Костюм художника: Костюмы Художника детские купить в интернет магазине 👍

Детский костюм художника: своими руками для арт-вечеринки

Создайте шедевр, который можно сделать самостоятельно, превратив вашего маленького художника в классическую палитру с акварельной краской. Добавьте французский берет ручной работы и гигантскую кисточку. Ниже вы можете прочитать инструкцию с пошаговыми фото, как сделать детский костюм для вечеринки своими руками. Это займет немного времени, но за день управитесь. Это не будет дорого стоить, и шитья очень мало. Зато наберетесь опыта, и следующий карнавальный костюм заберет намного меньше времени.

Вот ваши инструменты для изготовления костюма:

• швейная машинка
• утюг
• гладильная доска
• булавки
• игла для ручной работы
• ножницы
• резак
• коврик для резки
• ремесленный нож

Приготовьте такие материалы:

• 70 см желтого флиса
• 45 см белого войлока
• 45 см черного войлока
• фетровые прямоугольники красного, оранжевого, желтого, зеленого, синего,
• фиолетового, коричневого цвета
• клей
• Застежки-липучки белого цвета
• нитки
• синельная проволока коричневого цвета (ее еще называют шенильная или просто пушистая)
• серебряная краска
• лента художника
• красная аэрозольная краска (по желанию)
• бумага

Ресурсы

платье, коробка с акварельной краской и шаблоны для беретов

Как сделать костюм художника для детской арт-вечеринки своими руками

ШАГ 1

Выкройка платья для костюма длиной 61 см, шириной 34 см у основания проймы и 51 см снизу. Обязательно «примерьте» напечатанный рисунок и внесите необходимые изменения. Затем отрегулируйте цвета краски, соответственно покрасьте лунки и размеры лотков для краски. Прикрепите рисунок к желтому флису и обрежьте по размеру.

ШАГ 2

Разрежьте восемь кусочков 114 х 140 мм и нанесите на обратную сторону каждого цвета – красного, оранжевого, желтого, зеленого, синего, фиолетового, коричневого, черного – следуя указаниям на упаковке. Нарисуйте овальный шаблон на бумаге и вырежьте краски. Если вы изменили размер рисунка вверх или вниз, отрегулируйте цвет краски и раскрасьте узоры по необходимости.

ШАГ 3

Вырежьте восемь кусочков размером 165 х 127 мм и прогладьте утюгом на белой фетре. Обведите шаблон на бумаге и вырежьте. Чтобы вырезать овал, используйте канцелярский нож.

ШАГ 4

Вырежьте два прямоугольника 47 х 18 см, чтобы они поместились на передней и задней части костюма; если вы изменили размер рисунка вверх или вниз, отрегулируйте этот размер по необходимости. Закруглите углы на прямоугольнике, чтобы он был похож на прямоугольную палитру с краской. Покрасьте лунки.

ШАГ 5

Аккуратно поднимите «палитру» и положите на гладильную доску. Снимите бумажные вкладыши.

Погладьте каждый цвет отдельно.

Также с лунками. Лунки должны слегка перекрывать цвета краски внизу.

ШАГ 6

По диагонали от левого плеча прикрепите коробку с краской к передней части платья.

ШАГ 7

Пришейте прямоугольную палитру с краской к передней части платья. Повторите процедуру с обратной стороны, положив палитру по диагонали, чтобы обе части встретились на одном плече.

ШАГ 8

Отрежьте кусок белого войлока и обрежьте выступающие части.

ШАГ 9

Сшейте только боковые швы платья вместе с припуском 12 мм. Нет необходимости подшивать дно или шить ремни (ура флису).

ШАГ 10

Примерьте платье на ребенка. Отметьте места для липучек и пришейте.

ШАГ 11

Теперь сделаем берет художника. Разрежьте два круга, используя рисунок. Размер модели соответствует объему головы 50 см. Вырежьте маленький круг из большого и сложите их друг на друга. Сшейте наружу два круга вместе, используя шов 6 мм.

ШАГ 12

Поверните правую сторону наружу и нажмите пальцами на швы, чтобы они выглядели как объемный круг.

ШАГ 13

Вырежьте войлочную полосу размером 58,5 х 6,5 см и сшейте короткую сторону вместе со швом.

ШАГ 14

Сложите полосу пополам вдоль.

ШАГ 15

Прикрепите ободок к внутреннему кольцевому кругу с обметкой.

ШАГ 16

Пришейте ободок к шляпе, используя шов 6 мм. Удалите булавки.

ШАГ 17

Вырежьте маленький прямоугольник 64 х 6 мм, сложите пополам и вручную пришейте на верх шляпы. Можете набить шляпу салфетками, чтобы она сохраняла форму.

ШАГ 18

Большая кисточка

. Обмотайте утеплитель труб клейкой бумагой и покрасьте в красный цвет, дайте высохнуть.

ШАГ 19

Вставьте синельную проволоку в верхнюю часть трубки.

ШАГ 20

Все готово, вот так должен выглядеть костюм художника для арт-вечеринки. При необходимости обрежьте конец трубки до нужной высоты. Как организовать арт-вечеринку для детей, можно прочитать здесь.

Автор: Кэти Беймер
Источник фото: www.diynetwork.com/how-to/make-and-decorate/crafts/kids—halloween-costume—watercolor-paint-box
с

Одежда для Басика в подарочной упаковке

Каталог товаров — Бренды — КОТ БАСИК — Одежда для Басика — Костюм художника – Одежда для Басика в подарочной упаковке

Другие варианты:

Описание товара

Одежда для Кота Басика в подарочной упаковке.

Страна бренда	Россия
Подходит в подарок	для девочки
Возраст	3+ лет

С этим товаром также покупают

• Зайка Тося Orange Toys, Символ Года 2023 Зайка Тося Orange Toys, Символ Года 2023

  490 р.

  Добавить в корзину

• Зайчик Тёма Orange Toys, Символ Года 2023 Зайчик Тёма Orange Toys, Символ Года 2023

  1249 р.

  Добавить в корзину

• Зайчик Сёма Orange Toys, Символ Года 2023 Зайчик Сёма Orange Toys, Символ Года 2023

  1249 р.

  Добавить в корзину

• Зайчонок Мася Orange Toys, Символ Года 2023 Зайчонок Мася Orange Toys, Символ Года 2023

  419 р.

  Добавить в корзину

• Зайка Звездочка Orange Toys, Символ Года 2023 Зайка Звездочка Orange Toys, Символ Года 2023

  1290 р.

  Добавить в корзину

• Зайчик Майкл Orange Toys, Символ Года 2023 Зайчик Майкл Orange Toys, Символ Года 2023

  1489 р.

  Добавить в корзину

• Зайчик Лёлик Orange Toys, Символ Года 2023 Зайчик Лёлик Orange Toys, Символ Года 2023

  990 р.

  Добавить в корзину

• Зайчик Профессор Морковкин Orange Toys Зайчик Профессор Морковкин Orange Toys

  1090 р.

  Добавить в корзину

• Кролик Тедди Orange Toys, Символ Года 2023 Кролик Тедди Orange Toys, Символ Года 2023

  1558 р.

  Добавить в корзину

• Зайчонок Мася Orange Toys, Символ Года 2023 Зайчонок Мася Orange Toys, Символ Года 2023

  419 р.

  Добавить в корзину

• Зайчик Бося Orange Toys, Символ Года 2023 Зайчик Бося Orange Toys, Символ Года 2023

  490 р.

  Добавить в корзину

• Кролик Ярик Budi Basa, Символ Года 2023 Кролик Ярик Budi Basa, Символ Года 2023

  1207 р.

  Добавить в корзину

костюмы для «Современника», МХАТа, Театра сатиры от художника-модельера.

Публикации раздела Театры

Художник-модельер Вячеслав Зайцев начал работать для театров в 1963 году — он разрабатывал костюмы, сценографию, плакаты для постановок. Первым спектаклем, над которым он работал как художник по костюмам, стал «Безумный день, или Женитьба Фигаро» в Театре сатиры. С того времени он оформил 20 спектаклей для российских и зарубежных театров. Среди них ― «Современник», МХАТ, Театр сатиры и Театр имени Евгения Вахтангова.

Художник для театра

Сцена из спектакля Юрия Соломина «Молодость Людовика XIV». Государственный академический Малый театр России, Москва. Фотография: maly.ru

Андрей Миронов в роли Фигаро в спектакле Маргариты Микаэлян «Безумный день, или Женитьба Фигаро». Московский академический театр сатиры, Москва. Фотография: satire.ru

Сцена из спектакля Андрея Житинкина «Пиковая дама». Государственный академический Малый театр России, Москва. Фотография: maly.ru

Первые сценические костюмы Вячеслава Зайцева публика увидела в постановке «Безумный день, или Женитьба Фигаро» Театра сатиры. Модельер стремился изменить устоявшийся фасон, объединить спектакль и моду. Так, небесно-голубое атласное платье графини Розины получило изысканную драпировку; алый костюм слуги Фигаро — украшение из маленьких круглых зеркал; а черный бархатный колет (короткая куртка) Фигаро — шитье золотыми нитями. Сам он так вспоминает свои первые театральные шаги: «И я сделал то, чего не хватало в театральном костюме: мне не нравилась бутафорность и сухость — я взял натуральные ткани и сделал так, чтобы в костюме было не стыдно выйти в зал».

Позднее Вячеслав Зайцев оформлял постановки для театра «Ромэн» и МХАТ, а также сотрудничал и с несколькими бродвейскими театрами. В Государственном Малом театре он работал вместе с Андреем Житинкиным в постановке «Маскарад» и с Юрием Соломиным в спектакле «Молодость Людовика XIV». Одной из последних работ Вячеслава Зайцева для Малого театра стала «Пиковая дама» 2015 года.

