публикой, играет на музыкальных инструментах.

Честно говоря, это видео я снял уже больше года назад, но недавно нашел его на жестком диске и решил дозаписать. Поэтому я встретился с Игорем, музыкантом, о котором дальше пойдет речь, и об Энди, с которым он играет. Что я вам рассказываю, лучше смотрите скорее сами.

— Мы сейчас идем в помещение, где у нас находятся инструменты. Надеюсь, что кто-то из группы уже там. А потом пойдем играть на улицу. Я арендовал это помещение, потому что было неудобно перевозить музыкальные инструменты, контрабас и пианино. Помещение достаточно большое для того, что нам нужно. Самое важное у нас здесь, в ящике для денег.

Меня зовут Игорь, мне уже больше сорока лет. Я приехал в Германию в 1990 году, потому что в Югославии была война.

А вот это наша сцена, позже вы увидите, зачем она нам нужна. Это наш барабан, моя скрипка, а это для денег.

В 90-х я приезжал в Мюнхен, когда был студентом и играл на улице. Я оплачивал полностью свое обучение за счет того, что зарабатывал на улице. Это было легче всего. В 1999 году я закончил учиться, и мне не дали разрешения на работу, и тогда я сказал: «Хорошо, буду играть на улице, но профессионально».

Мы современные музыканты. Тут у нас электричество, тут средство дезинфекции от бактерий. Оно необходимо, если берешь много купюр. Здесь диски, а вот пульт.

Тогда я играл один, сегодня у меня группа. Люди, которые со мной играют, в основном ребята из Мюнхена, немцы, многие с иностранными корнями, но выросли здесь. Есть один, который приехал из Украины, но основные немцы.

Музыканты приходят всегда поздно. Ты говоришь в 18:30, а они приходят в 19:00, если повезет. Нас снимают для русского видеоблога, для русских девушек.

Я человек, который может не играть на улице, но я хочу. Я так же мог бы играть в оркестре или преподавать, или сделать карьеру в музыкальной группе, наподобие тех, что играют на разных концертах. Мы тоже это делаем, но не так часто.

Продолжение на следующей странице !

Работа для музыкантов в Китае: требования, условия и зарплата

Работа для музыкантов в Китае: требования, условия и зарплата

2017-09-12

«Хорошо поработал – хорошо отдохни» – этой фразой можно охарактеризовать темперамент большинства жителей Поднебесной. В Китае часто организовывают масштабные развлекательные мероприятия. Местные жители и туристы с удовольствием ходят на концерты и любят мировую и западную поп-культуры. При желании, работа для музыкантов в Китае найдется всегда.

Информационная

«Хорошо поработал – хорошо отдохни» – этой фразой можно охарактеризовать темперамент большинства жителей Поднебесной. В Китае часто организовывают масштабные развлекательные мероприятия. Местные жители и туристы с удовольствием ходят на концерты и любят мировую и западную поп-культуры. При желании, работа для музыкантов в Китае найдется всегда. Вы сможете играть в ресторанах и ночных клубах, на торжественных вечерах, на пляжных дискотеках и различных презентациях.

Основные требования к музыкантам, желающим поработать в Китае

Вакансии творческим личностям в основном стоит искать в крупных городах: Гонконг, Пекин, Гуйлинь, Циндао, Сиань, Шанхай, Гуанчжоу, Шэньчжэнь и тд.

Претендовать на трудоустройство могут как сольные исполнители, так и музыкальные коллективы. Здесь востребованы:

  1. гитаристы и бас-гитаристы;

  2. ударники и барабанщики;

  3. трубачи;

  4. вокалисты;

  5. саксофонисты;

  6. кавер-бэнды, различные музыкальные коллективы, джазовые оркестры.

От соискателей требуется:

  • Талант и владение искусством музыкальной игры;
  • творческие способности;
  • качественно подобранный репертуар. К слову китайцы очень любят эмоционально-романтичное направление музыки;
  • способность к обучению и навыки импровизации;
  • знание английского;
  • возраст от 18 лет.

При подборе сотрудников работодателей интересуют:

  • подробное резюме на английском языке, а лучше на китайском;
  • фото и видеоматериалы с выступлений.

Так как на английском в Китае говорят в основном в Гонконге, для работы в других городах и провинциях вам понадобиться хотя бы элементарное знание китайского языка.

Где и как искать работу музыканта в Китае?

Существует несколько вариантов поиска:

  • с помощью друзей и знакомых, живущих в Китае или уже работавших там коллег;
  • через посредническое агентство, которое занимается подбором клиентов по виду вашей деятельности, оформлением документов и юридическим сопровождением контрактов. Само собой подходить к выбору посредника стоит очень тщательно, проверив его репутацию и внимательно прочитав контракт;
  • используя интернет. Найти вакансии для музыкантов в Поднебесной можно на специализированных порталах по трудоустройству: 51job.com, chinajob.com, cn.indeed.com. Иногда предложения также публикуют в китайских СМИ:China Daily, South China Morning Post.

Жителям Украины разрешено пребывать в Гонконге без визы в течение двух недель. Этот вариант также можно использовать для поиска агента в Китае, непосредственно на месте.

Виза

Оформление документов можно доверить агентству, или же заняться им самостоятельно. Виза формата «Z» открывается на срок, который зависит от длительности вашего контракта: от 90 дней до 12 месяцев.

Виды виз

  1. С однократным въездом (3 месяца).
  2. С двукратным въездом (6 месяцев).
  3. С многократным въездом (6 месяцев).
  4. Мультивиза(12 месяцев).

С июля 2107 г. сума консульского сбора для всех видов разрешений на работу составляет 1800 грн. В перечень документов для оформления рабочей визы входит паспорт, заполненная анкета, разрешение на осуществление трудовой деятельности в КНР от Министерства соцобеспечения и трудовых ресурсов. Дополнительную информацию вы можете найти на официальном сайте Посольства: http://ua.china-embassy.org/.

Зарплата музыкантов, работающих в Китае

Заработная плата для представителей творческих профессий может быть совершенно разной. Оплата во многом зависит от места работы, профессионализма и популярности музыканта, а также количества выступлений. В среднем гонорар музыканта составляет 1000-1500 долларов в месяц чистыми. В зависимости от условий контракта музыканту могут оплачивать проживание, питание и компенсировать расходы на перелет.


где получить музыкальное образование за рубежом

Задумываетесь о том, чтобы связать свою жизнь с музыкой? Мы составили подборку зарубежных университетов, где можно получить музыкальное образование в абсолютно разных сферах.

Музыка — как особый язык, понятный каждому человеку в мире. Многие его слышат, но не все способны на нем говорить. И точно так же как с языками, если вы хотите работать с музыкой, ей нужно учиться. Какой бы путь вы не выбрали — продюсер, исполнитель, вокалист, звукорежиссер, дирижер — вам в любом случае потребуются теоретические знания и практика. В этом поможет музыкальное образование.

  • В университете у вас будет возможность регулярно практиковаться и развивать ваш талант под руководством опытных музыкантов.
  • Вы сможете найти друзей, которые в будущем станут коллегами, партнерами по группе или даже лейблу.
  • В вузе у вас будет больше шансов познакомиться с музыкальной индустрией, пройти практику, встретить продюсеров, исполнителей и других представителей сферы.

Что нужно для поступления на музыкальную специальность

Вам потребуется стандартный набор требований:

  • аттестат или диплом о предыдущем образовании с переводом на национальный язык страны, в которую вы поступаете;
  • сертификаты, подтверждающие владение английским или другим языком, на котором проходит обучение;
  • мотивационное письмоне всегда;
  • рекомендательное письмоне всегда;
  • портфолио;
  • собеседование;
  • вступительное испытание.

Последнее — важнейший элемент для творческих специальностей. Неважно на какое музыкальное направление вы поступаете, велика вероятность, что вам придется пройти конкурсный отбор. Для исполнителей это, как правило, игра на инструменте. От будущих звукорежиссеров или желающих изучать теорию музыки тоже ждут демонстрации навыков и сдачи экзамена. Некоторые вузы, например Парижская высшая национальная консерватория, указывают в требованиях подготовку и презентацию проекта.

Лучшие музыкальные школы мира

University of Music & Performing Arts in Vienna

МестоположениеВена, Австрия
Стоимостьдля иностранных студентов791 USD/семестр
Язык обучениянемецкий
Известные выпускникиГустав Малер, Зубин Мета, Александр Алексеев

Австрия подарила миру таких композиторов, как Моцарт, Гайдн и Шуберт, а Вена долгое время была музыкальной столицей Европы. Поэтому неудивительно, что наш список лучших школ открывает именно Венская консерватория (MDW). Музыкальное образование в Австрии было и остается качественным. QS Ranking поставил MDW на седьмое место в мире по направлению «исполнительские искусства»‎[1].

Вуз предлагает самые разные программы для бакалавров, магистров и PhD: от органной и церковной музыки до звукорежиссуры и музыкальной этнографии. В университете есть даже факультет музыкальной терапии.

Сайт университета

MDW Campus Fest

Sibelius Academy, University of the Arts Helsinki

МестоположениеХельсинки, Финляндия
Стоимостьдля иностранных студентов5,439 USD/год
Язык обученияфинский, шведский, английский
Известные выпускникиТарья Турунен, Эса-Пекка Салонен, Кайя Саариахо

Академия им. Сибелиуса — главный музыкальный вуз в Финляндии и девятый в мире[1]. Как пишут его представители,

Наша цель — взрастить музыкантов, которые уверены в своей музыкальной идентичности. …Движущая сила всего, что мы делаем — это любовь к музыке и негаснущая страсть к работе.

приветственное слово на главной странице Академии им. Сибелиуса

Вуз предлагает программы по театральной режиссуре, светодизайну, музыкальной теории, джазу, и другим направлениям. Отдельные инструменты там тоже изучают — например финский кантеле.

Интересный факт

Свое имя академия получила в честь известного финского композитора Яна Сибелиуса. В 2013 году музыкальная академия, театральная и академия изящных искусств объединились в Хельсинкский университет искусств (Uniarts Helsinki).

Все первокурсники получают скидку и могут платить половину цены в течение года. А после университет распределяет стипендии, покрывающие от 50 до 100% обучения, между лучшими студентами.

Сайт университета

Академия им. Сибелиуса

Hong Kong Academy for Performing Arts

МестоположениеГонконг
Стоимость53000 HKD/год
Язык обученияанглийский
Известные выпускникиПун Чан-Люн, Оливия Янь, Энтони Вонг

Гонконгская академия (HKAPA) закрывает десятку лучших школ исполнительских искусств в мире[1]. От других вузов в подборке она отличается в первую очередь программами по изучению традиционных восточных инструментов. Так что если вы вдруг мечтаете играть на гаоху, сона или янцинь, то вам сюда. Кроме этого университет предлагает направления электронной музыки / композиции, вокала и классических инструментов. Но это только «музыкальная» часть академии. Там также преподают театральное, танцевальное и оперное искусство, учат снимать кино и писать сценарии. ‎

Сайт университета

Выпускной в Гонконгской академии исполнительских искусств

Московская государственная консерватория имени П. И. Чайковского

МестоположениеМосква, Россия
Стоимостьбесплатно
Язык обучениярусский
Известные выпускникиЮрий Башмет, Денис Мацуев, Александра Пахмутова

Мы не смогли пройти мимо консерватории им. Чайковского — главного музыкального вуза страны, который также занимает 34-е место в мире согласно QS Ranking[1]. Особенность консерватории в том, что там нет программ бакалавриата и магистратуры. Поступить можно только на специалитет (обучение 5 лет) или в аспирантуру. Для этого нужно предоставить результаты ЕГЭ по русскому и литературе, пройти творческое испытание и собеседование. Граждане России могут учиться на бюджете или за 5,390 USD/год, а вот для иностранцев обучение полностью платное[2].

В университете есть фортепианный, оркестровый, вокальный, научно-композиторский факультет, а также факультеты исторического и современного исполнительского искусства и симфонического и хорового дирижирования.

Сайт университета

Большой зал Московской консерватории

The Juilliard School

МестоположениеНью-Йорк, США
Стоимость51,230 USD/год
Язык обученияанглийский
Известные выпускникиРобин Уильямс, Виола Дэвис, Оскар Айзек

Если мы говорим об исполнительских искусствах, то пропустить Джульярдскую школу невозможно. В Джулиарде учатся вокалисты, дирижеры, композиторы, классические музыканты, джазовые и аутентичные исполнители. Ежегодно студенты дают по 700 представлений, которые полностью спонсируются школой.

Здесь музыка и искусство развиваются как средства вдохновения и привлечения внимания локального и мирового сообщества. Наши студенты учатся одновременно быть художниками и гражданами — это необходимая основа для построения карьеры.

David Serkin Ludwig

декан Музыкального факультета

Сайт университета

The Royal Academy of Music

МестоположениеЛондон, Великобритания
Стоимостьот 32,065 USD/год
Язык обученияанглийский
Известные выпускникиЭлтон Джон, Энни Леннокс, Саймон Рэттл

Королевская академия музыки — старейшая консерватория в Британии, которая была основана в 1822 году. Но несмотря на свой преклонный возраст, она следует трендам: ее выпускники сияют на сцене, становятся известными композиторами и исполнителями популярной музыки. Главное в академии — это индивидуальный подход к обучению студентов.

Я выбрал этот вуз за невероятные возможности, которые он дает. Включая еженедельные личные занятия с такими композиторами, как Дэвид Сойер, Эдмунд Финнис и Гэри Карпентер.