Читайте также:

• 10 имен современной хореографии
• История русского балагана
• Магия театра: как создают спектакли

Наряды для принцесс и королей

Елена Измайлова в роли Елизаветы в спектакле Михаила Ульянова «Ричард III». Театр имени Евгения Вахтангова, Москва. Фотография: vakhtangov.ru

Сцена из спектакля Евгения Вахтангова «Принцесса Турандот». Театр имени Евгения Вахтангова, Москва, 1963 год. Фотография: Государственный центральный театральный музей имени А.А. Бахрушина, Москва

Василий Лановой в роли Калафа и Людмила Максакова в роли Адельмы в спектакле Евгения Вахтангова «Принцесса Турандот». Театр имени Евгения Вахтангова, Москва. Фотография: vakhtangov.ru

Вячеслав Зайцев тщательно прорабатывает каждый эскиз одежды, чтобы он соответствовал не только общей концепции представления, но и исторической эпохе. Через одежду художник передавал особенности времени и черты характеров героев. Так, в нарядах главного злодея спектакля об эпохе Средневековья, «Ричард III», модельер использовал все оттенки красного — от кроваво-красного, символа убийства, до торжественно-пурпурного, знака королевской власти.

В работе над постановками Вячеслав Зайцев никогда не акцентировал внимание на своем участии и не навязывал личных амбициозных идей. Когда художник создавал костюмы для спектакля «Принцесса Турандот», одной из актрис массовки не понравился эскиз платья, который он нарисовал. Новую модель костюмер сделал в соответствии с ее пожеланием. В результате после премьеры многие отмечали несоответствие наряда спектаклю.

Работа в театре «Современник»

Сцена из спектакля Галины Волчек «Три сестры». Московский театр «Современник», Москва. Фотография: sovremennik.ru

Сцена из спектакля Галины Волчек «Вишневый сад». Московский театр «Современник», Москва. Фотография: sovremennik-teatr.ru

Сцена из спектакля Галины Волчек «Вишневый сад». Московский театр «Современник», Москва. Фотография: sovremennik-teatr.ru

В «Современник» Вячеслава Зайцева пригласила главный режиссер театра Галина Волчек. Первой их совместной работой стал спектакль «Три сестры» 1982 года. Кружево, шифон, шерсть ― сейчас ткани для любого наряда найти несложно. А тогда Зайцев придумывал, где достать необходимый материал: что-то покупал у фарцовщиков, что-то привозил из-за границы. Например, кружево для накидки Любови Раневской Зайцев тайком привез из Парижа.

В 2001 году в спектакле «Три сестры» Вячеслав Зайцев выступил не только как художник по костюмам, но и как сценограф. В качестве главной декорации он предложил использовать мост как метафору стремления сестер вырваться из провинции в Москву. Наряды главных героинь Зайцев сшил в одной стилистике: строгие, скромные платья пастельных тонов. За все время существования постановки в театре наряды практически не изменились.

Для театра «Современник» Вячеслав Зайцев разработал сценографию и костюмы к пяти спектаклям: «Вишневый сад», «Три сестры», «Анфиса», «Лоренцаччо» и «Кто боится Вирджинии Вулф?».

Теги:

Театральный костюмИстория театраГод театраПубликации раздела Театры

Курсы художника по костюмам в Москве, обучение костюмеров

О программе

Вы научитесь выстраивать собственную продуманную концепцию костюмного решения, принимать решения о его исполнении на стыке художественного замысла и производственных возможностей. Курсы костюмера в Московской школе кино предусматривают большое количество практической работы. Выпускники смогут начать карьеру в качестве ассистента художника по костюму.

1 семестр

Мастерство художника по костюму

История кино

История костюма

Графические инструменты визуализации

Основы эстетики и стилей

Основы Photoshop

Кинокомпозиция и анализ кино

Цветоведение

2 семестр

Мастерство художника по костюму

История костюма

Работа в Adobe Photoshop

Специфика работы с рекламой и музыкальным видео

Результаты обучения

По окончании обучения на художника по костюму вы:

Работы в портфолио

Подать заявку

Как поступить

Для поступления нужно иметь среднее общее, среднее профессиональное или высшее образование, подать заявку на сайте и пройти собеседование с кураторами.

Подготовка

Для подготовки к поступлению вам необходимо:
– ознакомиться с информацией о вступительных испытаниях ниже
– изучить список литературы, рекомендованный абитуриентам
– подать заявку
– получить инструкцию с дальнейшими действиями на почту

ПРЕДВАРИТЕЛЬНЫЙ ОТБОР

Предварительный отбор не предусмотрен, но к собеседованию вам необходимо подготовить и прислать задание:
– выберите литературное произведение;

– предложите изобразительное решение (цвет, настроение, фактура), которое, на ваш взгляд, могло бы быть использовано при экранизации произведения;

– сделайте разбор 1-3 персонажей в контексте общего стилистического решения.

Ваши решения могут быть представлены в виде референсов, коллажей и т.д.

CОБЕСЕДОВАНИЕ

За 2 дня до проведения собеседования вы получите письмо с приглашением на собеседовании.

Собеседование с куратором и преподавателями программы пройдет онлайн.
В ходе вступительных испытаний вам нужно представить выполненное задание и обосновать ваше решение по костюмам.

РЕЗУЛЬТАТЫ ВСТУПИТЕЛЬНЫХ ИСПЫТАНИЙ

В течение пяти дней после собеседования вы получите письмо с результатами вступительных испытаний.

Если вы успешно прошли вступительные испытания, вам нужно будет:
– заключить договор на обучение
– оплатить обучение, выбрав оплату сразу за год, двумя платежами или помесячно.

Если вы не прошли вступительные испытания, вы также получите письмо с результатами. Школа оставляет за собой право не комментировать причины отказа.

ПОРТФОЛИО

Наличие портфолио не является обязательным при поступлении на программу «Художник по костюму», но дает вам дополнительное преимущество.

Подать заявку

Дисциплины

История костюма

История русского и зарубежного костюма. Технология и материаловедение. Реконструкция исторического костюма.

Рисунок и живопись

Композиция. Пропорции. Конструктивное построение. Передача материальности и фактуры предметов.

История кино

Главные вехи истории мирового кинематографа. Самые значимые имена, фильмы, направления.

Основы смежных профессий

Как работает кино-конвейер: последовательность и взаимосвязь этапов. Работа команды на всех этапах производства.

Кинопроизводство

Знакомство с основными этапами кино- и телепроизводства и изучение ключевых производственных инструментов: работа со сценарием, разработка, защита и реализация визуальной концепции, постановка задач и управление специалистами  художественного департамента, коммуникации со смежными департаментами на съемочной площадке и на этапе создания компьютерной графики.

Мастерство художника по костюму

Основная дисциплина программы, последовательно готовящая студента к работе в качестве художника по костюмам в кино, на телевидении и в рекламной индустрии. Изучение композиции костюма, работа с фактурами, разработка и исполнение эскизов, работа с цветовым решением, макетирование и подбор референсов. Знакомство с функциями и задачами специалистов, участвующих в создании костюма на разных этапах, постановка задач и взаимодействие с соседними цехами.

Конструирование и моделирование костюма

Схемы кроя разных костюмов исходя из исторических особенностей силуэта. Распределение объемов, ширин и высот тех или иных деталей костюма. Выкройка костюма и его деталей, технология обработки узлов и деталей исторического костюма.

Военный костюм и работа с униформой

Изучение стилистических особенностей военных костюмов разных эпох. Изучение разных видов униформы. Использование источников и референсов при работе над проектом военной тематики.

Работы студентов

Четвертая часть серии роликов о пользе отказа от курения «Маяковский. Я Счастлив», совместного проекта студентов Московской школы кино, Кинопоэзии и Амедиатеки

Третья часть серии роликов о пользе отказа от курения «Маяковский. Я Счастлив», совместного проекта студентов Московской школы кино, Кинооэзии и Амедиатеки

Показать еще

Рекомендуемые программы

• Подготовительный курс Filmmaking

• Художественная постановка

• Художник по гриму

Тезисы мастер-классов художника по костюмам Надежды Васильевой ⋆ MovieStart

Основной темой XV Международного кинофестиваля имени Андрея Тарковского «Зеркало» в этом году стала «Сказка как документ». В рамках традиционной программы «Костюм в кино» были показаны несколько сказок, в их числе и лента Олега Погодина «Конек-Горбунок». После просмотра фильма у зрителей была уникальная возможность пообщаться с художницами по костюмам. Надежда Васильева и Ольга Михайлова раскрыли тайны создания костюмов к «Коньку-Горбунку» и рассказали о том, какими качествами должен обладать художник по костюмам.

Надежда Васильева обладает многолетним опытом работы на картинах у самых разных режиссеров, это она одевала героев фильмов Алексея Балабанова, шила роскошные платья для скандально-известной исторической драмы Алексея Учителя «Матильда», и продумывала сказочные образы персонажей для последней ленты Ренаты Литвиновой «Северный ветер».

Она убеждена, что хороший художник по костюмам – это, прежде всего, свободный творец, который способен предложить режиссеру картины уникальное решение. Кроме того, в этой профессии очень многое зависит от режиссера: важно, чтобы вы с ним с разговаривали на одном языке и черпали друг от друга вдохновение и идеи, при этом сохраняя свою независимость.

  –  На самом деле, каждая картина – это решение. Самое главное, за что берут художника – за его способность придумать решение, а потом уже идет воплощение. Если ты не придумал своего решения, то грош тебе цена. Я всегда говорю, что если взять десять художников и дать им одинаковое задание и одинаковое количество ткани, то в итоге получится десять образов, из которых два будут очень хорошие, два будут средние, а остальное ну так себе.  И поэтому решение должно быть другим, не традиционным, взятым из книжки или из учебника, это должно быть твое авторское решение, которое ты предложишь режиссеру. Режиссер все равно главный, и ты ему помогаешь своим решением, а он, в свою очередь, должен дать тебе некий посыл, в рамках которого ты это решение придумываешь. Это совместное творчество, и иногда, если вы не совпадаете с режиссером, то тогда лучше не работать. Вдохновение всегда от режиссера идет, а если от него не идет ничего, то ложись спать.

Надежда Васильева призналась, что костюмы, которые они придумывают – результат творчества и знаний огромного количества людей. По ее словам, художник – это не просто витающий в облаках отшельник, как многие его представляют, а человек, обладающий огромным количеством полезных знакомств и связей в разных областях. 

   –  Знаете, есть чудесный писатель Марк Твен, он написал историю Тома Сойера, который красил забор. Мальчик пораскинул просто мозгами и собрал всех людей, которые что-то могут, вот так и я работаю над костюмами, потому что, на самом деле, это действительно коллективное творчество. Я бы одна вообще ничего не смогла, даже материалы сделать, потому что для этого нужны и библиотеки, и книги, и телефоны друзей, которые обладают знаниями в очень разных областях. Мой старший сын однажды сказал: «Я понял, кто такой художник по костюмам, это тот, кто хорошо ищет».  

 Работа над «Коньком- Горбунком» не стала исключением. Художницы рассказали, что отыскивали референсы для костюмов сказки в разных уголках планеты и использовали все доступные средства: от музеев в Нью-Йорке и мировой живописи до подборок в фотохостинге Pinterest. В качестве консультантов им помогали научные сотрудники, искусствоведы, краеведы и даже хранительница костюмов в Эрмитаже.

   –  В Эрмитаже нам показали наряды бала 1903 года с 300-летия дома Романовых, часть наших костюмов в сказке была основана на них. Затем мы ходили в музей фотографии смотреть на головные уборы, которые там хранятся. Нам было важно изучить конструкцию, как их делали 100–150 лет назад, так что сбор материалов обычно ведется в разных плоскостях. Помимо этого, есть прекрасная сеть Интернет, в которой сейчас этого всего стало гораздо больше. К тому же, всегда есть старшие товарищи, которые и 100, и 300, и 500 лет назад творили, и у которых можно что-нибудь посмотреть и что-нибудь позаимствовать, – поделилась Михайлова.

У зрителей фестиваля была уникальная возможность увидеть те самые костюмы из «Конька-Горбунка». Удивительно, что даже после окончания съемок фильма образы персонажей продолжили жить своей жизнью: они побывали в нескольких российских городах, и в дни проведения фестиваля «Зеркало» очутились в Иваново. Жители города смогли вживую рассмотреть все детали – от колючек и засохших листьев на венце царь-девицы до потрясающей лубочной вышивки на платьях. Оказалось, что наряды не просто завораживают своей красотой, но и рассказывают о герое намного больше, чем любые слова. Во время встречи художницы картины раскрыли главные секреты создания сказочных костюмов.

 – Глупо делать историческое платье в сказке так, как оно есть, все равно существует некое преломление и изменение исторического контекста под нужды картины, под нужды сказки. И таким образом ледяной венок у нас продолжился в ледяном воротнике. То, что царь-девица лежит мертвая по всей видимости в гробу, нашло свое отражение в рисунке платья. Если вы вдруг смогли разглядеть, то там засохшие листья, колючки всякие, черепа. Вместе с тем все это прорастает в царскую корону, показывая, что она не просто девушка с улицы, а каких-то благородных кровей, то есть мы некий символизм попытались привнести в костюм.  

Надо заметить, что по одному платью можно рассказать обо всех технологиях, которые так или иначе применялись на этой картине. Помимо всяческих вылитых из пластика деталей, у нас там еще присутствовала гальваника. Мы построили рядом с костюмерной несколько гальванических ванн и радостно запихивали туда и обледеняли все, что могли запихнуть, начиная с листьев подорожника и одуванчиков, которые росли у нас перед входной дверью, и заканчивая шлемами солдат, -отметила Ольга Михайлова.

Также Надежда Васильева и Ольга Михайлова рассказали, что во время съемок художник нередко сталкивается с критикой в свой адрес и с непониманием коллег по площадке. Задача костюмера не просто создать эскиз, найти материалы и воплотить образ, но и убедить всех окружающих, что твоя задумка – то, что нужно фильму.

 – Придумать-то мы придумали, а дальше дело за воплощением. И изначально не просто воплощением, а убеждением всех окружающих, что это может быть неплохо. И если наш коллектив, в котором мы работаем, нам доверяет, то режиссеры, операторы и продюсеры склонны сомневаться в адекватности художника и в его профессиональных навыках. 

Не все понимают, что создание костюмов для сказки – это настоящая головоломка. Пока продюсеры озабочены сметами, режиссер множит дубли, а актеры разучивают текст, перед художником стоит задача – придумать, как сделать правдоподобные элементы костюма практически из подручных материалов. Один только воротник царь-девицы – долгая и кропотливая работа.

– Это были абсолютно химические опыты, мы вырезали тонкий пластик, сложили его в настоящую фрезу так, как бы складывался этот воротник, будь он из ткани. Дальше его разобрали, и один пластик залили другим пластиком, чтобы это больше напоминало лед. Все было бы ничего, но оказалось, что некоторые куски прозрачны, а некоторые куски белые. И нужно понимать, что этот воротник в развернутом виде был метров 17, наверное. Поэтому заливание кусочков химическим, каким-то прозрачным составом никому вообще-то радости не приносило. Это была очень скрупулезная, очень аккуратная работа. Потом было следующее разочарование – одного воротника оказалось мало, потому что у актрисы существовали каскадерские кадры, и нужно было сделать такой же, только чуть-чуть меньшего размера, — вспоминают художницы.

Многие зрители наверняка запомнили примечательную сцену в «Коньке-горбунке», когда царь-девица решает подшутить над Иваном и прыгает с ледяного обрыва в бездонную пропасть. Ее белоснежная юбка раскрывается в полете подобно парашюту и плавно несет героиню к земле. А когда Иван нечаянно задевает костюм царицы, он распадается по частям прямо во время падения. Художницы рассказали, что весь этот сложный процесс – заслуга костюмеров, а не компьютерной графики, как многие могли подумать. За кадром целая команда дергала за веревочки каждую часть платья Паулины Андреевой, чтобы добиться желаемого эффекта.  

 – Понимаете, эти костюмы не нарисованы, это все делалось вживую. И для того, чтобы разломать платье царь-девицы, отбираются отдельные художники. Есть люди, которые придумывают это платье, и оно существует просто как платье, а есть те, кто придумывает, как его разобрать подобно кубику рубика, потом собрать, а потом превратить в другой материал. То есть для каждого проекта подбирается свой специалист. Ну, вот для таких проектов, как платье царь-девицы, берут нас с Олей, — сказала Надежда Васильева.

Посмотреть сказку «Конек-Горбунок» стоит хотя бы из-за невероятных костюмов, каждый из которых вручную создавала большая команда художников. Надежда Васильева и Ольга Михайлова, как настоящие волшебницы, очаровывают и поражают даже самых безнадежных эстетов. Своими работами они наглядно показывают, как важно не ошибиться в выборе художника по костюмам, и что значит – быть верным своей профессии.

историческая правда и вымысел художника

Историю костюма для сцены и любых зрелищных событий древности можно отсчитывать с торжественных выходов восточных царей, процессий фараонов и, конечно, трагедий и комедий греческого театра. Но представление о костюме именно театральном как о важной части и мощном средстве воплощения общего замысла, как о работе, которая заслуживает внимания профессионального художника, и представление о самом спектакле как о коллективном труде равноправных авторов, складывалось постепенно в XVI–XIX веках. Возможно, начало этого долгого процесса связано с появлением в эпоху Возрождения нового архитектурного сооружения — театрального здания со сценой-коробкой, с развитием механики и внедрением новых технических приспособлений и, как следствие, усложнением зрелищных эффектов.

В XVI–XVII веках театральные представления делились на придворные, пышные, дорогостоящие — для избранного круга, и публичные, уличные и ярмарочные — для всех. Первые обогатили сценическое искусство театральной машинерией, перспективными декорациями, новым видением театрального пространства, вторые — новыми приемами актерской игры, импровизацией. Костюм в первом случае служил дополнительным украшением, основная его задача заключалась в декоративности и яркости.

Итальянский театр эпохи Возрождения оказал большое влияние на дальнейшее развитие всего европейского театра, как придворного, так и публичного. Этому способствовали гастроли различных итальянских трупп по странам Европы, которые были особенно популярны во Франции, где комедию в стиле дель арте разыгрывали при дворе члены королевской семьи, и в Англии, где искусство импровизации было успешно перенято актерами лондонских театров, в том числе и театра Шекспира. Актерская игра стала главной составляющей спектакля, зрелищности уделялось очень мало внимания. «Кулис и живописных декораций… не было. Бутафория, реквизит и машинные эффекты были крайне просты. Кусок дерна и пара деревьев в кадках обозначали сад или лес, трон — дворец, молитвенная скамья — церковь. Из предметов реквизита в театральных записях упоминаются: стулья, столы, скамьи, носилки, гроб, балдахин, статуи и т. п… Световых эффектов из-за постоянного дневного света там вовсе не было. При отсутствии крыши не было и приспособлений для полетов. Если в последних пьесах Шекспира и появляются фигуры в воздухе (Просперо в „Буре“ витает над Алонзо и его спутниками, в „Цимбелине“ Юпитер на орле спускается с облаков), то из этого нельзя заключать, что после 1610 года были созданы нужные приспособления; скорее можно предположить, что до нас дошел тот текст этих пьес, который предназначался для исполнения в придворном или в „частных“ театрах, где легко было спустить сруб с потолка» (Смирнов 1957). Костюмы были яркими, но, как и в средневековом театре, совершенно лишены исторической перспективы. Боги, дьяволы и драконы имели фантастический вид. Древние римляне или жители Востока были одеты либо весьма причудливо, либо как современные англичане. Театр Шекспира был публичным театром. Помимо такого вида театра, существовали еще частные театры, которые содержались, как правило, за счет богатых аристократов, хотя и они были доступны горожанам. Театральное здание в этом случае имело сплошную крышу, и потому спектакль, при искусственном освещении, мог даваться и вечером. Потолок и сплошные стены допускали наличие технических приспособлений. То же самое можно сказать и о придворном театре, который частные брали за образец. Бутафорская и вообще декоративная часть в придворном театре была, конечно, гораздо богаче. Тогда как в придворном театре спектакли давались преимущественно в периоды праздников (при Елизавете примерно всего десять вечеров в год, при Якове I — до двадцати четырех) — в городских театрах, как публичных, так и «частных», они шли круглый год, хотя давались не каждый день.

Разновидностью придворных представлений, характерных только для Англии, были «маски» — сочетание бала, маскарада и театрального спектакля. Генрих VIII участвовал в таких праздниках в качестве актера. Во время свадьбы принца Артура и Катарины Арагонской в 1501 году в Вестминстер-холл было показано представление с декорацией в виде зáмка, нарисованных чудовищ, корабля, который выезжал на платформе с аллегорическими фигурами Надежды и Желания, горы Любви, с которой рыцари штурмовали замок.