цитата одного из студентов Королевской академии музыки

На страничке каждого факультета вы найдете преподавательский состав — мастеров своего дела, известных композиторов и музыкантов. Кроме стандартных направлений по отдельным музыкальным инструментам и теории, в академии есть также программа звукорежиссуры и аутентичного исполнительства‎. Последнее — особый стиль исполнения, в котором музыканты играют произведения так, как они звучали в прошлом на оригинальных инструментах.

Заявки на поступление подаются через сайт UCAS Conservatoires. Абитуриентов ждет обязательное прослушивание (можно отправить его в видео-формате) и собеседование.

Сайт университета

Королевская академия музыки

Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris (CNSMDP)

МестоположениеПариж, Франция
Стоимость800 USD/год
Язык обученияфранцузский
Известные выпускникиГектор Берлиоз, Морис Равель, Пьер Булез и другие

Парижская Высшая национальная консерватория музыки и танца известна во всем мире. Она занимает пятое место среди лучших вузов исполнительских искусств[1]. Университет предлагает только программы магистратуры и PhD. Для любой специальности, будь то вокал, музыкальные инструменты, педагогика или теория музыки, требуется предоставить портфолио и пройти творческое испытание из нескольких этапов. На звукорежиссера, например, необходимо сдать экзамен по физике и математике. Конкурс на поступление в консерваторию крайне высокий — зачисляют всего 3% абитуриентов[3]. Иностранцам дополнительно нужно предоставить сертификат DELF или DALF, в зависимости от требований конкретной программы.

Сайт университета

Парижская Высшая национальная консерватория музыки и танца

Автор: Мария Ванеева

Образование за рубежом в связи с пандемией и политической ситуацией

Помощь в поступлении за границу с UniPage

UniPage организует поступление в зарубежные вузы, в том числе во всемирно известные, такие как Стэнфорд, Сорбонна и Мюнхенский технический университет. Мы также помогаем:

  • подобрать языковые курсы;
  • отправить ребенка в среднюю школу за рубежом;
  • получить студенческую визу;
  • подготовиться к международным экзаменам.

Отправьте заявку и укажите, какой вопрос вас интересует. Наши специалисты свяжутся с вами в ближайшее время.

Частное преподавание музыки за рубежом – как не потерять себя

После выхода моего фортепианного сборника с рассказами о буднях учителя музыки во Франции мне написали с вопросами несколько коллег музыкантов, свежеприбывших в разные страны после российских музыкальных ВУЗов. А я им в ответе выслала эту ссылку на статью о моем опыте преподавания.

Многие российские музыканты, переехав в западную Европу например, начинают преподавать музыку частным образом, ищут учеников. Многие сразу же страдают от внутренней этической проблемы : прогибаться или гордо нести знамя качества?


“Пусть лучше мир прогнется под нас” – конечно, но не для частных учителей музыки, у которых пока нет имени на новом месте. Mир – однажды – прогнется под нас; но с условием, что мы прогнемся первые.

Смиримся с тем, что мы не “избранные”, не можем требовать высокого результата, а иногда вынуждены заниматься “халтурой”. Ставлю в кавычки, ибо наши музыканты делают или готовы делать очень хорошую работу. Просто эта работа, имено такого качества как мы привыкли, частным ученикам и их родителям часто не нужна.


Авторитет наш как музыкантов, внушенный нашей же системой, летит к чертям, туда же летят наши принципы, наше профессиональное достоинство. Как умно прогнуться, не потеряв себя?

Ничего не делать, а деньги получать – мечта многих. Но мы, русские музыканты, не такие :). Мы не понимаем, как можно заниматься фортепиано с учеником, не проводя часы над постановкой рук, смириться с висящими локтями, с не проученными тактами.

Многие начинают требовать сразу же, как их научила наша музыкальная школа. Требовать – не обязательно приказывать в ультимативной форме (хотя некоторые и так умудряются себя вести с самого начала, не расположив к себе, пока реальность не обломает и деньги не закончатся). А просто настаивать, повышать голос, говорить свое “фу” и беситься.


Из непонимания реальности вытекают претензии к принимающей стороне в целом :

– “зачем тогда вообще заниматься”

– “видимо деньги некуда девать”

– “эти французские и американские методики фу, примитив”.


И все это справедливые, в общем-то фразы, дело именно так и обстоит. Просто реальность поменялась, жить как-то надо. A требовать сразу можно только из позиции силы, когда от тебя зависят.

Какие могут быть позиции силы у учителя музыки? Их три :


1. Преподавать в государственной школе, выдающей государственный диплом, соответственно по экзаменам. Получил место в муниципальной музыкалке? – можешь требовать исходя из своих творческих и преподавательских принципов, более того – настаивать на них (если директор конечно позволит). Зарплата капает, все не сделанные задания – на совести учеников и родителей.


2. Быть богатым наследником, иметь финансовые тылы, а заниматься из чистого удовольствия от полезного дела.


3. Если именно мне позвонили и именно ко мне пришли заниматься, зная мою репутацию, или услышав о моих результатах от других.

Есть еще один вариант возможности требовать для частника – заниматься с детьми русских родителей; в семье, где хотя бы один родитель (чаще конечно же мама) воспитан в нашей системе. Но даже русские родители, поживя во Франции, все больше сколоняются к “фану” и к “cool”.

У большинства же из нас, кто не выдает дипломов и не имеет известности, никаких рычагов давления нет. То, как круто мы играем на инструменте после русских консерваторий, не повод на нас подписаться. И даже наоборот, это мы финансово зависим от наших учеников. Для русских музыкантов это может стать драмой.


Поэтому, до того как начинать часами ставить руки, повышать голос, сидеть на уроке с недовольной презрительной миной – а я к сожалению именно с этим столкнулась в поведении преподавателей из России, после которых от нас чуть не побежали роняя тапки ученики – нужно расположить к себе родителей, тихой сапой проводить с ними воспитательную работу.


Да, прогресс будет сначала невыносимо долгим, намного медленнее, чем в росскийских музыкальных школах – это если вообще он будет; но на втором году, заметив положительное общение с родителями, можно начинать ласково нажимать, то есть собственно требовать.


Ученик на 3-м году обучения хорошо и с оттенками играет Французскую песенку Чайковского, которую в русских музыкалках играют в первом классе, – этому надо радоваться и отправлять его на местный конкурс, а не говорить “ой, 10 лет, а все еще в детском альбоме копается”. Да, это намного позже привычных нам показателей по росскийской фортепианной больнице – но вы все равно оставите след в его жизни и плюс денежный доход сохраните.


Есть только один повод отказаться от ученика – поведение на уроке. Не отсутствие старания или низкие умственные способности, а нарушения дисциплины, неуважение, хамство ребенка или постоянные отмены урока накануне, что тоже хамство со стороны родителей.

Ориентальный миф, или экзотизм в европейской музыке XX века

XLI Международный музыкальный фестиваль


«Декабрьские вечера Святослава Рихтера»

Владимир Тарнопольский — известный российский композитор, профессор Московской консерватории им. П.И. Чайковского по классу композиции, член Саксонской академии искусств (Германия). Его сочинения регулярно исполняются в России и за рубежом известнейшими музыкантами. Активный участник международных фестивалей и организатор таковых в России, В. Тарнопольский, в 1994 году стал инициатором Международного фестиваля «Московский форум», на котором не только исполняется актуальная музыка, но и проходят дискуссии, посвященные новейшим направлениям академической музыки. В 1993  основал Центр современной музыки при Московской консерватории и ансамбль «Студия новой музыки», став его художественным руководителем. 6 декабря состоится концерт «Хождение за три моря», посвященный теме экзотики в европейской музыке XX века. О диалоге Востока и Запада и перспективах экзотизма в XXI веке с Владимиром Тарнопльским беседует программный директор фестиваля Юлия Де-Клерк.

 

Юлия Де-Клерк: Владимир Григорьевич, я предлагаю в преддверии концерта «Хождение за три моря» поговорить на тему «ориентального мифа», увлечения экзотикой в европейской музыке XX века и в целом о диалоге Востока и Запада. Тема сама по себе чрезвычайно актуальная, она возникла не случайно. Мы все знаем, что музыкальные программы «Декабрьских вечеров» всегда тесно связаны с темой выставки, завершающей год. Концепция проекта французского куратора Ж.-Ю. Мартена «Бывают странные сближенья…» является ярким примером неевропоцентричного взгляда на историю искусств. На выставке будет много экспонатов внеевропейского искусства, созданных в разное время и соседствующих в залах музея с европейской живописью, скульптурой и т.д. Идея сделать концерт, посвященный «ориентальному мифу» в европейской музыке, мне показалась логичной и красивой. Вы с большим энтузиазмом откликнулись на предложение исполнить франко-русскую программу, которую мы дополнили двумя инструментальными интермедиями, чтобы не только внести дополнительную краску, но и расширить географию.

Владимир Тарнопольский: Да, это безумно интересно.

— Я не буду сейчас объяснять, почему мы построили программу как диалог французской и русской музыки. Об этом написано в анонсе к концерту. Но хотела бы подчеркнуть, что не случайно сделан акцент на музыке первой четверти XX века. Мода на экзотику в Европе началась с эпохи барокко, процветала при французском дворе в XVIII веке, новый импульс получила в эпоху романтизма, но только XX век ушел от этнографии и иллюстративности и попытался взглянуть на «чужую» культуру, глубоко погружаясь в ее истоки, анализируя самобытный язык и, в то же время, вглядываясь в себя сквозь зеркало иной ментальности. Что можно сказать о соотношении «свое» — «чужое» в эпоху глобализации, когда границы условны, но наряду с процессами интеграции, усиливается и обратная тенденция поляризации? Очень интересно проследить (если у нас получится в краткой беседе) перспективу этого процесса в XXI веке.

Давайте оттолкнемся от программы концерта, которая во многом отражает главную тенденцию начала XX века — синтеза искусств, а также основные «экзотические предпочтения» модернизма. Первое место, безусловно, принадлежит японскому искусству. И в программе концерта прозвучат три музыкальных версии японской классической поэзии — это «Три стихотворения из японской лирики» (1912—1913) Игоря Стравинского; «Семь хайку» (1924) Мориса Деляжа и «Шесть романсов на слова японских поэтов» (1928—1932) Дмитрия Шостаковича.


Утагава Кунисада I. Триптих «Игра на кото весной». Около 1850. Бумага японская, цветная ксилография. ГМИИ им. А.С. Пушкина

Я предлагаю начать со Стравинского, т.к. это был, с одной стороны, невероятно радикальный опус, а с другой — очень важный для будущего стиля композитора. С технической точки зрения, импульсом для его создания послужил «Лунный Пьеро» А. Шёнберга (1912). Стравинский был искренне восхищен оркестровкой и «дифференцированным» контрапунктом партитуры своего будущего alter ego, и сразу начал рекомендовать новинку своим французским друзьям. Но с эстетической точки зрения «Японские частушки» не имеют ничего общего с «Лунным Пьеро», в них композитор с виртуозной точностью и изяществом перекладывает на язык музыки основные приемы «линейной перспективы» японской гравюры, символику, лаконизм и «безударность» японских танка. При этом он впервые использует в вокальной музыке все открытия метроритма, совершенные в «Весне священной».

— Я бы хотел начать с моего, возможно, субъективного взгляда на проблему Восток— Запад в новейшее время. Я бы даже начал с конца XIX века, т.к. поворотным и эпохальным событием явилась Всемирная выставка в Париже [1889 года – ЮДК], на которой Дебюсси впервые услышал индонезийский гамелан, и это произвело на него неизгладимое впечатление. Можно даже сказать, что звучание гамелана сформировало его стиль и само ощущение времени, отличное от европейской традиции. Оно стало менее векторным, а в большей степени пространственным.

— Тогда давайте вспомним и знаменитые «Русские симфоническое концерты» под управлением Н.А. Римского-Корсакова, которые прошли тогда же в зале Трокадеро и произвели не меньшее впечатление на Дебюсси и его младших современников. Русская музыка «Пятерки» воспринималась как преломление «ориентальной традиции», ставшей сильным противоядием против вагнеризма.

— Да, при этом удивительно, что, будучи в России, Дебюсси этой музыки не знал, и ему надо было вернуться в Париж, чтобы познакомиться с русской музыкой. Возвращаясь к индонезийскому гамелану, надо отметить не только новое ощущение времени, но другое ощущение синтаксиса, формы, отсюда же появляются новые фактуры. Но, например, мы можем сравнить гамелан и «Шаги на снегу». Понятно, что стилистически их нельзя сопоставить, но принцип формообразования очень схож. Гамелан основан на временной перестановке тематических паттернов, и у Дебюсси мы наблюдаем постоянное смещение по горизонтали и повторение коротких мотивов при стоящей на месте гармонии. Она, разумеется, очень красиво варьируется, получается своеобразный «горизонтально-подвижной контрапункт», но не в европейском смысле этого слова. Скорее это похоже на витражи, ты их можешь смотреть с разных ракурсов и под разным углом…

— Именно так. Это сопоставление, но не диалектика развития, не процесс становления. Я не думала, что мы с Вами «начнем с начала». Но раз Вы упомянули о Дебюсси, то напомним, еще в консерватории в классе гармонии Шарль Гиро кричал своему студенту: «Модулируйте, модулируйте». А Дебюсси невозмутимо сопоставлял трезвучия без всякой тональной логики, наслаждаясь красотой звучания.

— Да, да, да. Если о модуляциях, то Дебюсси вообще избегал того, на чем выросла вся европейская музыка, а именно вводнотоновости. На ней стоит немецкая музыка и Вагнер.

— Поэтому Стравинский совершенно справедливо и назвал Дебюсси «первым композитором XX века». Вернемся к Стравинскому?