В представлении, которое устроили для французского посла в Гринвиче в 1528 году, занавес скрывал гору, украшенную розами и гранатами от персонажей-мужчин, пока дамы выходили из пещеры. Элементы декораций были расставлены на полу или вывозились на тележках. Публика «маски» размещалась по-разному: монарх сидел напротив «сцены», в одном конце зала, а остальные — по бокам вдоль стен. Иногда места для зрителей отсутствовали, поскольку они оказывались вовлечены в действие наряду с актерами.

Одно из немногих изображений праздника времен Елизаветы I — свадебный пир на портрете Генри Антона[1] (1596). Там нет декораций, но показаны танцующие люди в фантастических костюмах (в коронах, с крыльями, в ярких серебристых нарядах), дети с факелами, поднимающиеся на площадку, перед которой сидят музыканты.

Костюм в английском уличном театре на передвижных платформах (pageants), как и во времена мистерий, выполнял ту же функцию, что и декорации — показать зрителю незнакомое, неизвестное, понятными для него средствами. Костюм должен был помочь узнать персонажа, и в то же время радовать глаз фактурой ткани и цветом. Современный костюм использовался для всех исторических персонажей, даже библейских, иногда за исключением представителей других рас или древних племен, дикарей. Основных персонажей можно разделить на три категории: люди, сверхъестественные существа — с небес или из ада, персонифицированные образы добродетелей и пороков. Современный костюм служил основой для костюмов всех трех групп. На эту основу накладывали различные аксессуары и атрибуты, которые разные персонажи надевали или держали в руках, а также использовали символику цвета.

Например, платье короля было современным сценическим стилизованным королевским платьем, независимо от того, был это царь Давид, Соломон или Генрих VII, король был обязательно в короне, даже если лежал в постели, ни в коем случае не в ночном колпаке. Как правило, его платье и плащ были малиново-пурпурного цвета, у него в руках могли быть скипетр и держава.

Часто в театральных представлениях различного рода появлялась атрибутика турниров: щиты с гербами, символические цветы, животные и птицы.

В английском городском театре XVI–XVII веков были свои популярные персонажи, хотя и не такие известные сейчас, как герои Шекспира. Например, Mr. Nobody (Никто) и Mr. Somebody (Некто). Имя первого можно перевести буквально, как «нет тела», и оно у него действительно отсутствовало, его костюм состоял из одних огромных штанов, напоминающих шаровары, у второго наоборот, тело было слишком большим, а ноги короткими, он носил дублет[2] ниже колен. Соответственно, герою Mr. Nobody за отсутствием тела все телесное было чуждо, он ходил с молитвенником и четками в руках и поучал своего оппонента. Mr. Somebody, напротив, любил развлечения и все время задирал соперника, и «тело» в его костюме выглядело непропорционально большим, дублет доходил до колен, а ноги казались очень короткими. В их вечном конфликте и заключался сюжет пьесы, которую, в разных вариантах, продолжали играть почти до середины XVII века.

Эпоха Возрождения интересна для истории театрального костюма еще тем, что именно в этот период впервые была высказана идея о соответствии костюма времени действия пьесы. Итальянец Сомми, актер и режиссер из Мантуи (XVI век) предлагал заимствовать костюмы для трагедий у античных статуй и говорил, что не стоит одевать актеров, как своих современников. Однако тогда эта идея развития не получила.

«Маска» в Англии осталась в истории как иллюстрация эпохи королевы Елизаветы, не получив продолжения и развития, возможно, из-за революционных событий в стране. Во Франции, напротив, придворные балеты расцвели, украсили и прославили эпоху Людовика XIV, став частью его политики. «Музыка, театр, архитектура, живопись, поэзия уравниваются с золотом, скипетром, горностаевой мантией, бриллиантами короны, швейцарскими гвардейцами и державой — осязаемыми знаками его величия. Они становятся… средствами восхваления его персоны. Все произведения искусства, созданные в его царствование, становятся… частичками его славы» (Боссан 2002: 7). Людовик XIV старался «…связать со своим именем все, что было создано в его время, как если бы это создал он сам, а не Мансар, Лебрен, Расин или Люлли. Ни один монарх, ни один император… не добился такой идентификации искусства своего времени со своей личностью, как Король-Солнце» (там же: 8).

Участие в балетах было важной частью жизни придворных и короля. Если в XVIII веке придворные спектакли воспринимали как развлечение, одно из многих, то в XVII веке отношение к балету, искусству танцевать было иным. Это была важная часть церемониала, возможность проявить себя, прежде всего для короля и его подданных. По свидетельству современников, Людовик как будто всегда находился на сцене, не разграничивая бытовое поведение и сценическое, он только менял образы, неизменно возвращаясь к «образу короля». Он безусловно обладал талантом артиста и танцовщика, его манеры, осанка, жесты, походка, речь отличали его от приближенных и других царствующих особ, и вызывали восхищение. «В обществе XVII века, где человек непрерывно участвовал в спектакле, „долг представительства“ предписывает… что чем более высокое положение занимает человек по рождению или по должности, на которую он поднялся, тем более Природа должна быть в нем отшлифована Искусством» (там же: 28). Театрализация повседневности, о которой чаще упоминают исследователи XVIII века, столетием раньше служила исполнению именно «долга представительства», а не желанию покрасоваться.

Жанров балета было много: маскарадные, пасторальные, балеты-трагедии, балеты-комедии, рыцарские карусели, балеты «шиворот-навыворот» и др. Молодой Людовик мог исполнять по несколько ролей в одном спектакле. Первый выход четырнадцатилетнего короля-танцовщика состоялся в «Балете Кассандры» (1651), в том же году в «Балете Бахуса» Людовик танцевал уже шесть ролей: Пьяного жулика со шпагой, Прорицателя, Вакханки, Ледяного человека, Титана и Музы. Главными и самыми значимыми образами были Солнце и Аполлон, которые могли заменять друг друга. В образе Восходящего Солнца, благодаря которому король и получил свое прозвище, он появился в «Королевском балете ночи» (1653), где также исполнял несколько ролей. Эскизы костюмов Людовика XIV и других исполнителей сохранились в достаточном количестве, чтобы проследить основные принципы создания сценического костюма, которыми руководствовались следующие сто лет. Силуэт мужского костюма всегда приталенный, довольно узкая верхняя часть и пышные юбочки разной длины на каркасе либо штаны до колен, тоже различные по форме, но юбки встречаются чаще; на рукавах и штанинах сосредоточены основные декоративные элементы; и, конечно, кульминация любого костюма — головной убор, как правило, с пышным плюмажем. Костюмы Людовика всегда длиной лишь до середины бедра, чтобы король мог продемонстрировать свои стройные ноги, в то время как бытовая мужская одежда в 1650-е годы не предполагала такой степени обнаженности. Иногда в костюмах придворных балетов угадывается модный силуэт середины XVII века, но для мужского костюма это редкость. В этот период уже становится ясно, что костюм для сцены развивается по своим законам.

Особенно впечатлил современников костюм короля, который позднее получил название «римского». Людовик XIV выступил в нем на версальском празднестве «Великое ристание» (1662). Костюм состоял из парчовой кирасы, плотно облегавшей талию и снабженной длинными рукавами с буфами и лентами на плечах, традиционной для королевских костюмов короткой юбки, которую стали называть «тоннеле» (бочонок), чулок телесного цвета и высоких шнурованных сапог с красными каблуками, огромного парика и шляпы или каски с плюмажем (Тарабукин 1994: 122). Этот костюм в течение более ста лет, почти до конца XVIII века, носили не только танцовщики, но и драматические актеры, исполнявшие роли трагических героев. Он хорошо знаком по картинам А. Ватто, изображавшим актеров «Комеди Франсез», только вместо каски могли надевать треуголку. К концу своего существования он превратился в сценический штамп, неудобный для актера и комичный для зрителя.

Лиф женского костюма повторял формы мужского, только ноги всегда были полностью закрыты длинной юбкой. Хотя женские костюмы не менее декоративны и красочны, они кажутся более однообразными, отличаются только отделкой на одинаковых юбках. Возможно, потому что центральными всегда были мужские персонажи или женские, которых играли мужчины, ведь эти роли мог исполнять король.

Авторами костюмов и декораций придворных балетов были А. де Жиссе и Ж. Берен[3], первые французские театральные художники, имена которых известны. Во времена, когда актеры сами придумывали себе костюмы, заботясь больше о яркости и заметности на сцене, чем о соответствии образу и общему замыслу спектакля, над придворными спектаклями работал полноценный штат художников и механиков, как это происходит в современных театрах. Зрелища были грандиозными, а представлены публике могли быть всего один раз.

Необходимо отметить, что созданные Жиссе и Береном костюмы были довольно разнообразны. Например, в балетах «шиворот-навыворот» можно было увидеть платья, состоявшие из двух половинок — мужской и женской, или платья, надетые как будто задом наперед. Танцовщики могли изображать представителей других народов, иногда экзотических для французов — условных дикарей, индейцев, более знакомых турок, мавров, соседей-испанцев. Последних изображали в строгих черных нарядах, помня о влиянии испанской моды в Европе конца XVI — начала XVII века. Интересно менялся образ мавра на французской сцене. В Средние века, когда мавр считался врагом, он был персонажем популярного в Европе танца — морески, или мавританской пляски. Это один из самых распространенных танцев Средневековья, символизировавших борьбу христиан с маврами. «Среди участников был мавр с вычерненным лицом, в золоченом тюрбане, в кирасе, с деревянным мечом и щитом, с привязанными к ногам колокольчиками. Под звуки дудки и барабана этот многовековой враг Европы плясал в „восточном стиле“» (Красовская 1979: 22). Танец сохранился вплоть до XVII–XVIII веков. Художник и архитектор И. Джонс[4], который сыграл важную роль в развитии английского театра XVII века, изобразил танцующего мавра на эскизе к спектаклю в костюме, обтягивающем тело, как трико, украшенном бубенцами на плечах, на поясе и на икрах. Колокольчики вызывали ассоциацию и с шутовским нарядом. Мавр на французской сцене XVII века — романтический персонаж, образец галантности, его костюм очень красочный, из дорогой ткани, с золотом, перьями, лицо закрывает черная маска. «Мавры… отныне предстают совершенными подданными империи Амура: „…Их воспламененные души оставляют всю копоть телам — тем прекраснее становится огонь. Эти тела недостойны своих душ, ибо прячут дух лебедя под перьями вороны“» (Булычева 2004: 132).

Драматический театр классицизма был театром мысли и слова (новые принципы произнесения текста — не декламация нараспев в трагедиях, а «проговаривание» роли, естественная речь), а не театром зрелища и внешнего действа. Зрелищная сторона была сведена к минимуму. Единство места позволяло не менять декорацию, которая приняла общую форму «дворца вообще», поскольку тематика трагедии классицизма ограничивалась изображением событий дворцовой жизни. Страна и эпоха, в которую происходило действие, не получали отражения в декорациях и костюмах, тем не менее декорация приобретала формы, присущие французским дворцовым зданиям, а костюмы героев и героинь трагедии мало отличались от костюмов придворных.

Идеальный образец оформления спектакля в таком стиле — постановка трагикомедии «Мирам» в 1641 году. Автор пьесы — кардинал Ришелье, поставлена была на открытие театра «Пале-Кардиналь», который находился в самом дворце кардинала. По завещанию Ришелье театр перешел в собственность короля и стал называться «Пале-Рояль».

Особенностью сцены публичных театров XVII века был появившийся, скорее всего, на премьере «Сида» (во Франции, в Англии — в конце XVI века), обычай отводить места для зрителей по бокам авансцены, которые занимали исключительно аристократы. Появление зрителей на сцене сделало спектакль еще более статичным, так как значительно сократило размер площадки. Спектакль приобрел декламационный, разговорный, а не действенный характер. Важное значение имели в нем костюмы. Они были не историчны, но роскошны, актерам приходилось заботиться о том, чтобы не потеряться на фоне сидевших на сцене аристократов.

Костюм в театре XVIII века оставался либо условно-античным в трагедиях, экзотичным, условно-восточным — в операх, либо современным модным костюмом. Основные принципы трактовки сценического образа не изменились с XVII века. «Женские наряды чаще всего были тех же фасонов, которые встречались в тогдашнем светском быту. Иногда в исторических пьесах актрисы выступали в современных платьях, но иностранного покроя. В руках трагической актрисы необходимым атрибутом был большой носовой платок, который она в наиболее патетических местах подносила к глазам, а у комической актрисы — веер, которым она игриво кокетничала. Но в XVIII столетии чаще появляется на сцене бытовая одежда „третьего сословия“, в пьесах буржуазного жанра, в так называемых „слезливых комедиях“ и „мещанских драмах“» (Тарабукин 1994: 122).

В костюме драматического актера XVIII века могли уживаться и элементы костюмов комедии дель арте, и современные напудренные парики с тогами римских императоров, как это можно увидеть на эскизах к спектаклям известного театра «Комеди Франсез». Например, в костюмах знаменитого актера Лекена, в разных ролях из «Британика», «Эдипа», «Ифигении в Авлиде», «Китайского сироты» и других, неизменно присутствуют парики, модные в середине XVIII века, и на ногах кюлоты, чулки и туфли, которые, независимо от исторической эпохи, видны даже из-под шкуры дикаря.

Историк театра Т. Дэвис в 1784 году с иронией писал, что все Тамерланы и Катоны напоминали в ту пору мировых судей, носивших огромные парики (Ступников 1986). Положительные герои носили белые парики, а отрицательные — черные. Таким же обязательным был плюмаж, который часто достигал огромных размеров, особенно в начале века. На актерском жаргоне вслед за Гамлетом его называли «лес перьев».

Точно так же основой костюма актрис были современные по силуэту и довольно объемные юбки на фижмах и корсеты. Поверх этого каркаса драпировались сценические платья, в которых выходили на сцену в роли Федры или Андромахи.

Исторической правды в костюме впервые в XVIII веке потребовал Вольтер при постановке его пьесы «Китайский сирота» (1755), благодаря чему в коллекции театра «Комеди Франсез» сохранились два платья, напоминающих кимоно.

Танцовщик и теоретик французского балета Ж.-Ж. Новерр делал попытки реформировать балетный костюм, «вел войну с панье и бочонками», масками, которые лишали танцовщиков возможности использовать мимику. Сами танцовщики, как и актеры трагедий, хотели избавиться от придворных условностей. Балерина Салле одна из первых появилась на сцене в подобии античной туники, приоткрыла руки, ноги, шею и плечи, отказалась от тяжелых придворных одежд. Но все это не изменило ситуацию радикально.

Если для работы над декорациями было принято приглашать известных художников и архитекторов, то костюмы, особенно в драматическом театре, были заботой самих актеров. В Англии владелец труппы мог заключать договор с актером, в котором оговаривалось, какая часть гардероба обеспечивалась театром, а какая — самим актером. Как правило, по такому договору все аксессуары, а также обувь актеры приобретали самостоятельно. Часто в качестве театральных костюмов использовали подаренный или проданный каким-нибудь придворным повседневный гардероб. Старые актеры, уходившие со сцены и накопившие за долгую карьеру сценические костюмы, также могли продать их актерам нового поколения. Сценические платья заказывали у портных, шили обычную одежду, на некоторых сохранившихся образцах можно найти марки с адресами мастерских и именами изготовителей. Чем известнее был актер, чем выше были его доходы, тем более роскошные костюмы он мог себе позволить. Известные актрисы надевали на сцену подлинные драгоценности. Театральные имитации тканей, вышивок начали использовать только в XIX веке. Необходимо было соблюдать определенный сценический этикет, придерживаться традиционной формы и основных принципов сценического костюма. Ситуация с театральным этикетом напоминает происходившее в это время с французским придворным церемониалом. Сложившийся в эпоху Людовика XIV, он казался слишком громоздким, излишне затянутым и старомодным при Людовике XVI, но и этим старинным правилам продолжали следовать по инерции. Например, во время утреннего туалета Марии-Антуанетты право подавать ей рубашку имела фрейлина двора. «Но если случайно приходила одна из принцесс королевской фамилии, то уже ей принадлежало право набросить рубашку на плечи королевы… Камеристка держала рубашку и только предоставила ее фрейлине двора, как вошла герцогиня Орлеанская. Фрейлина двора возвратила рубашку камеристке, которая только что хотела передать ее герцогине, как вступила в комнату высшая ее рангом графиня Провансальская… Все это время (королева) должна была стоять рядом в костюме Евы и наблюдать, как дамы делают комплименты, передавая друг другу ее рубашку» (Элиас 2002: 109–110). Видимо, чтобы отказаться от устаревших традиций и при дворе, и в театре, нужна была революция.

В 1790-х годах, в балете «Арманда и Бахус» Ш.-Ф.-Л. Дидло[5] решился появиться в костюме, соответствующем сюжету балета: трико телесного цвета, легкая барсовая шкура, перекинутая через плечо, виноградные листья в волосах, в руке — жезл Бахуса. Это было ново для зрителя, который привык к условному костюму, и вызвало восторг. В опере «Коризанда» Дидло играл роль Сильфа в легкой газовой тунике. Вслед за ним танцовщики стали выходить на сцену в туниках, тогах и сандалиях, костюм менялся в зависимости от сюжета. Дидло также приписывают изобретение трико телесного цвета, которое обтягивало всю ногу и заменило чулки и панталоны, доходившие почти до колен. Трико в XVIII веке носили только балаганные актеры, танцовщики надевали панталоны из тафты телесного цвета. Возможно, Дидло перенял трико у уличных актеров, но в балете они были шелковые и заказывали их у лучших парижских портных. Трико не сразу прижилось на сцене. Попытка Дидло выступить в Лондоне в 1798 году в легком костюме и трико вызвала протесты борцов за нравственность. «Неприличные» костюмы танцовщиков обсуждались на заседании парламента. В результате премьера балета «Бахус и Арманда» была отложена, трико оказалось под запретом, и танцовщики вышли на сцену в белых вместо телесных чулках с подвязками, а легкие развевающиеся туники были прикрыты передниками.

Изменения, которые произошли в отношении сценического костюма в начале XIX века, связаны и с волной интереса к пьесам Шекспира. Интересовали режиссеров того времени, правда, больше коллизии сюжетов и новые возможности для демонстрации мастерства актера, сам шекспировский текст беспощадно правили, адаптируя к современным условиям, вычищая все «английские странности». В версии «Гамлета» 1804 года театра «Комеди Франсез» произошли значительные изменения: Офелия стала дочерью Клавдия, что поставило Гамлета перед корнелиевским выбором между долгом и любовью. Гертруда оставила короля, чтобы помочь Гамлету, которого в конце не убивают, а коронуют.

Художник Гарнери, работая над спектаклем, изучал литографии постановок «Гамлета» в Дании и Германии, где актеры были одеты в испанские костюмы (костюм испанского капитана для Гамлета) XVI века, и сделал такой же костюм, исторически точный, для самого известного в то время французского актера Тальма[6]. Этот эксперимент, хотя и скромный, был началом той реформы, которую произвел Тальма в области сценического костюма. В то время только герои античных трагедий носили костюмы Древнего Рима, а трагические герои других эпох были одеты в условный «костюм шевалье». Влияние на Тальма оказали художники Давид и Дюси[7], которые так же создавали костюмы для него. Они вместе изучали старинную живопись и скульптуру, разрабатывая подходящий для образа костюм.

После революции Комитет общественного спасения поручил Давиду разработать проект новых одежд для населения, эти эскизы использовались для костюмов массовых театрализованных праздников. Давида вдохновляла одежда древних греков и римлян, поскольку в античной истории его современники-реформаторы видели идеал общественного и политического устройства. Интересно, что похожая ситуация с «переодеванием» повторилась в 1920-х годах в Советском Союзе. Конструктивисты А. Родченко, В. Степанова, Л. Попова разработали «прозодежду» — униформу для работы на производстве и занятий спортом, максимально функциональную и минимально декоративную. Это тоже был костюм нового времени для новых деятельных и молодых людей. Как и костюмы Л. Давида, прозодежда сначала появилась на сцене, в спектакле «Клоп» (1923), но со сцены в повседневную жизнь советских людей так и не перешла, за исключением рабочего комбинезона, который придумал и любил носить сам Родченко. А вот мода на античный костюм переходит из театра сначала в салоны новой французской аристократии, а затем распространяется по всей Европе.

Именно в течение 1790-х годов происходит переворот в театральном костюме и в отношении к нему. «Новое в этой культурной ситуации было не только в воплощении носившихся в воздухе идей античной демократии, не только в необычном подходе к сценическому костюму… но и в том, что автором костюма стал профессиональный художник» (Кирсанова 2002: 98–99).