— Я думаю, что Стравинский находился под огромным влиянием Дебюсси.

— В этом нет сомнения. Но к моменту создания «Японской лирики» Стравинский был уже автором «Весны священной» и ушел далеко вперед. Поэтому Дебюсси не без яда писал, что Стравинский «швыряет гранаты с горки, на которую забрался не без его помощи, но, к счастью, не все взрываются»…

— Если закончить мысль о периодизации (хотя она условна), то 1910-е годы — это уже качественно новый период. Он связан с глубоким погружением в сам язык ориентальной культуры, в «микроэлементы» этого языка. Затем, если брать конструктивизм 1920-х годов, то там интересен любой чужеродный материал, который осмысливается сквозь «геометризмы». Затем можно говорить о новом всплеске послевоенных лет, этот период можно разбить – 1950-е, 1960-е и т.д. И, наконец, в XXI веке начинается какой-то новый период, и непонятно куда он приведет. Но сейчас это одна из самых острых и актуальных тем, можно сказать, политических. В наиболее радикальных случаях вся «белая» музыка объявляется расистской. С одной стороны, у этого процесса есть объективные закономерности, а с другой — наслоение недоразумений. Европа так устроена, что в основе ее философии жизни лежит прогрессистская идея развития, движения вперед; каждый художник и композитор оцениваются с точки зрения их «новизны» и конкретного вклада в развитие языка. Одним из направлений развития и источников новизны для Европы было освоение новых территорий. Вот он Восток — совсем рядом.

— Но все-таки еще было любопытство и неподдельный интерес к «чужой» культуре, жажда узнать что-то новое…

— Да, конечно. Я должен сказать, что даже самые махровые колонизаторы, оказавшись в Египте, Индии или Японии, как правило, становились фанатами этой культуры.

— И в этом отношении критика европейской культуры К. Леви-Строссом, мне кажется, избыточной и однобокой. Поскольку полностью игнорирует колоссальную гуманитарную составляющую. Мы знаем это очень хорошо на примере России, которая завоевывала Кавказ и Среднюю Азию, и одновременно начинала заниматься просвещением и лечением населения, изучением местной культуры и собиранием различных артефактов. Так собственно возникли многие музейные коллекции. Все не так однозначно.

— Это очень сложный процесс. Но вернемся к Стравинскому. Вы верно заметили, что «Лунный Пьеро» Шёнберга повлиял на Стравинского, а через него на многих французских композиторов. Но «Лунный Пьеро» не имеет никакого отношения к Востоку.

— Но это очевидно, речь шла об использовании конкретного инструментального состава. И Равель («Три поэмы Малларме») и Деляж («Индусские поэмы») дали свои абсолютно непохожие версии.

— Да, но парадокс в том, что «Лунный Пьеро» – это квинтэссенция немецкой музыки, развивающая до предела малеровскую тенденцию, экстракт (клавир) оркестра. У Стравинского совершенно противоположная идея, ему важен не универсализм Шёнберга, а гиперболизированная конкретика тембров. При этом Стравинский работал с экзотическим материалом очень по-русски. Я уже не говорю о том, что это продолжение эстетики «Мира искусства», который был в какой-то степени прекраснейшим тупиком. Это не движение вперед в поисках нового языка, а эстетизация всего: античности, XVIII века, экзотики, современного быта и т.д. Это восхищение и «вживание» европейца в чужую культуру и в то же время некая отстраненность, символичность.

— Элемент отстраненности и «объективности» одна из немногих устойчивых черт стиля Стравинского, достойного ученика Римского-Корсакова. В дальнейшем эта тенденция только усилится в неоклассический период и позднее.

— При этом сама техника композиции не так далека от всего остального, что делал Стравинский, и даже более того, самые характерные вещи, идущие от его «русской музыки» прекрасно работают на японском материале.

— Но суть в том, что «характерные» приемы были опробованы в инструментальной музыке. Здесь был важный эксперимент. Стилизация «безударной» вокальной партии создавала иллюзию «линейной перспективы» японской декламации», ее живописно-графической передачи, «ассиметричная» метрика Весны нашла продолжение в смещении привычных акцентов (ударений) при обращении к слову, что открыло Стравинскому безграничные возможности для новаторских поисков в области вокальной музыки, и прежде всего, уже на русском материале («Прибаутки», «Четыре русские песни», вплоть до «Свадебки»).

— То есть Стравинский находит поле пересечений глубинного русского («блуждающие ударения») с законами классической японской поэзии. И это совершенно поразительно, ни один ученый такого не придумает.

— Причем в «Японской лирике» нет и намека на внешнее стилизаторство: никакой пентатоники, звукоподражания кóто и другим инструментам, а есть квинтэссенция идеи, которую он блестяще воплощает.

— И, конечно, тонкость и лаконизм письма.

— Лаконизм и отточенность языка Стравинского были оценены французами мгновенно. Ему пытались подражать. Многие композиторы (и это известно из документов) принялись избавляться от «воды» в своих партитурах. Сейчас самое время перейти к Морису Деляжу и его циклу «Семь хайку» (1924—1926), которые очень коротенькие. Сразу надо сказать, что в цикле представлены не только хайку, но и танка. Деляж обращается к классической японской поэзии, но в отличие от Стравинского, который не знал, как звучат оригиналы, и полагался исключительно на художественную интуицию, Деляж был глубоко погружен в японскую культуру. Он путешествовал в 1911—1912 годах по Индии и Японии, слушал аутентичное исполнение, делал записи, был знаком с музыкантами лично и организовывал в Париже концерты известных японских исполнителей в 1925-м. Наконец, он знал японский язык. Деляж перевел свои «Семь хайку» на французский, а заодно и «Три стихотворения из японской лирики» Стравинского. Премьера «Семи хайку» произвела впечатление на французскую критику. Это действительно маленький, но абсолютный шедевр.

— Я согласен, безусловный шедевр.

— Шедевр с точки зрения изощренной инструментовки и обращения с текстом (словом). Возвращаясь к инструментовке, полиладовости и полиритмии, а также соотношению вокальной партии с ансамблем, я попробую по памяти привести одно из высказываний критика «Revue Musicalе» (1926), который писал, что Деляж в «Семи хайку» предстает абсолютным магом и чародеем, ансамбль музыкантов на сцене демонстрирует фантастическую алхимию и чудеса звучания, и что в этом сочинении, как в драгоценной капле воды, отражается радуга. По-моему, Деляж остается французом, для него колорит и красота звучания (качества французской музыки, которыми восхищался Стравинский) являются определяющими. Кажется это актуально и сегодня, когда мы говорим о современном спектрализме. Но мне бы очень хотелось услышать Ваше мнение по поводу этого цикла и соотношения в нем истинно французского, и в частности, современной французской музыки, и экзотики японской традиции.

— Мне кажется, что эта музыка необыкновенно чувственна, при чем это не романтическая «штормовая» чувственность, а удивительная акупунктурная работа, когда композитор находит точно каждый звук, каждый штрих, каждый мотив, каждый прием. Это тончайшая игра, которой автор наслаждается. «Семь хайку» замечательное сочинение для самой широкой публики, но вообще-то это музыка для эстетов и подлинных музыкальных гурманов, которые будут смаковать и наслаждаться каждой филигранной деталью, искусно выписанной. Я не знаю, но у нас Деляж и это сочинение очень мало известны.


Эйдзан Кикугава. Любование цветами. 1806. Бумага японская, цветная ксилография, тиснение. ГМИИ им. А.С. Пушкина
Эйсэн Кэйсай. Станция 29. Мицукэ. Из серии «53 станции Токайдо». Около 1830–1835. Бумага японская, цветная ксилография. ГМИИ им. А.С. Пушкина

— «Семь хайку» у нас практически никому неизвестны. Более-менее знают «Индусские поэмы» (1912), но это фактически первый опус, с которым Деляж вышел на сцену. А другие сочинения Деляжа исполняются крайне редко или не исполняются вовсе и это страшно обидно, т.к. речь идет о музыке самого высокого класса. Деляж был любимым учеником Равеля, который старался способствовать его карьере. И мне кажется, что в «Семи хайку» он сказал новое слово, которое оказало влияние и на самого Равеля, в частности, на его «Мадагаскарские песни» (1926). По крайней мере, «Семь хайку» – это отнюдь не проходное сочинение для французской музыки.

— Я не знаю, насколько оно известно во Франции?

— Во Франции, безусловно, известно. Хотя надо иметь в виду, что Деляж написал немного музыки. Недаром Стравинский, который очень высоко ценил талант и музыку Деляжа, сокрушался, что он так мало пишет. Деляж был невероятным перфекционистом, он буквально «вылизывал» свои партитуры: продумана каждая деталь, каждый штрих, акцент, чистота линий голосоведения — это все слышно. Такая ювелирная работа, отчасти, указывает на его учителя.

— Я не специалист в этой области, но мне кажется, что Деляж оказался родоначальником одного из самых распространенных жанров во французской музыке, я имею в виду вокальные циклы с голосом и небольшим инструментальным ансамблем. Можно вспомнить «Шестерку», Булеза «Молоток без мастера» и вплоть до сегодняшнего дня.

— Мне кажется, что все началось в 1912 году, когда был задуман знаменитый «скандальный концерт», в котором должен был прозвучать «Лунный Пьеро» Шёнберга и три его вокально-инструментальные версии: Стравинского, Шмитта и Равеля. В итоге концерт состоялся только в январе 1914, Шёнберга уже нельзя было исполнить, но вместе с «Японской лирикой» Стравинского, прозвучали «Три поэмы Малларме» (1913) Мориса Равеля. И это тоже было начало абсолютно нового стиля у Равеля. Деляж дебютировал со своими «Индусскими поэмами» (1912), которые наиболее известны и сегодня.

— Да, наверное, это так.

— И давайте поговорим о Шостаковиче. Мы же не случайно захотели сделать такую неожиданную рифму. «Шесть романсов на стихи японских поэтов» (1928—1932) — ранний опус, это период страстной влюбленности композитора в свою первую жену Нину Вазар, любовная лирика, с одной стороны. Шостакович выбирает тот же сборник стихов японской поэзии, что и Стравинский [Японская лирика. Переводы А. Бранда. СПб. 1912]. Но берет другие стихотворения и выстраивает цикл, группируя стихи «двойками», по принципу контраста, прежде всего исходя из содержания, и неуклонно двигаясь к трагической развязке. Каждая пара стихотворений представляет два полюса: любовь и смерть. Довольно странный сюжет для влюбленного молодого человека. Цикл очень напряженно-драматичный. Конечно, первая ассоциация, возникающая при соединении тем любви и смерти – это Вагнер, немецкий романтизм, а с другой стороны, Шекспир и т. д. Но почему Шостакович выбирает для цикла о трагической любви японскую поэзию? И что здесь от Японии? Цикл написан для тенора и оркестра, это совсем не камерное звучание.

— Да, хороший вопрос. Я на него не могу ответить. Я пытался найти какие-то объяснения. Ведь это 1920-е годы. Время, не предполагающее демонстрацию чувств.

— Цикл выпадает из ряда соседних опусов: «Нос», «Болт», «Золотой век». Совсем другая стилистика.

— Не знаю. Боязнь выразить свои чувства через европейское, через романтическое, через Шекспира? Но это тоже не ответ, т.к. совсем скоро появится «Катерина Измайлова», где чувства суперфизиологичны, экспрессивны.

— Но в романсах есть момент сокрытия чувств и эмоций. Эти медленные темпы, которые напоминают течение японской поэзии, скорее намекающей на сильные чувства, чем выражающей их. Ты каждый раз догадываешься…

— Да, и поэтому мой первый ответ был, может быть это? Хочется ответить «да», но «нет». Потому что рядом будет «Катерина Измайлова». Не его тема? Тоже нельзя сказать, т.к. это его тема. Потом будет Четырнадцатая симфония.

— Это абсолютно его тема. Но ведь мы сегодня говорим об экзотизме. У Шостаковича, конечно, никакого Востока здесь нет. Это понятно. Но и у Стравинского нет «очевидного» Востока.

— У Шостаковича это вообще не Восток.

— А если мы вспомним знаменитый цикл «Из еврейской поэзии», то его язык не поворачивается назвать экзотикой. Но, с другой стороны, это такое органичное соединение «своего» и «чужого», где вообще невозможно провести границу, поразительное вживание в иную ментальность и трагическое мироощущение.

— Может быть влияние Стравинского, друзей по ленинградской Ассоциации современной музыки? В общем, Шостакович — знак вопроса, и это замечательно.


Неизвестный мастер. Богиня Сарасвати. XIX–XX века. Бумага, водорастворимые краски, серебряная краска. ГМИИ им. А.С. Пушкина
Неизвестный мастер. Бабу, играющий на ситаре. XIX век. Бумага, коллоидное олово, водорастворимые краски. ГМИИ им. А.С. Пушкина

— Еще одна страна, куда были устремлены взоры европейцев, которая манила и будила воображение — Индия. Мы не включили в программу концерта по «техническим причинам» А.Н. Скрябина, но его «индийский миф» с мистерией, верой в преображение мира, элементами восточной орнаментики, эротики и эзотерики, выросший из теософии Е. Блаватской — это особая Индия Скрябина. Экзотизм Скрябина неотделим от его религиозно-философских исканий и эстетических взглядов, а творчество представляет совершенно отдельную страницу в истории русской музыки. Скрябин, конечно, органично вписывается в контекст культуры Серебряного века, но у него были последователи и почитатели среди композиторов XX века. И это не только Николай Обухов, Иван Вышнеградский; Европа тоже не прошла мимо.

— Да, немцы и англичане его оценили по достоинству.

— У нас в программе Индия представлена первым опусом Деляжа, который, наконец, принес ему известность. Деляж очень поздно начал заниматься музыкой и, несмотря на поддержку Равеля, испытывал колоссальные комплексы. И, это потрясающий факт, именно путешествие в Индию и Японию в 1911–1912 годах его освободило. Познакомившись с другой цивилизацией, ментальностью, неевропейской культурой Деляж почувствовал не просто творческое вдохновение, он нашел себя и обрел полную свободу как художник. Это как раз то самое, о чем мы говорим в связи с диалогом Восток — Запад. Концерт, на котором «Индусские поэмы» Деляжа прозвучали вместо Шёнберга, стал его звездным часом. Большинство критиков писало, что именно опус Деляжа стал главным открытием. Здесь нельзя не вспомнить с чего началось его увлечение Индией. Деляж услышал в 1911-м запись на грампластинке исполнения карнатической музыки Южных регионов Индии известной храмовой певицей. Это были раги, и он буквально пропал. Тогда не было термина микрохроматика, поэтому Деляж на слух определил «микротональные эффекты» и писал в полном восторге Равелю, что «у него мурашки бегут по спине» от этой музыки. Через год он отправился в Индию, нашел там певицу, был на ее концерте в храме. «Рагамалика» — это один из классических жанров индийской музыки (гирлянда раг), была посвящена ей. Деляж впервые использовал приготовленное фортепиано, четвертитоновую технику, мелизматику и импровизационность в вокальной партии. Но в «Индусских поэмах», написанных в путешествии, Деляж попробовал соединить классическую индийскую музыку с современной европейской. Он привнес импровизационное начало, использовал характерные приемы звукоизвлечения открытым и закрытым ртом, вызвавшие особый восторг публики, игру ослабленным смычком. То, что потом Равель повторит в своих «Мадагаскарских песнях». Очевидно, что Деляж пытался найти похожие звучания и делал свои «маленькие открытия», которые существенно расширяли традиционную практику, например, глиссандо pizzicatto ослабленного смычка, похожее на рыдания.

— Да, да, это известный прием исполнения на индийских инструментах.

— Критики оценили эту смелую попытку соединить индийскую традицию и европейскую. Разумеется, индийская классическая музыка строится совершенно на иных принципах, но Деляж пытался воспринять ее на слух и найти точки соприкосновения.

— Да. И это привело к целому направлению (возможно, Деляж был одним из первых), которое сейчас получило название «расширенные исполнительские техники». Это глиссандо pizzicatto, неустойчивый звук, различные нетрадиционные приемы звукоизвлечения, неакадемический вокал и т.д. Начало того, что получит огромное развитие в середине XX века и вплоть до сегодняшнего дня.

— Вот почему мне кажется, что Деляж недооцененный композитор.

— Совершенно недооцененный, полностью согласен. Блестящая композиторская школа.

— Помимо того, что каждый его опус невероятно профессионально и изысканно «отделан», Деляж совершил столько чудесных открытий и находок уже в своем раннем сочинении.


Китайский лубок. XIX век. Бумага китайская, ксилография, легкая подкраска от руки. ГМИИ им. А.С. Пушкина

Теперь нам нужно поговорить о Китае. Как раз мода на Китай в Европе существовала с XVII века. «Китайщина» (шинуазри), китайские павильоны, шелка и пр. Любопытно, в Европе сформировался определенный шаблон в изображении «китайских церемоний» и «китайского абсурда» — это чрезмерная пышность, громкий звук барабанов и литавр, что шло от янычарской музыки, и говорило об отсутствии вкуса с точки зрения просвещенного европейца. А другой полюс — невероятная утонченность, красота, магия и таинственность, роковые восточные красавицы, несущие гибель. Тут мы переходим к Стравинскому и его опере «Соловей», которую он начал писать еще в 1908 году, а закончил уже в 1914. Это яркий образец модерна и, конечно, «мирискуснической» эстетики. Русский сезон 1914 года отличался особым блеском, публика стонала от восторга, когда открывался занавес. Александр Бенуа постарался воссоздать стиль шинуазри с изысканной фантазией и невероятной роскошью. История механического соловья и живого, как мне кажется, несет в себе сложную двойную символику. Стравинский пишет, с одной стороны, музыку в стилистике «Мира искусства», а с другой пародирует китайщину XVIII века, тот самый устоявшийся шаблон «китайского абсурда». И оглушительный «Китайский марш», который мы услышим – это квинтэссенция восточного варварства (с точки зрения европейца), выраженная в музыке при помощи пародии и гротеска. А с другой стороны, мы слышим в музыке живого соловья тончайшую мелизматику, красоту и изящество мелодий, напоминающих о том самом «русском востоке», покорившем французов. Это Римский-Корсаков и его «Шехеразада» и Бородин с «Половецкими плясками» из «Князя Игоря».

— Да, конечно, особенно номер «Песнь Соловья», – это прямой оммаж Римскому-Корсакову, продолжение «Золотого петушка».

— Пародийное начало «Соловья» имело, как мне кажется, продолжение в музыке 1920-х, гораздо более жесткой. Гротеск «Чудесного мандарина» Бартока и «Турандот» Пуччини, а на другом полюсе «Дитя и волшебство» Равеля с веселым изяществом фокстрота китайской чашки и чайника.

— Но у Стравинского идея механического и живого началась уже с «Петрушки» и это его любимая тема. Возможно это натяжка, но я думаю, что она уходит корнями к П.И. Чайковскому, Гофману, к тому как Гофмана понимали в России. Другое дело, что в 1920-е годы все механическое будет реабилитировано. «Завод» Мосолова воспевает царство машин.

— Ну вот мы и подошли к 1920-м годам, которые называли «ревущими», «безумными», «ребячливыми» — это время увлечения скоростями, техническим прогрессом и «гениальной машинерией», время победившего конструктивизма. А еще – это время невероятной творческой активности, свободы и смелых экспериментов. Послевоенное поколение спешит жить, получать удовольствие, молодежь увлечена спортом. Расширяется география путешествий, согласно новым увлечениям. Две страны символизируют мощную витальность — Америка и Африка. Не случайно Африка – это не только африканские скульптуры Пикассо, ритуальные маски и яркие краски, но еще и музыка с ее пробивающей энергией синкопированных ритмов, это джаз с его импровизационной стихией, которому отдали дань почти все композиторы.

— Да. Стравинский и вся «Шестерка».

— Для Мийо Бразилия стала «второй родиной», а латиноамериканский фольклор фирменным знаком, определившим во многом его стиль. Но у нас с Вами в программе не «Шестёрка», а «Мадагаскарские песни» Мориса Равеля. На первый взгляд странный выбор. Равель в 1900-е годы отдал дань увлечению Азией, в 1920-е не смог пройти мимо экзотики черного континента и новых музыкальных веяний. Он прекрасно знал музыку молодой «Шестёрки», а с другой стороны, на него, очевидно, повлияли «Семь хайку» Деляжа, написанные в 1924. Очень много музыкальных перекличек. И это, безусловно, абсолютный шедевр позднего Равеля.

— И оно уже чуть-чуть смотрит в сторону неоклассицизма.

— Оно точно смотрит в неоклассицизм, потому что редкая чистота линий, выверенность каждой интонации, лаконизм, не свойственный раннему Равелю, к которому композитор так долго шел.

— Никаких ремплиссажей.

— И что любопытно. Равель не пытался идти от аутентичных текстов и стилизаций. Он обратился к поэзии Парни, первого лирического поэта Франции после эпохи классицизма. Это не случайно.

— Да, это вполне неоклассический ход, некая отстраненность.

— Для Равеля, мне кажется, была крайне важна чувственная и эротическая нота, звучащая у Парни. Самому Равелю эротика не была свойственна. А тут он признается, что все как будто просто, партии независимы друг от друга, а элемент новизны заключается в драматическом, а точнее эротическом элементе.

— И тоже все сделано блестяще: инструментальное сопровождение и вокальная партия. Виртуозное владение техникой. Это «учебник» для композитора. Можно сравнить с жонглером, управляющимся с тысячью предметами, которыми он может жонглировать бесконечно. Фантастический композитор и прекрасная школа: эстетская и чисто технологическая.

— Да, это настоящие перлы. Любопытно сопоставить их с экзотическим опусом нашего композитора, Владимира Дешевова. Композитор не часто исполняемый и почти забытый, но в 1920-е годы он был в авангарде. Отнюдь не случайно им так заинтересовались французы.

— Это когда Мийо приезжал в СССР [1926 год. – Примеч. ЮДК]

— Да, их личное знакомство произошло в Ленинграде в 1926. Но для меня было новостью, что их связывали дружеские отношения. Мийо был очень высокого мнения о сочинениях Дешевова, которые считал яркими, самобытными и новаторскими. Он несколько раз пытался устроить концерт Дешевова в Париже, а «Экзотическая сюита» посвящена Дариюсу Мийо. Один из самых эпатажных композиторов «Шестёрки» был в восторге от музыки молодых ленинградских композиторов, включая Шостаковича и Попова. Он прямо писал Дешевову: «Вас должна знать Европа». Дешевов удивительный пример. С одной стороны, он шел в русле русского музыкального конструктивизма («урбанистика», «гениальная машинерия»), но одновременно с этим, помимо оперы «Лед и сталь», «Рельсов» и «Красного вихря», у него существовала экзотическая линия. Она, правда, во многом была связана с театральной музыкой, но Дешевов хранил ей верность. Потом все его экзотические балеты превращались в сюиты: Японскую, Китайскую и Экзотическую. И при этом надо понимать, что композитор был ограничен в средствах, поэтому можно оценить его изобретательность.

— Мне кажется, что это даже хорошо воздействовало на него. По-моему Гринберг [Клемент Гринберг (1909—1994) —американский арт-критик, писавший о современном искусстве, теоретик абстрактного экспрессионизма. – ЮДК] очень хорошо написал где-то, что такое авангард — это те художники, которые не столько воспроизводят что-то, сколько анализируя, находят структуру произведений, созданных классиками. Это очень аналитический опус, конструктивистский.

— Вы имеете в виду «Экзотическую сюиту»?

— Да, да.

— Странно, у меня совсем другое ощущение от этой музыки.

— Это театральная музыка, конечно. Но эта «секкость», сухость, маленький состав.

— Маленький состав, потому что полноценного оркестра нет. Но он замечательно передает колорит. Это же Океания, остров Самоа. Мы должны напомнить, что в основе сюжет рассказа С. Моэма «Дождь», а пьеса называлась «Сэди» (1926).

— Но у него же нет возможности воспроизвести восточный колорит. Это графика.

— А по-моему, он как раз очень точно его воспроизводит, особенно в первой части. Это медитативность, тропическая нега, расслабленность. И, разумеется, пентатоника и другие внешние атрибуты азиатской экзотики. Но ощущение тропического пейзажа полное.

— Да, но это графика, а не масло. Это очень четкий графический рисунок.

— Да, я согласна, но это полихромная гравюра.


Поль Гоген. Te arii vanine (Жена короля). 1896. Холст, масло. ГМИИ им. А.С. Пушкина

Понятно, что Дешевов никогда не был в Полинезии. Мне было любопытно, и я специально начала читать, что из себя представляет собственно полинезийская музыка. Конечно, это ритуальная музыка, она имеет определенную функцию в обряде (это не музыка как таковая). Все это сохранилось и мало изменилось. Дешевов очень четко схватил, показал ритуальный дух. Если первая часть («Остров Паго-Паго») — пейзаж, то вторая («Свадьба») — резкий контраст, обряд, переходящий в оргиастическую пляску. У меня лично этот номер сразу вызвал ассоциацию с «Танцем с саблями» Хачатуряна. Конечно, в этой музыке нет ничего воинственного, но исступленный экстаз она передает отлично.

— Интересно, а что было в спектакле, и как он был поставлен?

— Я довольно долго искала информацию об этом. Рассказ Моэма «Дождь» вышел в 1921 году. В Ленинграде было поставлено сразу два спектакля в апреле 1926 с разными названиями на этот сюжет. Поэтому надо было понять, в каком из них была музыка В.  Дешевова. Спектакль, к которому В. Дешевев написал музыку, назывался «Сэди» (пьесу перевел К.И. Чуковский). К сожалению, рецензий крайне мало, спектакль не вызвал общественного резонанса, не стал событием. О музыке никто ничего не написал (как обычно). Единственное исключение – В. Богданов-Березовский, отметивший, что при таком скудном оркестре композитору удалось, прибегая к различным комбинациям, «извлекать самые разнообразные эффекты». Но это все, никаких деталей…

Владимир Григорьевич! Мы с Вами совершили экскурс по невероятно насыщенным первым десятилетиям XX века, если говорить об «ориентальном мифе». А потом наступает довольно продолжительная пауза — это 1930-е годы. Я тщетно пыталась найти какие-то знаковые сочинения у известных композиторов и ничего не нашла. Возможно, это связано с расцветом «неоклассики» и «возвращением домой» в Европу? Или продиктовано политической ситуацией, возрождением имперских амбиций и национальных мифов с известными последствиями 1938–1939 годов? «Чужое» перестало быть актуальным?

— В Америке, возможно, что-то и было у Генри Кауэлла. Он, по-моему, как раз в 1930-е годы увлекся чем-то восточным, но в Европе действительно ничего не припомню. Неоклассицизм с его идеей универсальных ценностей, чистоты стиля. Все экзотическое и маргинальное ушло в прошлое.