В какой бы пьесе ни играл Тальма, а это были в основном трагедии, он старался придерживаться исторической точности в костюме, а также начал использовать портретный грим. Тальма входил в окружение Наполеона, который подарил ему корону для исполнения роли Нерона в «Британике». Несмотря на авторитет Тальма, традицией всего французского театра это видение сценического костюма не стало, но начало было положено. Параллельно и гораздо более продуктивно эта идея была развита в английском театре в XIX веке.

Еще со времен известного английского актера Гаррика[8] (сер. XVIII века) в шекспировских постановках был принят условный «гольбейновский» стиль в костюме, который сохранился до начала XIX века и представлял собой смесь деталей одежды елизаветинского, якобитского и каролинского[9] стилей. Такой наряд вполне удовлетворял публику, которая видела на сцене актера одетого не так, как современники, а в духе старой живописи, и этого было достаточно.

Костюм Э. Кина в роли Ричарда III в театре «Друри-Лейн» — хороший пример «гольбейновского» стиля: в декоре использованы крупные накладные блестки в узоре в виде больших завитков, ярко блестевшие на свету и заметные даже на расстоянии. Дублет, пояс и штаны-шоссы могли бы принадлежать нескольким разным персонажам, если бы была необходимость. Горб Ричарда был прикреплен только к верхней одежде. Кин был небольшого роста, что можно увидеть на нескольких современных изображениях. Его «плащ с проймами» (с прорезями для рук), как актеры его называли, доходил до икр, что добавляло впечатление деформации фигуры. В других ролях Кин увеличивал свой рост при помощи обуви на толстой подошве.

Классический костюм, то есть римский или греческий, более-менее соответствовал эпохе, поскольку его создавали на основе античной скульптуры и изображений. Тем не менее однажды другому знаменитому актеру Дж. Кемблу намекнули, что римляне времен республики и времен империи, которых разделяют несколько веков, должны быть одеты по-разному. На это он ответил, что если будет соблюдать все эти отличия в костюме, то его назовут собирателем древностей.

Его сын Чарльз Кембл уже согласился надеть точный исторический костюм. Его убедил Д.Р. Планше — английский драматург, антиквар, специалист по истории костюма и геральдике, один из первых коллекционеров костюма. Его книга «История британского костюма» (1834) широко использовалась театральными художниками. В 1823 году они с Кемблом поставили «Короля Джона» — первый спектакль по произведению Шекспира, костюмы для которого были сшиты в соответствии с подлинными образцами. Совместно с Б. Уэбстером Планше поставил великолепную версию «Укрощения строптивой» в костюмах елизаветинской эпохи, сыгранную в 1844 и 1846 годах. Планше удалось по-настоящему изменить отношение к костюму на сцене, хотя Ч. Кембла он убеждал достаточно долго, и главным аргументом для актера стала коммерческая выгода. Планше заверил, что появление Кембла в исторически достоверном костюме XIII века увеличит сборы, и в итоге оказался прав.

Точность в костюме для таких актеров, как Макреди или Фелпс[10], уже не была простым способом увеличить сборы, это было еще одним средством достижения правдоподобия в изображении персонажа, они считали это актерским долгом по отношению к публике и к профессии. Чарльз Кин относился к костюму иначе, что видно по его афишам. Он изучал историческую основу пьесы, но не столько для того, чтобы понять, как будет все выглядеть на сцене, а для того, чтобы осмыслить поступки своего героя, его поведение, чтобы сделать свою игру совершеннее. Его директор (менеджер) не должен был заботиться о его костюме, но зато должен был обеспечить зрителей краткой статьей об основной идее пьесы, объяснить, что и почему он в ней делает и насколько это может не соответствовать первоначальному сюжету.

XIX век для английского театра — это время актеров-менеджеров, которые сами играли главные роли и были режиссерами, одновременно руководя театром, формировали труппу, следили за изготовлением декораций и костюмов. Одним из самых известных актеров-менеджеров был Генри Ирвинг. Он стал знаменит прежде всего трактовкой шекспировских образов — Макбета, Ричарда III, Отелло; из других его работ наиболее удачными были главные роли в «Фаусте» Гете и в пьесе «Беккет» А. Теннисона. Ирвинг первым из английских актеров был посвящен в рыцари. Ирвинг более чем кто-либо другой из его современников-актеров способствовал популяризации Шекспира на сцене. Если Кин считал декорации иллюстрацией к пьесе, то Ирвинг считал их обрамлением, фоном для актерской игры. Все элементы декорации должны были в своем единстве выражать настроение пьесы. Зрелищность, массовые сцены и историческая подлинность использовались более сдержанно, чем у Кина. Ирвинг требовал от художников хорошего стиля, артистизма в исполнении и красоты общей картины.

Ирвинг отказался от использования электричества, которое впервые применили в театре «Савой» в 1881 году, в пользу более глубокого, выразительного, по его мнению, традиционного газового освещения. Он один из первых стал использовать свет как выразительное художественное средство, располагал определенным образом осветительные приборы, применял цветное освещение.

Первая его постановка «Гамлета» декларировалась как «гармоничная сценическая иллюстрация идей поэта». Декорации и костюмы должны были только иллюстрировать текст, а не быть точной реконструкцией эпохи, но костюмы соответствовали XVI веку. Сцена не была заставлена декорациями, но использовались красивые спецэффекты — свет луны или блеск заката, которые служили хорошим фоном для поэзии Шекспира.

В отношении костюма Ирвинг придерживался взглядов известного актера театра «Друри-Лейн» Самуэля Фелпса, которым он восхищался. Точность и красота в костюме были важны, но не были основными критериями при его создании. Если слишком внимательное отношение к историческим деталям могло ослабить драматический эффект, Ирвинг находил способ обозначить эпоху другими средствами. Это хорошо видно на примере его головных уборов в ролях Ричарда III и Людовика XI. Каждый из них имеет характерную для XV века форму с полями, загнутыми сзади вверх и спереди скошенными в форме козырька над глазами. На всех шляпах этот скошенный край сделан хорошо заметным, на одной при помощи бусин, пришитых по краю, на другой — при помощи контрастного цвета и на третьей — при помощи окантовки из драгоценных камней. Результат во всех случаях одинаковый — зритель видит наклон, который зрительно переходит в козырек, и не замечает, что козырек намного короче, чем он должен быть, — всего лишь в дюйм длиной или немного больше, но при этом лицо актера не закрыто и видно выражение его глаз. Таким образом, было создано впечатление исторической точности, которая, если была бы соблюдена, помешала бы течению пьесы.

Рукава костюма тоже скроены немного короче, чем следует, чтобы не закрывать выразительных рук актера. Ирвинг считал, что жест или отсутствие жеста, напряжение, очень важны, поэтому кисть руки должна быть видна полностью — от запястья до кончиков пальцев. У всех костюмов Ирвинга очень узкие рукава, от самого первого коричневого пальто в роли Матиаса до зеленого с пурпурным роскошного костюма Беккета.

В отделке Кин считал самыми эффектными блестки, а Ирвинг отдавал предпочтение вышивке. Оборванные, почти сгнившие остатки его первого костюма Ричарда из коллекции Музея Лондона усыпаны вышитыми щитами королевского герба Плантагенетов. В костюмах Ирвинга крупные узоры, хорошо заметные с другого конца зала театра «Лицеум», были тем не менее выполнены с большим искусством, чтобы даже на близком расстоянии они смотрелись естественно, для него и для партнеров на сцене (Holmes 1968).

Существует несколько знаковых для его творчества предметов. Один из них — костюм Гамлета (1878), украшенный стразами, перекрытыми креповой вуалью. Этот прием был применен в костюме Вандердекена (капитана «Летучего голландца») — жюстокор[11] был плотно вышит стеклярусом и вышивка закрыта крепом, а камзол обшит павлиньими перьями. В приглушенном «лунном» свете на сцене костюм призрачно мерцал. Эффект был удачным и его часто использовали.

На рубеже веков в английском театре продолжалось увлечение массивными тяжелыми декорациями, зрелищными постановками. Но мраморные дворцы, процессии, массовые сцены уже подвергались критике. С другой стороны, стремление к реализму в изображении современности на сцене приводило лишь к совершенствованию театральной машинерии — на сцене, например, могли проложить рельсы и вывезти настоящий поезд. Но после появления кинематографа это уже не производило большого впечатления на зрителя. Реалистическое направление продолжило развиваться в сфере нового искусства кино, а театральный костюм получил возможность развиваться в разных направлениях, поскольку жесткие каноны перестали существовать.

 

Литература

[Боссан 2002] — Боссан Ф. Людовик XIV, король-артист. М., 2002 (Bossan F. Ljudovik XIV, korol’-artist. M., 2002).

[Булычева 2004] — Булычева А.В. Сады Армиды. Музыкальный театр французского барокко. М., 2004 (Bulycheva A.V. Sady Armidy. Muzykal’nyj teatr francuzskogo barokko. M., 2004).

[Вольтер 1809] — Вольтер Ф.М.А. История царствования Людовика XIV и Людовика XV, королей французских, с присовокуплением словаря всех знаменитых французских мужей: министров, полководцев, писателей и художников, прославивших царствование сих государей. М., 1809 (Vol’ter F. M.A. Istorija carstvovanija Ljudovika XIV i Ljudovika XV, korolej francuzskih, s prisovokupleniem slovarja vseh znamenityh francuzskih muzhej: ministrov, polkovodcev, pisatelej i hudozhnikov, proslavivshih carstvovanie sih gosudarej. M., 1809).

[Кирсанова 2002] — Кирсанова Р.М. Русский костюм и быт XVIII–XIX веков. М., 2002 (Kirsanova R.M. Russkij kostjum i byt XVIII–XIX vekov. M., 2002).

[Кирсанова 2006] — Кирсанова Р.М. Розовая ксандрейка и драдедамовый платок. М.; СПб., 2006 (Kirsanova R.M. Rozovaja ksandrejka i dradedamovyj platok. M.; SPb., 2006).

[Клейнер 1927] — Клейнер И. Театр Мольера. Анализ производственной деятельности. М., 1927 (Klejner I. Teatr Mol’era. Analiz proizvodstvennoj dejatel’nosti. M., 1927).