— В Европе полная стерильность в течение долгого времени, и потом невероятный всплеск в послевоенные годы, начиная с 1950-х. Новый виток спирали, и можно перечислять имена композиторов, снова устремившихся на Восток — О. Мессиан, Л. Ноно, К. Штокхаузен, М. Кагель, Дж. Кейдж, Г. Кауэлл, а у нас Э. Денисов, С. Губайдулина… Это уже полный интернационал. Мне очень интересна Ваша оценка, как композитора, ситуации начала XX века и начала XXI? Все-таки для XX века была очевидна генеральная линия интеграции и синтеза, не противостояния. Это была попытка проанализировать «чужой мир» и ассимилировав, сделать частью «своего». В хорошем смысле «культурная колонизация». А что происходит сейчас, когда глобализация стирает географические границы, культурные границы остаются, или они тоже размываются?

— Мне кажется, что уже в конце XX века возникла совершенно новая ситуация. Когда в Европе и Америке проживают все наиболее крупные азиатские и африканские композиторы. И тут картина не очень понятная, в отличие от 1950—1960-х. Самый яркий пример Джон Кейдж, который очень увлекался Индией, и его сонаты для препарированного фортепиано [Сонаты и интерлюдии для препарированного фортепиано, 1948. – ЮДК], это очень индусское произведение — новые звучания, новый тип эмоций, музыка настроений, развивающаяся по индусской шкале. Потом он увлекся Японией, в 1950-е годы написан его Фортепианный концерт [для подготовленного фортепиано, 1951. – ЮДК] и, конечно, Китаем — дзен-буддизм и древнекитайский трактат «Книга перемен». И все что Кейдж писал после Фортепианного концерта было напрямую связано с дзен-буддизмом, который в 1950—1960-е покорил всю европейскую интеллигенцию. Здесь все понятно, хотя Кейдж был не одинок. Есть малоизвестный у нас французский композитор Морис Оана, родившийся в семье андалузских евреев-сефардов, испытавший влияние испанского канте хондо и музыки марокканских берберов с особой ладовой организацией. Ну о Мессиане даже нечего говорить — это чистый Восток. Если вспомнить о более позднем времени, то это швейцарский композитор Клаус Хубер, изучавший арабскую музыку, использующий сложные ритмические модели и третьетонные лады (микроинтервалика).

— Но это продолжение той линии, которая уже была.

— Да, в конце XX века возникла ситуация, которую я не могу объяснить. У меня был спор с правнучкой Вагнера, Нике Вагнер, она была директором Бетховенского фестиваля [Нике Вагнер в 2014 году возглавила Бетховенский фестиваль в Бонне. – ЮДК]. Этот спор возник на конференции, где она утверждала, что нет уже никакой национальной музыки, а есть только музыка хорошая и плохая. «Вот приезжайте в Дармштадт, и вы в этом убедитесь». Это правда, я был в Дармштадте, там представлены все национальности. Но я ей возразил: «Да, в Дармштадте полный интернационал, а в 500 километрах от него в Париже на форуме IRCAM’а — тоже интернационал, но он французский». Парадокс заключается в том, что все азиатские студенты (кстати, это относится и к русским студентам), которые учатся в Германии, в конце концов пишут ассимилированную немецкую музыку, а те кто учится в Париже, пишут во французском стиле.

— Получается, что дело не в национальной принадлежности, а в «среде обитания» и языке, на котором ты учишься говорить (в данном случае, музыкальном языке). Но меня волнует вопрос, как сегодня взаимодействует Восток и Запад в цивилизационном отношении, есть ли культурный диалог?

— Дело в том, что все культуры: немецкая, французская, русская…

— Но вы сейчас говорите скорее о школах.

— Да.

— А я спрашиваю про другое. Мы помним, что вплоть до конца XIX века Европа жила в парадигме европоцентризма, в начале XX века мир стал меняться, и победила идея многоликости, когда европейская культура пошла по пути интеграции, поиска гармонии в мире и активного «культурного освоения» Востока. В первой половине XX века существовали географические границы, а культурные границы размывались. Вы сейчас говорите про азиатских студентов в Париже, но это доказывает процесс глобализации и стирание географических границ, а что с культурным диалогом Восток — Запад? Остались понятия ментальности, национальной принадлежности и т. д.?

— Трудно сказать. Мне кажется, что эта шкала возможностей уже хроматически заполнена. Наиболее радикальные вещи вы знаете, когда афроамериканцы говорят, что вся белая культура «расистская». И с этим нельзя не считаться. Есть другая тенденция — наша культура замкнутая система и никто в нее не проникнет.

— Но это крайние, маргинальные точки. Хотя последняя, «охранительная», имеет понятные исторические объяснения. В частности, мы знаем, что эмигрировавшие в Турцию потомки «некрасовских» казаков, жившие там обособленно более 200 лет, сохранили не только русский язык, но и подлинный музыкальный фольклор. Вот я и спрашиваю, какая сейчас тенденция?

— Я думаю, что все существует одновременно. При этом я могу сказать, что я преподавал в Китае дважды: в Шанхае и в Пекине. И у меня было очень много студентов, и, конечно какие-то общие глубинные черты наблюдаешь. Это стоит за нотами, в частности, особенность китайского языка заключается в том, что там можно многое передавать одними глаголами, поэтому им совсем не удаются (и видимо не надо навязывать) процессуальные формы (сонатные и прочие). Китайский язык – это перечисление слов в именительном падеже, и ты сам должен догадаться о чем речь. Отсюда многозначность, дзен и прочее. Я читал «Книгу перемен» в разных переводах — это просто разные книги…

— Это совсем другая ментальность на глубинном уровне, созерцательная.

— В то же самое время есть другая тенденция. Например, известный китайский композитор Тан Дун, живущий в Америке. Начинал он очень интересно, но в какой-то момент его музыка стала «бизнесом на китайщину». И это не только мое мнение. Конечно, его оперу поставит «Метрополитен-опера», потому что там огромная китайская община, и она вся придет.

— Ну тут все понятно, это «рыночные механизмы». И таких примеров псевдо- русского, китайского или арабского много. Я снова, как зануда, вернусь к своему вопросу. Что мы сейчас наблюдаем: продолжение интеграционных процессов, либо то, о чем вы сказали вначале, но в политическом ключе, размежевание, подчеркивание своей «инаковости»?

— На мой взгляд существует все вместе взятое. Я приведу сейчас пример. В Зальцбурге в 2009 году проходила биеннале [с 2009 года весной в Зальцбурге проходит фестиваль Биеннале Новой музыки. – ЮДК], где были такие темы концертов: «Беат Фуррер и фламенко», «Стив Райх и гамелан», «Клаус Хуберт и арабская музыка». По несколько концертов проходило по каждой теме, и это все было очень убедительно. Таким образом, тенденция к интеграции, конечно, есть, но есть и нечто противоположное.

— Это очень интересно. Раз был устроен такой масштабный фестиваль, значит это актуально, есть живой интерес и есть связи…

— Связи огромные. Когда посмотришь на минимализм, то это практически гамелан.

— Конечно, если анализировать на уровне музыкальной техники паттернов, то здесь общий принцип существования устной традиции, лежащей в основе фольклора: вариативность попевок, нанизывание их, и бесконечная повторяемость вариантов.

— Не знаю, есть ли это в европейском фольклоре.

— В обрядовой культуре (там где сохранилась) есть. В русском фольклоре есть точно. Стравинский показал, какие богатые возможности скрываются в узкообъемных ладах и попевках.

— Вот у Клауса Хубера, безусловно, совершенно сознательное проникновение в арабский фольклор и профессиональную арабскую музыку. Более того, когда началась война в Персидском заливе, он написал два замечательных сочинения. Первое с арабскими, французскими, персидскими и немецкими текстами — «Земля вращается на рогах быка» (1992/93). Это ансамбль для четырех арабских и четырех европейских музыкантов и магнитофонной пленки. А второе «Ламентации на конец XX века» (1994) для оркестра и суфийского певца. Конечно, объединяющая тенденция очень сильная, но вместе с тем, я бы не игнорировал и другую.

— Вы имеете в виду разделение двух цивилизаций? Я думаю, что для современного постмодернизма работы К. Леви-Стросса имели серьезные последствия. Собственно с его легкой руки европейский экзотизм был сведен к колониализму и расизму, что совершенно несправедливо. Сейчас мы наблюдаем вариации на эту тему. Но давайте подведем итог нашей беседы. Каковы перспективы культурного диалога Востока и Запада?

— Мир сейчас глобализируется, и с искусством происходит то же самое. Причем глобализация идет в разных направлениях, она многомерна. Восток усваивает Запад, Запад усваивает Восток. Иногда они серьезно конфликтуют, но это нормально. Чаще побеждает все-таки взаимный интерес и взаимопроникновение. Сейчас даже на уровне семьи национально-расовые барьеры сметены. Мама может быть из Германии, папа из Африки, а ребенок женат на русской. Где искать корни? То, о чем когда-то писали фантасты и философы-утописты, становится реальностью.

— В этом случае мы можем констатировать, что в начале XXI века мы на новом вираже истории возвращаемся к идеям начала XX века, когда было активное желание интеграции и взаимный интерес. Когда европейские композиторы, глубоко погружаясь в «чужую» культуру, открывали для себя новые миры, и новое в себе.

Магнитогорская государственная консерватория – Международное сотрудничество

Информация о заключенных и планируемых к заключению договорах с иностранными и (или) международными организациями по вопросам образования и науки

Название государстваРеквизиты договора (наименование, дата, номер, срок действия)Наименование организации
Китайская народная республика Соглашение о сотрудничестве от 08. 07.2019 г., бессрочно Культурно-информационная корпорация Нанкин Анфиа, ЛТД (Nanjing Anfia cultural media co., Ltd) – Нанкин Анфиа
Китайская народная республика Соглашение о сотрудничестве от 16.12.2020 г., бессрочно Хэнаньский профессиональный институт искусств

Информация о международной аккредитации

КодНаименование профессии, специальности, направления подготовкиНаименование аккредитующей организацииСрок действия международной аккредитации (дата окончания действия свидетельства о международной аккредитации)

Международная деятельность в Магнитогорской консерватории осуществляется по нескольким направлениям:

  • участие студентов и аспирантов консерватории в международных конкурсах;
  • организация и проведения международных конкурсов, фестивалей и творческих проектов в МаГК.
  • работа преподавателей консерватории в жюри международных конкурсов;
  • проведение мастер-классов преподавателей консерватории за рубежом и зарубежных музыкантов в МаГК;
  • участие преподавателей консерватории в международных научных конференциях и семинарах;
  • обучение иностранных студентов, аспирантов и ассистентов-стажеров в МаГК.

Участие студентов в международных конкурсах – прекрасная возможность прямых контактов с большим количеством зарубежных музыкантов, приобретение бесценного опыта сравнения основополагающих принципов различных исполнительских школ, что, несомненно, способствует повышению качественного уровня подготовки музыкантов-специалистов в консерватории. Студенты МаГК традиционно успешно показывают себя на международных конкурсных мероприятиях, что способствует росту авторитета консерватории, престижа ее преподавателей и пропаганде российской исполнительской школы за рубежом. Более 200 студентов колледжа и консерватории, творческие коллективы приняли участие, став лауреатами и дипломантами, в международных исполнительских конкурсах и фестивалях:

На базе консерватории традиционно проводятся крупные международные конкурсные и фестивальные мероприятия: Международный фестиваль-конкурс исполнителей романса им.  Т.С. Церетели «Гори, звезда!»; Международный конкурс «Учитель музыки XXI века» им. Д.Б. Кабалевского; Международный конкурс-фестиваль камерно-ансамблевого исполнительства им. Т.А. Гайдамович; Международный фестиваль «Дни высокой музыки на Южном Урале»; Международный фестиваль-конкурс оркестров и ансамблей народных инструментов «ЕВРОПА – АЗИЯ»; Международный конкурс исполнителей на народных инструментах «Кубок Урала».

Знаком признания уровня образовательной деятельности Магнитогорской консерватории является приглашение ее преподавателей для работы в жюри международных конкурсов, проведения концертов, мастер-классов (Испания, Чехия, Грузия, Армения).

На базе Магнитогорской консерватории ежегодно проходят мастер-классы зарубежных музыкантов: лауреата международных конкурсов Луца Лесковица (Австрия), профессора Венской консерватории Альберта Сассманна (Австрия), профессора Бостонского университета Боаза Шарона (США), Юрия Гильдюка (Белоруссия), Доры Шварцберг (Австрия), Конрада Албера (Германия), Дамира Султанова (Казахстан) и многих других.

Работали за рубежом преподаватели МаГК: профессор Тхань Буй Конг (Германия, Сингапур, США 2009), В.П. Платонова (Китай, 2012), Л.А. Мишурова (Южная Корея, 2014), И. Губайдуллин (Китай, 2017-2019)

В ежегодных международных научно-практических конференциях, проводимых в Магнитогорской консерватории, принимают участие крупные ученые из ведущих вузов искусств России, представители Казахстана, Украины. В ходе работы представляются доклады и сообщения, которые содержат большое количество плодотворных научных идей, безусловно стимулирующих дальнейшее развитие отечественного искусствознания, педагогики в сфере художественного образования. Силами научно-творческого студенческого общества консерватории ежегодно проводятся Международные студенческие научно-практические конференции.

С целью развития международного сотрудничества ведется работа по установлению творческих контактов с зарубежными коллегами, творческими и образовательными организациями (Проект Международной ассоциации музыкантов-педагогов «Искусство и педагогика XXI века».

Серьезным шагом в развитии международных отношений стало развитие отношений с Южной Кореей. Первый фестиваль корейской культуры состоялся в Магнитогорской консерватории еще в 2003 году. Позднее возникла идея совместного проекта Магнитогорской консерватории и южнокорейского Института музыки Донг-Пусан (Dong Pusan College University). Так в 2010 году на фестивале русской музыки в Южной Корее, проходившем с участием музыкантов Института музыки и Магнитогорской консерватории, было заключено соглашение о сотрудничестве, определяющее особенности приема и обучения студентов, согласно которым, корейские студенты могут продолжить обучение в Магнитогорской консерватории по согласованным обеими сторонами специальностям.

В декабре 2014 года был заключен договор с компанией «Образование за рубежом», расположенной в китайском городе Циньхуандао провинции Хэбэй. В рамках этого направления международной деятельности планируется привлечение абитуриентов из Китая.

В 2014 году был организован совместный Международный межвузовский культурно-образовательный проект между Российской специализированной академией искусств, Магнитогорской консерваторией и Оренбургским институтом искусств, в рамках которого Магнитогорскую консерваторию посетил пианист и педагог, лауреат международных конкурсов, заведующий кафедрой специального фортепиано музыкального факультета Бостонского университета, профессор Боаз Шарон (США).

В 2019 году между Магнитогорской консерваторией и Культурно-информационной корпорацией Нанкин Анфиа, ЛТД (Nanjing Anfia cultural media co., ltd) было подписано соглашение о сотрудничестве.

В консерватории успешно развивается работа отделения иностранных студентов, аспирантов и ассистентов-стажеров.

В 2009–2019 учебных годах в Магнитогорской государственной консерватории обучались и проходили стажировку студенты из Вьетнама, Китая, Южной Кореи, Казахстана и Таджикистана. За это время квалификация была присвоена 6 иностранным выпускникам аспирантуры, 1 выпускнице консерватории. После окончания аспирантуры каждый из них удачно трудоустроился в родной стране, а выпускница консерватории продолжила обучение в ассистентуре-стажировке. В организации учебного процесса для иностранных граждан были задействованы многие кафедры: специального фортепиано, концертмейстерского мастерства и камерного ансамбля, сольного пения, хорового дирижирования, музыкального искусства эстрады, философских, гуманитарных и социально-экономических дисциплин. Выпускные экзамены иностранных студентов проходили в форме открытых выпускных концертов. Такими стали выпускные концерты 2013 года южно-корейских выпускников Че Джин Хён (рук. проф. Е.В. Трофимова), Вён Со Им (рук. доцент Е.В. Тверитина), Век Хун Сон (рук. Л.Р. Спицына), Ким Зи Хо, Зо Ёнг Хи (рук. В.А. Семина), Ким Ок (рук. проф. Л.А. Мишурова). Сборный концерт выпускников 2013 года состоялся в Концертном зале камерной и органной музыки в г. Челябинск. Открытым мероприятием был концерт выпускницы консерватории Цюй Чжэньчжэнь (рук. проф. А.Л. Тетерин) в 2014 году. С 2015 по 2019 года в Магнитогорской консерватории получили образование Го Сюаньиу (проф. Е. А. Кравченко), Ма Вэйцань (профессор Н.Н. Веремеенко), Пак Сон А (Е.Н. Трофимова), Цюй Чжэньчжэнь (А.М. Анучин).

Иностранные студенты в период учебы принимали активное участие в мероприятиях и работе творческих коллективов Консерватории.

МУЗЫКАНТЫ И ПЕВЦЫ – Качественная зарубежная музыка

Интересующая меня должность (необходимая информация) *

Фортепиано (Шоу-бар/Оркестр) Гитара (шоу-бар/оркестр) Бас (Шоу-бар/Оркестр) Барабаны (Шоу-бар/Оркестр) Труба (Шоу-бар/Оркестр) Тромбон (Шоу-бар/Оркестр) Саксофон (Шоу-бар/Оркестр) Группы для вечеринок Конферансье пиано-бара Сольный певец/гитарист Карибский дуэт Карибский солист Струнное трио Латинский ансамбль Кантри Дуэт Ретро-поп-дуэт Певица вечеринки Коктейль Пианист Классический гитарист Певцы, которые танцуют Танцоры, которые поют Двуязычные певцы (английский и испанский)

Визовые ограничения не позволяют многим музыкантам жить и работать за границей | Дебаты

Для струнных музыкантов, желающих путешествовать через границу, опасность перевозки инструментов на борту самолета и их прохождения через таможню на другом конце пути всегда является горячей темой. Это и понятно, ведь проблема грозит затронуть любого из нас, видимо, без разбора. Но еще один барьер влияет на тысячи музыкантов еще до того, как они прибывают в аэропорт: визовый режим.

Если быть точным, я имею в виду бюрократию, из-за которой музыканту-фрилансеру неоправданно трудно жить и работать за границей. В большинстве стран мира классической музыки отдельные солисты и ансамбли могут выезжать за границу на ограниченный период времени — например, для разовых концертов, проведения мастер-классов, посещения фестивалей или коротких гастролей.Но правила могут быть гораздо более строгими для тех, кто просто хочет развить свой музыкальный опыт посредством длительного пребывания.

Возьмите британскую визу Tier 1 и американскую визу O-1. Оба они позволяют музыкантам обосновываться и работать независимо в соответствующих странах. Но таких качеств, как художественное любопытство или желание наладить сотрудничество с музыкантами в принимающей стране, недостаточно, чтобы получить разрешение на работу. Скорее, кандидаты должны обладать исключительной квалификацией, равной международному признанию, или, по крайней мере, быть в состоянии продемонстрировать вероятность успеха на этом уровне.А в Великобритании ежегодно может быть выдано только 250 таких виз по всем видам искусства.

Очевидно, что такие требования могут исключить большинство потенциальных заявителей. Однако я не утверждаю, что национальные границы должны быть открыты для любого, кто утверждает, что он музыкант, без тщательной проверки. Художники из-за рубежа, желающие жить и работать за границей, могут быть обязаны отчитываться о творческой работе, проделанной во время их проживания, и оценивать ее «назначенным компетентным органом».А поскольку Совет искусств Англии уже помогает иммиграционным властям Великобритании в этом качестве, одобряя заявителей по системе уровня 1, тот же орган может также провести первоначальную оценку полномочий заявителя на визу в рамках более либеральной системы.

Между прочим, в Великобритании альтернатива получения предложения о работе и надежды на то, что это даст вам право на получение отдельной визы, также не является простой, поскольку национальное законодательство обязывает работодателей предоставлять определенные рабочие места своим гражданам в приоритетном порядке. В соответствии с этими правилами только основные оркестровые вакансии могут быть заполнены музыкантами из-за пределов Европейского Союза (в настоящее время членство Великобритании в ЕС означает, что все граждане ЕС имеют такое же право работать в Великобритании, как и граждане Великобритании).

Вместо этого вы могли бы подумать о том, чтобы поехать в Канаду или Германию, две страны, которые, по крайней мере, похоже, признают ценность и ценность международного музыканта-фрилансера. Оба предлагают визы для внештатных художников в соответствии с критериями, которые в первую очередь направлены на то, чтобы установить, что заявители являются тем художником, за которого они себя выдают (и что они могут обеспечить себя финансово).В Канаде соискатели должны продемонстрировать как минимум двухлетний опыт работы на себя в своей области знаний, но не ожидается, что в их заднем кармане также будет контракт со звукозаписывающей компанией или отраслевая награда, зарегистрированная во всем мире.

Очевидно, эти страны придерживаются мнения, что если приглашать артистов в гости – это хорошо, то насколько лучше для них оставаться подольше, устанавливать творческие связи и привносить свой опыт создания музыки в другие контексты, чтобы обогатить свои новые музыкальные возможности? окружающая обстановка.Это гораздо более широкий взгляд, чем тот, который рассматривает самозанятых иммигрантов как бесполезный низко висящий плод, который можно срезать во имя сокращения общего числа иммигрантов. В конце концов, фрилансеры могут сами обеспечивать занятость и возможности для других – путем создания собственных организаций; налаживая творческие отношения с музыкантами из своей страны; за счет расширения возможностей международного партнерства и открытия культурных экспортных рынков. Разве не было бы более продуктивным найти способ приветствовать художников и позволить им остаться, чем пытаться отгородиться от них?

Музыкальные волонтерские программы за рубежом | Go Overseas

Во многих частях мира есть вакансии для волонтеров, которые специально занимаются музыкой. Если вы не можете найти музыкальную волонтерскую программу в предпочитаемой вами стране, рассмотрите возможность поиска других всеобъемлющих волонтерских программ, в которых может быть музыкальная составляющая. Куда бы вы ни отправились, мы надеемся, что ваши песни принесут новый смысл тем, кто их услышит.

Коста-Рика

Охрана окружающей среды, развитие молодежи и обучение английскому языку являются распространенными волонтерскими программами в Коста-Рике, некоторые из которых могут включать музыку. Однако есть и специальные волонтерские программы для музыки.Сила музыки далеко идущая, и она способна изменить маргинализированные сообщества. Музыка не только лечит своих слушателей, но и дает музыкантам право голоса, что создает платформу, на которой могут решаться самые насущные социальные и экологические проблемы нашего времени.

Волонтерство в музыкальной программе часто является учебным опытом как для волонтера, так и для участника, где вы прямо или косвенно узнаете о культурных сходствах и различиях. Одним из замечательных моментов в обучении детей музыке является то, что музыка не только дает им ценный и находчивый инструмент, но и одновременно помогает детям изучать английский язык.

Кения

Кения — отличное место для волонтерства в музыкальной программе. В развивающейся стране существует большая потребность в добровольцах во многих областях, включая медицинскую работу, работу с детьми, гуманитарную работу и строительные проекты, но всегда есть потребность в добровольцах для музыкальных программ, которые иногда упускаются из виду из-за острая потребность в других областях.

Нота за нотой, вы можете изменить жизнь тех, кто испытывает трудности, как детей, так и взрослых, поскольку музыка играет большую роль в обществах Восточной Африки.В качестве волонтера вы можете помочь в управлении местными музыкальными группами, чтобы помочь развитию местной музыкальной сцены, вы можете помочь организовать общественные выступления или в конечном итоге вы можете преподавать уроки игры на гитаре (или любом другом инструменте) нетерпеливым ученикам.

Перу

От берегов Тихого океана, через гигантскую горную цепь Анд, вокруг древних руин и потерянных цивилизаций и в джунгли Амазонки Перу представляет собой дико красивую и экологически разнообразную страну. В Перу существует большая потребность в квалифицированных добровольцах в таких областях, как охрана окружающей среды, развитие сообщества, образование, здравоохранение и музыка.

Волонтеры музыкальных программ в Перу имеют возможность уберечь молодых людей от улиц, преступлений и опасностей, помогая им подобрать инструмент. Некоторые музыкальные программы помогают детям, живущим в трущобах, обучая их игре на гитаре или барабанах, а также обучая основам теории музыки и вокалу. Для таких программ необходимо музыкальное образование.

Китай

Многие китайские дети знакомятся с музыкой в ​​очень раннем возрасте, и их родители записывают их в музыкальные школы.Однако миллионы других никогда не могут позволить себе учиться музыке или иметь собственные инструменты. Пекин, вероятно, лучший город в Китае для любителей музыки, и он, безусловно, предлагает множество возможностей помимо музыки для волонтеров, включая преподавание английского языка.

Когда дело доходит до музыки, Китай является страной нового и старого: в стране создаются невероятные поп- и рок-группы, которые собирают миллионы последователей, а народная музыка, исполняемая на традиционных инструментах, остается популярной.Есть множество музыкальных программ, на которые можно подать заявку, от проектов по развитию сообщества до обучения самой музыке. Волонтерство с музыкой в ​​Китае — и в других странах мира — может быть таким же полезным опытом для вас, как и для участников.

Travel Pocket Guide – Работа за границей: какие есть варианты?

Вы когда-нибудь думали о работе за границей? Это большой шаг, и неопределенность переезда за границу может оттолкнуть некоторых людей. Но что бы вы сделали? Оказывается, есть гораздо больше вариантов работы за границей, чем вы, возможно, когда-либо рассматривали…

Работа за границей | Общественные проекты

Экологические и общественные проекты — отличный способ расширить свои знания и опыт в области глобальных проблем и событий. Такая работа, как правило, не оплачивается. Тем не менее, большинство проектов поставят самое необходимое, включая проживание и питание, которые, как вы вскоре обнаружите во время путешествия, являются основными расходами ваших с трудом заработанных денег.

Работа за границей | Креативная индустрия

Начинающие креативщики часто могут найти хорошие возможности за границей. Например, гастролирующие музыканты и артисты могут выйти на новые рынки, продвигая и продавая свои работы. Великобритания имеет ведущую репутацию в творческой индустрии за рубежом отчасти благодаря различным правительственным инициативам, поддерживающим экспорт работ из этого сектора.Такие органы, как Совет по делам искусств Англии и Культурная программа Европейской комиссии, стремятся наладить более тесное сотрудничество между странами по всей Европе, а также обеспечить финансирование различных предметов, отвечающих этой цели.

Работа за границей | Преподавание английского языка как иностранного

Преподавание английского языка как иностранного — очень популярный способ работы за границей. Поскольку не требуется никакой специальной дисциплины, многие студенты, не имеющие специального опыта или навыков, часто могут найти это полезным средством для заработка и путешествий.Преподавание за границей, несомненно, откроет для вас множество возможностей, а также принесет невероятное удовлетворение. Став активным членом другого сообщества, вы обнаружите, что устанавливаете значимые и прочные дружеские отношения не только со своими учениками, но и с другими сотрудниками и гражданами. С точки зрения карьеры ваше резюме мгновенно улучшится благодаря узнаваемым реальным навыкам и международной компетенции, которые вы приобретете.