[Красовская 1979] — Красовская В. Западноевропейский балетный театр: очерки истории. Ч. 1: От истоков до сер. XVIII в. Л., 1979 (Krasovskaja V. Zapadnoevropejskij baletnyj teatr: ocherki istorii. Ch. 1: Ot istokov do ser. XVIII v. L., 1979).

[Смирнов 1957] — Смирнов А. Уильям Шекспир. Полное собрание сочинений У. Шекспира в 8 т. Т. 1. М., 1957 (Smirnov A. Uil’jam Shekspir. Polnoe sobranie sochinenij U. Shekspira v 8 t. T. 1. M., 1957).

[Ступников 1986] — Ступников И. Английский театр: конец XVII — начало XVIII века. Л., 1986 (Stupnikov I. Anglijskij teatr: konec XVII — nachalo XVIII veka. L., 1986).

[Тарабукин 1994] — Тарабукин Н.М. Очерки по истории костюма. М., 1994 (Tarabukin N.M. Ocherki po istorii kostjuma. M., 1994).

[Шартье 2001] — Шартье Р. Культурные истоки Французской революции. М., 2001 (Shart’e R. Kul’turnye istoki Francuzskoj revoljucii. M., 2001).

[Элиас 2002] — Элиас Н. Придворное общество. М., 2002 (Jelias N. Pridvornoe obshhestvo. M., 2002).

 

[Bashet 1882] — Bashet A. Le Comediens italiens a la cour de France sous Charles IX, Henri III, Henri IV et Louis XIII. Paris, 1882.

[Bate 1996] — Bate J. Shakespeare: an illustrated stage history. N.Y.; Oxford, 1996.

[Carlson 1972] — Carlson M. The French stage in the 19th century. Metuchen, 1972.

[Dux 1980] — Dux P. La Comedie-Francaise: trios siecles de gloire. Paris, 1980.

[Foakes 1985] — Foakes R.A. Illustration of the English stage, 1580–1642. London, 1985.

[Jowers 2002] — Jowers S. Theatrical costume, masks, make-up and wigs. N.Y.; London, 2000.

[Holmes 1968] — Holmes M. Stage costume and accessories in. London, 1968.

[Kelly 1938] — Kelly F.M. Shakespearian costume for stage and screen. London, 1938.

[Lawrenson 1986] — Lawrenson T.E. The French stage and playhouse in the 17th century: a study in the advent of the Italian order. N.Y., 1986.

[Picken 1999] — Picken M.B. A Dictionary of Costume and Fashion Historic and Modern. N.Y., 1999.

[Ribeiro 2000] — Ribeiro A. The Gallery of Fashion. London, 2000.

[Rosenfeld 1973] — Rosenfeld S. A short history of scene design in Great Britain. Oxford, 1973.

 

 

---

[1] Генри Антон (1557–1596) — английский дипломат; портрет находится в Национальной портретной галерее в Лондоне.

[2] Дублет — мужская верхняя одежда, короткая, до талии, плотно облегала фигуру; дублет надевали на рубашку, он мог быть сшит только из основного материала (как правило, плотного — шерсти, бархата, кожи и др.) и подкладки, а мог быть проложен бортовкой, китовым усом или простеган.

[3] Анри де Жиссе (1621–1673) — суперинтендант королевских развлечений, член Академии живописи, автор костюмов придворных спектаклей и празднеств. Жан Берен (1640–1711) — оружейник, декоратор, театральный художник, гравер королевского Кабинета гравюр, камер-художник Людовика XIV.

[4] Иниго Джонс (1573–1652) — английский художник и архитектор, заложил основы английского палладинизма и классической английской архитектуры, автор эскизов декораций и костюмов придворных представлений.

[5] Шарль-Фредерик-Луи Дидло (1767–1837) — французский танцовщик и балетмейстер, в 1801–1811 и 1816–1831 гг. возглавлял Петербургскую балетную труппу Российских императорских театров и с 1804 г. — Петербургскую театральную школу.

[6] Тальма Франсуа-Жозеф (1763–1826) — французский актер, самые известные роли: Гамлет, Нерон, Тит, Сцевола, Карл IX.

[7] Жак-Луи Давид (1748–1825) — французский художник-неоклассицист, автор портретов Наполеона и его приближенных, в 1790-е гг. участвовал в революционном движении, был депутатом Национального конвента и членом Комитета общественной безопасности. Жан-Луи Дюси (1775–1847) — французский художник, автор живописных полотен на историческую и мифологическую тему, портретов членов семьи Наполеона.

[8] Дэвид Гаррик (1717–1779) — английский актер, драматург и в течение тридцати лет директор театра «Друри-Лейн».

[9] То есть времен правления Елизаветы I (1558–1603), Якова I (1603–1625), Карла I (1625–1649).

[10] Уильям Чарльз Макреди (1793–1873) — английский актер, режиссер, добивался историчности оформления спектакля, приучал актеров к сценическому ансамблю; один из первых восстановил на сцене подлинные шекспировские тексты; самые известные роли — Лир, Гамлет. Самуэль Фелпс (1804–1878) — английский актер, режиссер, сыграл почти во всех пьесах Шекспира, участвовал в издании его двухтомника, всегда выступал против адаптации шекспировских пьес, вернул на сцену подлинный язык драматурга; самые известные роли — Гамлет, Макбет, Лир, Кардинал Вулси.

[11] Жюстокор (justaucorps) — французское название мужской верхней одежды кон. XVII — XVIII в., в России, с утверждением европейской моды, жюстокоры стали называть кафтанами, по аналогии с допетровским русским платьем.

Костюм художника «Сделай сам» — простое и бюджетное переодевание

Вы ищете забавный наряд или простой способ для вашего малыша создать собственный костюм на Хэллоуин своими руками? Этот костюм художника DIY идеален! Если у них есть любовь ко всему искусству, это фантастический способ создать для них костюм, который позволит им показать это!

Простая и недорогая альтернатива покупным костюмам!

Зачем тратить столько времени и денег на покупку костюма на Хэллоуин, если у вас есть возможность сделать его прямо дома? Вы можете легко пригласить своих малышей присоединиться к творческому веселью!

Они смогут создать свой собственный костюм артиста, проявив немного творчества и подручных материалов. Они также могут использовать этот костюм как способ нарядиться артистом в любое время, когда захотят, прямо дома!

Навыки:

Возраст:

Время подготовки:

СМОТРЕТЬ, как сделать костюм художника DIY

, тем больше творческий Художник может быть неряшливым или нет, а использование красок, которые есть у вас дома, — это способ дать вашему малышу сходить с ума. Если вы планируете стирать его, обязательно используйте краски для ткани!

Убедитесь, что им нравится этот проект и они получают удовольствие от творчества. Результат придаст им большую уверенность, когда дело доходит до создания костюма, который можно носить и любить.

Смотреть Как сделать костюм артиста своими руками

Этот костюм можно сделать полностью по-детски! Чем более творческими они хотят быть, пусть! Художник может быть грязным или нет. Они могут создавать дизайны, выкройки, изображения из реальной жизни или просто подключиться к своему внутреннему Джексону Поллоку и создать свой стиль костюма!

Все для веселья! Результат придаст им большую уверенность, когда дело доходит до создания костюма, который можно носить и любить.

Советы по изготовлению костюма художника своими руками

Краска для ткани . Чтобы этот костюм можно было стирать, вам понадобится краска для ткани.

Принадлежности. В дополнение к малярному фартуку мы добавили самодельный аксессуар в виде картонной палитры для красок. А в завершение костюма мы добавили красный шарф, берет и черно-белую рубашку!

Одевание на Хэллоуин или год . Этот костюм не только делает супер творческий и особенный костюм на Хэллоуин, но и отлично подходит для ношения круглый год, чтобы притворяться, играть и наряжаться!

Все действия должны проводиться под присмотром взрослых. Как партнер Amazon, я зарабатываю на соответствующих покупках. Этот пост может содержать партнерские ссылки

Материалы

• Краска для ткани
• Детский фартук
• Инструменты для кисти
• Картон

• Черно-белая рубашка
• Красный шарф
• Французский берет

• Краска для ткани
• Детский фартук
• Инструменты для кисти
• Картон
• Черно-белая рубашка
• Красный шарф
• Французский берет

Пошаговые инструкции 

Шаг 1

Предложите ребенку украсить простой художественный фартук красками и другими материалами по вашему выбору.

Шаг 2

Если хотите, предоставьте кисти, валики или другие инструменты!

Шаг 3

Дайте высохнуть в течение ночи.

Шаг 4

Чтобы сделать палитру для красок, вырежьте форму палитры из картона и нарисуйте вокруг нее цветные метки!

Шаг 1

Предложите своему ребенку украсить простой художественный фартук красками и другими материалами по вашему выбору.

Шаг 2

Если хотите, предоставьте кисти, валики или другие инструменты!

Шаг 3

Дайте высохнуть в течение ночи.

Шаг 4

Чтобы сделать палитру для красок, вырежьте форму палитры из картона и нарисуйте вокруг нее цветные метки!

Преимущества притворной игры

Этот костюм художника своими руками — увлекательный способ создать прочный наряд, который можно использовать для притворной игры, то есть творческой игры, то есть драматической игры!

Творческая игра имеет множество преимуществ. Это дает детям возможность укрепить так много навыков с помощью игры. Подумайте: развитие речи, общение, мелкая моторика, крупная моторика, решение проблем и навыки саморегуляции, и это лишь некоторые из них. Это действительно охватывает весь спектр!

Самое удивительное в притворной игре то, что дети часто разыгрывают сценарии из реальной жизни, что дает им невероятную возможность столкнуться с социальными и эмоциональными ситуациями и ролями.

Если ваш ребенок любит делать свой собственный костюм, вам обязательно нужно попробовать наш костюм космонавта своими руками!

Преимущества притворной игры

Этот костюм художника своими руками — увлекательный способ создать прочный наряд, который можно использовать для притворной игры, то есть творческой игры, или драматургии!

Творческая игра имеет множество преимуществ. Это дает детям возможность укрепить так много навыков с помощью игры. Подумайте: развитие речи, общение, мелкая моторика, крупная моторика, решение проблем и навыки саморегуляции, и это лишь некоторые из них. Это действительно охватывает весь спектр!

Самое удивительное в притворной игре то, что дети часто разыгрывают сценарии из реальной жизни, что дает им невероятную возможность столкнуться с социальными и эмоциональными ситуациями и ролями.