Работа за границей | Программы трудоустройства и обмена

Многие университеты предлагают студентам возможность работать за границей в рамках своего курса продолжительностью от нескольких недель до года.Характер трудоустройства также варьируется в зависимости от предмета. Например, экологические предметы, вероятно, откроют возможности за границей из-за характера того, что преподается. Однако большинство курсов и университетов предлагают проекты по обмену, которые позволяют студентам учиться в университетах-партнерах в течение года.

Работа за границей | Повседневная работа

Для многих студентов и молодых людей случайная работа — это все, что им нужно во время путешествий. Возможности многочисленны в секторах гостеприимства и туризма, включая работу в баре и отдых.Не всегда лучший с точки зрения оплаты, но то, чего не хватает в финансовом отношении, можно компенсировать в удовольствии! Создание групп друзей часто связано с работой в пабах, клубах и барах. В зависимости от того, в какой точке мира вы находитесь, возможностей для ручного труда также обычно предостаточно. В Новой Зеландии и Австралии, например, сбор сезонных фруктов всегда доступен для тех, кто ищет быстрые деньги.

Что я могу сделать с музыкальным образованием?

Если вы выпускник музыкального факультета, сочинение музыки, исполнение и преподавание — это только три способа развития вашей музыкальной карьеры.

Помните, что многие работодатели принимают заявления от выпускников с любой степенью, поэтому не ограничивайте свое мышление перечисленными здесь вакансиями.

Потратьте несколько минут, чтобы ответить на вопросы викторины Job Match и узнать, какая профессия вам подходит чтобы решить, в каком направлении вы хотели бы, чтобы ваша карьера взяла. Прослушивание живой музыки и исполнение позволяет вам оценить музыкальные способности, взаимодействовать с публикой и знакомиться с новыми музыкальными идеями.

Примите участие в представлениях, например, присоединившись к музыкальному обществу вашего университета и другим музыкальным группам, таким как хоры, оркестры, ансамбли и музыкальные театры.

Некоторые университетские курсы включают стажировки в таких областях, как музыкальное образование и обучение игре на инструментах, звукозапись и студийная работа, композиция и организация мероприятий.

Вы также можете искать возможности у работодателей, связанных с музыкой, например, в школах, на музыкальных фестивалях или в местах, где регулярно проходят музыкальные представления.

Найдите вакансии и узнайте больше об опыте работы и стажировках.

Типичные работодатели

У вас, как у выпускника музыкального вуза, есть много вариантов, и вы можете выбрать работу в различных профессиях в музыке и за ее пределами.

Карьера портфолио довольно распространена, если вы занимаетесь музыкальной карьерой, и в конечном итоге вы можете работать как на внештатной основе, так и на контрактной основе. Например, вы можете совмещать преподавание с внештатной исполнительской работой, а также с работой по контракту/сеансам над конкретными проектами.

Работодатели включают:

  • музыкальные продюсерские компании – творческие и административные должности
  • музыкальные розничные торговцы
  • средства массовой информации – включая музыкальные журналы и лицензирующие органы
  • школы и колледжи
  • оркестры, оперные труппы и гастрольные компании
  • 90 , э.грамм. гостиницы, летние лагеря и круизы
  • поставщики психиатрических услуг и благотворительные организации
  • вооруженные силы
  • ряд ​​работодателей в культурной и творческой индустрии, включая кинокомпании и игровые компании.

Найдите информацию о работодателях в творческом искусстве и дизайне, педагогической подготовке и образовании, медиа и Интернете, а также в других секторах занятости.

Навыки для вашего резюме

Музыкальное образование дает вам обширную базу навыков, включая:

  • хорошую физическую ловкость, память и концентрацию – развиваются на практике и в работе
  • творческие способности – развиваются посредством ряда творческих проектов
  • общение навыки – развитые посредством выступления и привлечения слушателей
  • работа в команде – работа в группах или оркестрах в качестве исполнителя, лидера или менеджера для того, чтобы хорошо выступить во время экзаменов, концертов и прослушиваний
  • планирование и управление временем – организация и работа над проектом/выступлением
  • технические навыки и опыт – использование технологий для создания и записи музыки и изучение акустики
  • критические размышления – предоставление и получение критика, обучение на ошибках и стремление к повышению производительности
  • предпринимательство – как добиться успеха в конкурентной среде.

Вы можете узнать, как музыка используется в различных сообществах и культурах, и развить понимание профессиональной этики в мире искусства.

Дальнейшее обучение

Некоторые выпускники музыкальных факультетов выбирают дальнейшее обучение в области, связанной с их первой степенью, которая позволяет им специализироваться, например, в области композиции. Другие получают ряд квалификаций в таких областях, как музыкальное исполнение, режиссура, инструментальное или вокальное обучение.

Думая о дальнейшем обучении, вы можете рассмотреть чисто академическую музыкальную квалификацию или варианты получения степени в области общественной музыки, культурного менеджмента или музыковедения.

Также можно пройти дополнительное обучение, чтобы получить статус квалифицированного учителя (QTS) и работать учителем музыки в средней школе. Найдите курсы повышения квалификации учителей.

Чтобы получить дополнительную информацию о дальнейшем обучении и найти интересующий вас курс, см.  Степени магистра и выполните поиск курсов для аспирантов по музыке.

Чем занимаются выпускники музыкальных факультетов?

Каждый десятый (9%) выпускник музыкального факультета работает музыкантом через пятнадцать месяцев после выпуска. Профессионалы-педагоги (7%), специалисты-педагоги среднего образования (6%), руководители искусств, продюсеры и режиссеры (3%), актеры, артисты и ведущие (3%), фотографы, операторы аудиовизуального и вещательного оборудования (3%). и специалисты по маркетингу (2%) также входят в десятку лучших должностей.

Назначение Процент
Занятые 67,9
Дальнейшее исследование 7,3
Работа и изучение 12,3
Безработный 7,3
Другое 5.2
Музыкальные направления 17.3
Тип работы Процент
Искусство. 5
Розничная торговля, питание и обслуживание клиентов 20.5
9.7
Другое 31
31
Типы работ вошли в Великобритании

Узнайте, чем занимаются другие выпускники после получения степени в Чем занимаются выпускники?

Данные о направлениях выпускников от Агентства статистики высшего образования.

Авторы редакторов AGCAS

Январь 2021 г.

© Copyright AGCAS & Graduate Prospects Ltd · Отказ от ответственности

Адвокат Линда Роуз

Линда Роуз — адвокат и музыкант из Нэшвилла, штат Теннесси. Она является партнером-основателем Rose Immigration Law Firm PLC. Учитывая местонахождение своей фирмы, Роуз в основном занимается вопросами иммиграции в музыкальной и развлекательной индустрии. Фирма также занимается иммиграционной работой для международных корпоративных переводов, инвесторов, профессоров и исследователей в сфере высшего образования, а также специалистов в области информационных технологий, автомобилестроения и розничной торговли, и это лишь некоторые из них.

Профессиональный опыт Роуз отличает ее от других. Роуз занимала избираемое на национальном уровне место в качестве директора Американской ассоциации иммиграционных юристов в течение 14 лет в качестве лидера иммиграционной коллегии. Она числится в реестре выдающихся юристов, преподавала в качестве адъюнкт-профессора права на юридическом факультете Университета Вандербильта в течение 14 лет и постоянно упоминалась У.S. News and World Reports как одна из лучших юристов и юридических фирм. Она также является джазовым вибрафонистом и руководит квинтетом, известным как RoseOnVibes (см. www.roseonvibes.com). И она читала лекции на SXSW об иммиграции для музыкантов, посещала фестиваль перкуссии в Беркли и много раз ездила в Гану (девять по последним подсчетам), чтобы реализовать свою любовь к перкуссии и мировой музыке.

Как объясняет Роуз, к большому удивлению многих студентов музыкальных факультетов, музыкантов, композиторов, продюсеров, руководителей групп и других представителей музыкальной индустрии, У.Иммиграционное законодательство С. оказывает на них непосредственное влияние. Как правило, чтобы музыкант мог работать в Соединенных Штатах, он должен иметь разрешение на работу. Ниже Роуз делится своим мнением о вариантах неиммиграционной (временной) иммиграции для студентов-музыкантов.

Существуют ли какие-либо ограничения для дополнительного практического обучения после завершения обучения?

Для уточнения: Факультативное практическое обучение после завершения, известное как OPT, является разрешением для студента с визой F-1 работать, как правило, в течение одного года после окончания обучения в колледже.У вас должна быть карта разрешения на трудоустройство, получение которой в Службе гражданства и иммиграции США (USCIS) может занять от 90 до 120 дней и более. После получения карты вы должны работать по специальности. Так что для выпускника Беркли это означает работу, связанную с музыкой.

Общее правило заключается в том, что учащийся должен работать регулярно и не может быть безработным более 90 дней в течение периода OPT. Хотя периоды между работами до 10 дней не засчитываются в счет безработицы, студент должен быть осторожным, чтобы избежать длительных перерывов между концертами и проектами.OPT обычно управляется и администрируется назначенным школьным должностным лицом, также известным как «DSO». Хотя DSO может проявлять некоторую гибкость по отношению к иностранным студентам, сохранение статуса OPT чрезвычайно важно. Обязательно проконсультируйтесь с DSO по вопросам OPT.

Какие есть варианты остаться в США после прохождения учащимся программы OPT?

Тем, кто прибыл в качестве иностранных студентов, обычно обладателям визы F-1, следует заранее изучить варианты иммиграции, если они надеются продолжить музыкальную карьеру в Соединенных Штатах. Существует несколько категорий статуса временной или неиммиграционной визы, доступных музыкантам и лицам, занятым в музыкальных профессиях: O-1 «Выдающиеся способности», P-1 «Международные группы», P-2 «Взаимный обмен», P-3 «Культурно уникальный», Q-1 «Культурный». Стажеры по обмену, H-1B по специальности и менеджеры J-1.

Я много слышал о людях, работающих по визам H-1B и O-1. В чем разница между ними?

Между H-1B и O-1 огромная разница.Категория визы H-1B предназначена для тех, кто имеет четырехлетнее высшее образование или его эквивалент, и кто будет выполнять работу, требующую этой степени. USCIS должна считать эту работу «специальной профессией». Типичным примером является человек, получивший степень бакалавра в области бухгалтерского учета и нанятый американским работодателем в качестве бухгалтера. С музыкантами все не так однозначно. Несмотря на то, что академическое изучение музыки очень сложное, иммиграционная служба не считает должность музыканта «специальным занятием», для которого требуется степень. Другими словами, с точки зрения иммиграции вам не обязательно иметь высшее образование, чтобы стать музыкантом. Таким образом, получение степени в области музыкального исполнения в Беркли не дает вам права на получение H-1B как такового .

Однако виза категории H-1B идеально подходит для других профессий, связанных с музыкой. Скажем, например, вы получили степень бакалавра в области музыкального менеджмента. Это считается подходящим обучением для должности в управляющей компании артистов и, следовательно, может квалифицироваться как должность H-1B.

Категория визы O-1 предназначена для «художников с выдающимися способностями» и поэтому имеет строгое и ограниченное применение. Такой артист, как Элтон Джон, определенно мог бы претендовать на O-1. Но вам не обязательно быть Элтоном Джоном, чтобы попасть в эту категорию. Я получил классификацию O-1 для сессионных музыкантов, бэк-вокалистов и «неизвестных» артистов, чья популярность и известность ограничены их собственными странами. Редко, когда недавний выпускник колледжа может претендовать на статус O-1, но это не является чем-то неслыханным.На самом деле, я делал визы O-1 для выпускников Беркли, которые закончили учебу всего за год до этого (по окончании OPT). Так что не спешите сбрасывать со счетов эту категорию.

Вот как это работает: для O-1 вы должны быть признаны за свое величие как музыканта, композитора, аранжировщика или любой другой области вашей специализации. Одна только номинация на крупную награду, например, на Грэмми, может квалифицировать иностранного музыканта как O-1. Мы называем это «единственным критерием». Но поскольку не каждый входит в мой офис с Грэмми, Голубем или подобной номинацией или наградой в музыкальной индустрии, иммиграционная служба создала альтернативный список критериев.

Простой способ описать альтернативные критерии таков: вы должны быть очень, очень хороши в том, что делаете, и хорошо известны за это. Доказательства «менее известных» национальных и международных наград или номинаций или выступлений на важных площадках, обзоры в музыкальных журналах и записи, перечисленные в Billboard или в соответствующих музыкальных чартах, являются наиболее распространенными типами доказательств, необходимых для установления права на O-1. . Затем особое значение имеют мнения специалистов в области музыки, обычно предоставляемые в виде письма.Эти письма должны быть тщательно составлены в рамках иммиграционных требований, чтобы задокументировать выдающиеся навыки музыканта и его вклад в индустрию. Эти рекомендательные письма могут также подтверждать значимость любых наград или достижений. Вам часто нужны подтверждающие подтверждающие документы, включая письмо о назначении, фотографии, обзоры, новостные статьи, налоговые декларации, квитанции об уплате роялти, а также контракты на публикацию или исполнение. Если вы не подумали об этом заранее, получить эти документы может быть сложно.Обычно я рекомендую клиентам получить «все документы, которые ваша мать хранила для вас».

Получив форму H-1B или O-1, могу ли я работать где угодно? И на какой срок виза?

H-1B определяется работодателем и основывается на реальных отношениях между работодателем и работником. Это означает, что вас спонсирует этот работодатель, и вы должны работать на этого единственного работодателя. Работодатель должен платить существующую заработную плату. H-1B ограничен в общей сложности шестью годами, которые могут быть предоставлены с шагом в три года.Через шесть лет работнику H-1B необходимо иметь в работе еще одну категорию визы, например, вид на жительство. В зависимости от сроков процесса постоянного проживания могут быть разрешены дополнительные продления H-1B. Требования очень специфичны, и я бы обсудил эти возможные исключения с клиентами в зависимости от их индивидуальных обстоятельств.

O-1 для музыкантов не требует отношений между работодателем и работником в традиционном смысле, но должен быть спонсор из США, который берет на себя ответственность за подачу петиции и следит за человеком, пока он или она находится в Соединенные Штаты.В первоначальной петиции с запросом статуса O-1 должны быть указаны различные места, где музыкант намеревается выступать и получать оплату от «работодателей» различных мест, и эти места должны уполномочить спонсора O-1 подать петицию от их имени. Это немного сложно, потому что вам нужны концерты, чтобы претендовать на визу O-1, но вам нужна виза O-1, чтобы бронировать концерты. Это просто характер визового статуса, и мы можем помочь вам и вашему спонсору решить эту дилемму.

При наличии маршрута для поддержки запрошенного периода времени статус O-1 может быть предоставлен на первоначальный период в три года, а затем может быть продлен с шагом от одного до трех лет.O-1 является бессрочным, поэтому его можно продлевать столько раз, сколько необходимо, без ограничений. Если кто-то имеет статус O-1, основной вспомогательный персонал, такой как менеджер, участники группы, бэк-вокалисты, роуди, художники по костюмам, а также инженеры по свету и звуку, может сопровождать артиста O-1 в качестве вспомогательного персонала O-2. .

Вы также упомянули P-1, P-2, P-3 и Q-1. Что это за категории?

P-1 International Groups может служить альтернативой O-1.Обработка петиции на визу O-1 для руководителя оркестра, а также сопутствующей петиции на визу O-2 для всей группы, оркестра, исполнительской группы и вспомогательного персонала может быть дорогостоящей. И не в каждой группе есть член O-1. Конгресс признал эту возможность и ввел категорию P-1, чуть менее строгую категорию визы для групп и групп.

Категория визы P-1 распространяется на всю группу. Однако группа должна иметь некоторую международную известность и выступать за границей на значительных площадках.Хотя, например, члены U2, скорее всего, будут претендовать на получение визы O-1 индивидуально, было бы непрактично подавать несколько петиций O-1, когда одна петиция P-1 распространяется на всю группу для короткого тура по Соединенным Штатам. . Недостаток P-1 заключается в том, что он выдается только с шагом в один год, при условии, что есть план для поддержки одного года, и выступления всегда должны быть групповыми, а не индивидуальными. Но P-1, как и O-1, можно продлевать без ограничений.

Взаимный обмен P-2. Взаимный обмен P-2 немного отличается. P-2 полезен для музыкантов, которые приезжают в Соединенные Штаты для выступления в рамках программы взаимного обмена. Насколько мне известно, для музыкантов действует только одна такая программа: Американская федерация музыкантов (AFM). В рамках этой программы музыканты, являющиеся членами AFM Канады (также известной как Канадская федерация музыкантов), могут запросить классификацию P-2 для гастролей в Соединенных Штатах. Должен быть маршрут, и статус предоставляется только с шагом в один год.

P-3 Уникальный в культурном отношении. Теперь давайте предположим, что артист или группа не известны во всем мире, но хотят сделать карьеру в Соединенных Штатах. Альтернативой является уникальная в культурном отношении категория визы P-3. Эта виза имеет три основных требования: (1) заключение эксперта о том, что группа умеет представлять уникальный в культурном отношении вид искусства; (2) свидетельства в виде обзоров, фотографий и/или статей о том, что группа культурно уникальна; и (3) доказательства того, что группа едет в Соединенные Штаты для уникального в культурном отношении выступления.Этот стандарт широко и либерально интерпретируется иммиграционной службой, и категория визы предоставляет отличный вариант для музыкантов и артистов, которые в противном случае не имеют права на получение визы для выступления в Соединенных Штатах. Прекрасным примером группы P-3 может быть Ladysmith Black Mambazo, южноафриканская группа a cappella , исполняющая традиционную этническую музыку. P-3 предоставляется с шагом в один год, но может продлеваться без ограничений.

Q-1 Культурный обмен. Еще один вариант для исполнителей культурной музыки — виза Q-1. Он был создан для содействия творческому культурному обмену. Художники, которые демонстрируют и преподают свой уникальный вид искусства в общественных местах, могут претендовать на статус визы Q. Место или программа культурного обмена должны быть разработаны таким образом, чтобы демонстрировать или объяснять обычаи, историю или традиции родной страны артиста. Африканский музыкант, который планирует выступить в образовательном общественном центре, является хорошим кандидатом на получение визы Q.

Если я не имею права на получение этих виз, повлияет ли работа без разрешения на мои будущие иммиграционные заявления?

Да, обязательно! Не работайте без разрешения иммиграционной службы.Человек, который работает без разрешения, считается «не имеющим статуса». Если вы студент F-1 и устроились на работу без разрешения на работу, вы нарушили свой статус. Вас могут депортировать за работу без разрешения. Более вероятным сценарием является обращение учащегося F-1 за «восстановлением на работе», но это допускается только в узких обстоятельствах. Этот тип нарушения статуса можно устранить, покинув страну и повторно въехав по визе F-1. Но я не рекомендую ни одному студенту работать без разрешения только потому, что это можно вылечить.Работа без разрешения также может повлиять на ваше право на получение статуса постоянного жителя посредством удобного процесса, называемого изменением статуса. Короче говоря, как только вы нарушаете статус, вы ступаете на опасную территорию.

Должен отметить, что даже если у вас есть статус рабочей визы, вы можете нарушить свой статус. Если вы, например, музыкант O-1, но подрабатываете в библиотеке по выходным, вы нарушили статус, потому что работали без разрешения. Ваш О-1 позволяет вам работать только музыкантом.Как и студенту с визой F-1, музыканту с визой O-1 придется покинуть страну и снова въехать по визе O-1, чтобы исправить нарушение статуса. И в качестве примечания: музыкант O-1 или студент F-1, просрочивший статус, может быть депортирован.

Неоднократные нарушения статуса, безусловно, могут повлиять на право на получение визы других категорий, а также на постоянное проживание. Избегайте любых нарушений статуса и превышения статуса. Играть безопасно. Если вы студент, проконсультируйтесь с консультантом в отделе по делам студентов Беркли.Если вы собираетесь получить высшее образование, проконсультируйтесь с иммиграционным адвокатом. Время и финансовые вложения того стоят, вместо того, чтобы столкнуться с последствиями неправильного иммиграционного пути.

С Линдой Роуз можно связаться по телефону [email protected] или www.roseimmigration.com . Или свяжитесь с владельцем фирмы и управляющим партнером Дуласом Руссо (также играет на басу в квинтете RoseOnVibes) по адресу [email protected]  На веб-сайте Американской ассоциации иммиграционных юристов www. aila.org .

Первоначально эта статья была опубликована в Berklee Today Winter 2011. Она была обновлена ​​с ноября 2021 года.

избирателей хотят, чтобы правительство сделало больше, чтобы помочь британским музыкантам гастролировать за границей новый опрос показывает сегодня.

UK Music, коллективный голос музыкальной индустрии Великобритании, заказал опрос после шквала жалоб от музыкантов и съемочной группы на дополнительные расходы и бюрократию, связанные с гастролями и работой по Европе с тех пор, как Великобритания покинула ЕС в конце января 2020 года.

В общей сложности 58% опрошенных согласились с утверждением о том, что «правительство должно делать больше, чтобы музыканты могли работать за границей после Брексита» — против только 7%, которые не согласились с утверждением.

Из репрезентативной выборки из 2080 человек, опрошенных 9-10 июня социологическим центром Public First, 26% заявили, что они ни согласны, ни не согласны с тем, что правительство должно делать больше, чтобы помочь музыкантам гастролировать по ЕС, а 9% ответили «не знаю». ».

Более молодые избиратели больше всего хотели увидеть больше действий со стороны правительства: 62% 18-24-летних согласны с тем, что правительство делает недостаточно для помощи музыкантам, гастролирующим по ЕС. Но это мнение разделяет и большинство пожилых избирателей: 54% избирателей старше 65 лет заявили, что правительство должно делать больше, чтобы музыканты могли работать за границей после Brexit.

Соглашение о том, что правительство должно делать больше для обеспечения того, чтобы музыканты могли работать за границей после Brexit, было представлено всем возрастным группам, с согласием 62% лиц в возрасте 18–24 лет и 54% лиц старше 65 лет.

На вопрос, должно ли правительство делать больше для поддержки музыкальной индустрии Великобритании, 56% согласились против только 8%, которые не согласились.

На вопрос, должна ли Великобритания гордиться своей музыкальной индустрией и наследием, подавляющее большинство ответило 83% против всего 1%, которые не согласились.

Разоблачения заставят министров правительства активизировать усилия со странами ЕС, чтобы упростить процесс и сократить расходы и бюрократию, с которыми сталкиваются гастролирующие музыканты.

Выводы появляются, когда UK Music усиливает давление на премьер-министра и министра культуры Оливера Даудена, чтобы тот рассказал, как продвигаются переговоры со странами ЕС по снятию ограничений.

В марте Борис Джонсон заявил перед Комитетом по связям высокопоставленных депутатов, что он работает «усердно» над решением проблемы и ведет «множество бесед» с правительствами ЕС.

Однако сотни тысяч людей поддержали петиции, чтобы привлечь внимание к огромным проблемам, с которыми сталкиваются музыканты и команда, пытающиеся работать в ЕС после Brexit.

Петиция, начатая фрилансером Тимом Бреннаном в рамках кампании Carry on Touring, собрала более 286 000 подписей.Он призывал к безвизовому разрешению на работу по всей Европе для гастролирующих профессионалов и артистов и привел к дебатам в парламенте в феврале, где депутаты присоединились к тем, кто подчеркивал проблему.

Главный исполнительный директор UK Music Джейми Нджоку-Гудвин сказал:

«В течение нескольких месяцев музыкальная индустрия Великобритании требовала срочного решения проблем, с которыми сталкиваются британские музыканты и команды, желающие работать и гастролировать по Европе. Теперь ясно, что общественность за нас, и избиратели тоже хотят видеть больше действий.

«Правительство только что доказало в своей торговой сделке со странами-членами ЕЭЗ, что визовые барьеры могут быть устранены при наличии достаточной политической воли. Теперь они должны сделать то же самое в переговорах со странами-членами ЕС и обеспечить, чтобы британские музыканты могли легко работать и гастролировать по Европе.

«Нам также необходимо принять решение о так называемых правилах «каботажа», которые налагают ограничения на количество остановок, которые они могут совершать в ЕС, для британских перевозчиков, что делает поездки непрактичными и нежизнеспособными для многих.

«В более широком смысле нам нужен переходный фонд для гастролей, чтобы смягчить возросшие расходы и бюрократию, с которыми теперь сталкиваются британские музыканты, стремящиеся гастролировать по ЕС, а также создание экспортного офиса при поддержке правительства, чтобы помочь поддерживать планы международных гастролей, а также продвигать и поддерживать британская музыкальная индустрия за границей».

Британская оперная певица Дженнифер Джонстон сказала:

«Я успешная британка в классической музыке, но сейчас моя карьера находится в серьезной опасности из-за проблем, связанных с визами и разрешениями на работу после Brexit.

«Если европейская работа исчезнет, ​​в Великобритании не будет достаточно работы, чтобы поддерживать существующее количество британских оперных певцов.

«Те из нас, кто занимает мое положение, признают, что мы меньшинство, но мы являемся известным меньшинством, мировым и очень успешным аспектом британского музыкального экспорта. Мы заслуживаем того, чтобы наши голоса были услышаны, когда мы просим правительства Великобритании и ЕС вернуться за стол переговоров».

Крейг Стэнли, председатель LIVE Touring Group, сказал:

«LIVE и те, кто работает в музыкальном секторе, очень разочарованы медленным прогрессом, достигнутым правительством Великобритании в решении основных проблем, с которыми столкнулась гастрольная индустрия после Brexit. .

«Если не принять срочных мер, лидирующее положение Великобритании в качестве поставщиков музыкальных талантов, оборудования и услуг на наш самый важный и ближайший международный рынок будет серьезно подорвано.

«По прошествии почти шести месяцев остается незначительный прогресс по целому ряду вопросов, от разрешений на работу до свободного передвижения грузовиков и автобусов из Великобритании по Европе, а также усиление бюрократии и множество дополнительных расходов.

«Мяч в значительной степени находится на стороне правительства Великобритании, чтобы взаимодействовать с Европой и добиться положительных результатов в связи с заявлением премьер-министра о том, что он «усердно работал» над решением этой проблемы.”

Стоимость индивидуальной испанской визы составляет 232 фунта стерлингов на человека или 189 фунтов стерлингов для рабочей визы с фиксированным контрактом. *(см. дополнительные примеры в примечаниях для редакторов).

В дополнение к регулярным новостям о переговорах правительства со странами ЕС по решению проблем, с которыми сталкиваются гастролирующие музыканты, UK Music также звонит по номеру
для: совершить поездку по ЕС.
Резолюция о так называемых правилах «каботажа», которые налагают ограничения на количество остановок, которые они могут совершать в ЕС, для британских перевозчиков.Они могут сделать только одну начальную остановку и еще две остановки, прежде чем они должны вернуться в Великобританию, что делает гастроли непрактичными и нежизнеспособными для многих.

Оставить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.