Если ваш ребенок любит делать свой собственный костюм, вам обязательно нужно попробовать наш костюм космонавта своими руками!

Помимо костюма художника, сделанного своими руками — больше способов исследовать притворную игру

Вот мои лучшие способы, с помощью которых дети могут участвовать в творческих играх.

Набор доктора

Этот очаровательный набор врача состоит в основном из деревянных деталей. Он включает в себя стетоскоп, термометр, шприц, измеритель артериального давления и многое другое!

В КУПИТЬ

Набор для переодевания

Вдохновите своих малышей на ролевые игры с помощью этого набора для переодевания, который включает в себя 3 разные профессии: ученого, исследователя и садовника! Отлично подходит для любого пола!

КУПИТЬ СЕЙЧАС

Play Kitchen

Эта игровая кухня не только очаровательна, но и вдохновит на такие веселые творческие кулинарные игры с плитой, духовкой, микроволновой печью и местами для хранения!

КУПИТЬ

Набор для уборки

Удивительно, как дети любят этот набор из 6 предметов для ролевых игр! Интересный способ мотивировать независимость и любовь к уборке!

КУПИТЬ

Что дальше?

Превратите уроки вырезания для дошкольников в увлекательное занятие! Дети срежут верхний слой бумаги, чтобы открыть изображение под ним!

подробнее

Эти сенсорные мешочки для малышей очень легко сделать, и они отлично отвлекут малышей, пока они лежат на животике. Вот 4 способа их сделать!

подробнее

Эту детскую игрушку своими руками сделать очень просто! Малышам понравится изучать контрастные цвета и звенящие звуки этих самодельных погремушек для запястий!

подробнее

Стать художником по костюмам с Филиппом Бутте-младшим

Художники по костюмам тесно сотрудничают с дизайнерами костюмов, чтобы визуализировать внешний вид персонажа и воплотить его в жизнь.

Филип Бутт-младший — художник по костюмам и художник-постановщик с более чем 12-летним опытом работы в кино, музыке и на телевидении. Он участвовал в таких проектах, как «Черная пантера», «Капитан Америка», «Мстители: Война бесконечности», «Величайший шоумен», и «Человек из стали », а также работал над музыкальными клипами с артистами Арианой Гранде, Panic at the Disco и Busta Rhymes. немного. Недавно Филипп стал соучредителем 9B Collective, первая студия концепт-арта, принадлежащая чернокожим, состоящая в основном из художников BIPOC, а также Майка Уванди и Алдиса Ходжа.

В этом интервью Филипп делится мыслями и советами о том, как стать художником по костюмам, основываясь на своем многолетнем сотрудничестве и многолетнем опыте в кино- и музыкальной индустрии.

Демонстрационный ролик Филиппа Бутта-младшего

Какой путь привел вас туда, где вы находитесь сегодня?

Я всегда увлекался искусством и рисовал сколько себя помню. Я вырос в индустрии как ребенок-актер, поэтому переход к поиску способа совместить мою любовь к персонажам / иллюстрациям с моим опытом в кино — это то, что привело меня на тот путь, на котором я сейчас нахожусь. Я был на Comic-con в Сан-Диего и увидел, как художники по костюмам рассказывают о своей работе. По настоянию моего наставника Робина Ричессона я решил показать художникам по костюмам свое портфолио, что в конечном итоге привело меня к вступлению в Гильдию художников по костюмам. Меня нанял художник по костюмам Санджа Хейс 9 сентября.0043 Мумия 3: Проклятие дракона С тех пор мы с Императором работаем. На сегодняшний день на моем счету 70 фильмов, и я чувствую себя невероятно счастливым, имея возможность обеспечивать свою семью, занимаясь искусством!

Концепт-арт костюма для

Величайший шоумен

Как появилась 9B Studios?

9B появился после мероприятия «Выпей и нарисуй», организованного Николь Хендрикс Херман и Рэйчел Майнердинг из Ассоциации художников-концептов. Они спросили, не заинтересован ли я в том, чтобы участвовать в спонсорстве мероприятия в феврале в рамках Месяца черной истории. Мы выбрали тему афро-футуризма, и у нас была и мужская, и женская модели, одетые в стиле афро-панк. Это было самое насыщенное мероприятие, которое они когда-либо проводили. Бар был заполнен до отказа с очередью снаружи.

Историческим образом, это было самое большое количество чернокожих артистов, которых я когда-либо видел в одном месте. Там были художники самого разного происхождения; Живое действие, анимация, видеоигры и т. д. Мы все знали друг друга, но либо никогда не встречались, либо были в одном месте в одно и то же время. Это была такая отличная атмосфера. Энергия там вдохновила на идею начать больше пить и рисовать, где мы могли бы собираться все вместе, но пандемия закрыла это наилучшим образом. Именно из-за пандемии соучредители Майк Уванди (художник-концепт), Алдис Ходж (актер) и я поняли, что мыслим слишком узко.

Мы не только хотели собрать вместе художников-цветочников, мы также хотели, чтобы они вместе работали над большими проектами, чтобы мы могли решить проблемы разнообразия и включения в сообщество концепт-арта в целом.

Как вы думаете, какими ключевыми качествами обладают великие художники по костюмам?

 Великие художники по костюмам — великие дизайнеры персонажей. Они буквально одно и то же. Я считаю, что великий художник по костюмам ВСЕГДА начинает с того, чтобы определить, кем является персонаж, отчаянно ища «почему». Почему этот персонаж носит то, что носит? Почему они решили так выразить себя через свой костюм?

Концепт-арт для тура Мадонны «Сердце повстанца»

Какой предыдущий опыт

  , по вашему мнению, лучше всего подготовил вас к этой работе?

Будучи актером, я научился уважать персонажей, в создании которых мне было поручено помогать. Я думаю, что всегда происходит что-то прекрасное, когда ты можешь проникнуть в разум персонажа. Еще я очень люблю заниматься исследованиями. Исследования, вероятно, одна из моих любимых частей в работе. Вы узнаете о древних цивилизациях, науке, культурах, местах, обычаях, традициях и т. д. Это ЛУЧШЕЕ. Иногда я люблю это больше, чем рисование.

Как выглядит ваша повседневная жизнь?

Моя повседневная жизнь обычно состоит из непосредственного сотрудничества с художником по костюмам проекта. Моя работа заключается в том, чтобы проекты продавались режиссеру, продюсеру и руководителям студии. Я – первая волна атаки, чтобы показать, что художник по костюмам имеет в виду для персонажей, которых вы в конечном итоге увидите на экране.

Начнем с просмотра мудбордов, исследований и сценария. Оттуда я начинаю делать наброски, чтобы понять язык форм и быстро получить идеи. Мы выбираем некоторые комбинации и решаем, что работает, а затем я начинаю конкретизировать костюмы и иллюстрации персонажей. Процесс на самом деле представляет собой двусторонний диалог между художником и художником по костюмам. Наша работа заключается в том, чтобы полностью понять, что такое видение, воплотить его в жизнь, а также часто добавить свой опыт/идеи.

Концепт-арт костюма для

Однажды в Голливуде

Насколько важно ваше портфолио для получения работы?

Портфолио ОЧЕНЬ важно, чтобы получить работу в костюме, и я считаю, что чем оно разнообразнее, тем лучше. Я стараюсь часто менять свой стиль в зависимости от проекта. Я считаю, что гибкость — это то, что помогает мне двигаться вперед и позволяет мне работать с таким количеством разных дизайнеров. Мой стиль не настолько жесткий, чтобы вы нанимали меня за мой «стиль». Наоборот, я такой своего рода хамелеон, что сливаюсь со всем, что бы меня ни попросили.

Ознакомьтесь с портфолио Филиппа на ArtStation > 

AFRO-KIRA: «Канеда»

С какими самыми большими проблемами вам приходится сталкиваться на вашей должности?

Я думаю, что одно из самых больших разочарований, с которыми мы сталкиваемся, — это работа над проектами, основанными на комиксах, и наблюдение за тем, как некоторые из сильных мира сего отвергают исходный материал. Как супер-ботаник, я люблю стараться придерживаться исходного материала. Мне также нравится, когда вы можете расширить этот исходный материал до кинематографического места, которое выходит за рамки самых смелых мечтаний фанатов, но при этом сохраняет магию того, что заставило их влюбиться в персонажа в первую очередь. Когда вы находите эту золотую середину, это лучшее чувство в мире!

Какие самые важные выводы вы сделали после работы над многими голливудскими фильмами?

Людям нравится работать с людьми, с которыми приятно общаться. Вы не всегда должны быть лучшим художником в комнате, но если вы добры, следуете инструкциям и в целом приятно находиться рядом, люди будут продолжать нанимать вас и дадут вам возможность расти. Это простирается далеко за пределы Голливуда, и я стараюсь прожить свою жизнь как можно дольше. Вы живете только один раз, будьте добры к другим, потому что это ничего не стоит и бесплатно!!

Концепт-арт костюма для Marvel’s

«Черная пантера»

Какой совет вы можете дать любому начинающему художнику по костюмам

, который хочет начать работу над ?

Если вы заинтересованы в этой работе, важно сначала привести в порядок свое портфолио. Дайте себе задания. Возьмите знаменитость, дайте ей роль и дайте иллюстрацию персонажа. Но не только это, также рисуйте стариков, детей, людей разного происхождения, старинные костюмы, фантастические костюмы и обычные современные костюмы. Просто измените это, чтобы ваш потенциальный работодатель мог видеть, что вы можете делать все это. И после этого важно найти дизайнеров по костюмам, чтобы узнать, можете ли вы сотрудничать с ними. Если вы находитесь в штате, в котором есть профсоюз, было бы неплохо узнать, можете ли вы вступить в него, поскольку профсоюз позволяет вам работать над крупными проектами.

AFRO-KIRA: Tetsuo

Посетите веб-сайт 9B Collective, чтобы связаться с командой по поводу присоединения к коллективу в предстоящем проекте.

Следуйте за Филиппом на ArtStation > 

 

Вот идеи костюмов на Хэллоуин, которые понравятся каждому художнику

Поделиться:

Поскольку до Хэллоуина осталось всего несколько недель, мы хотели пролистать Instagram в поисках идеального костюма, вдохновленного искусством. К счастью, у нас было много искусных нарядов на выбор!

Ниже приведен список некоторых из наших любимых костюмов на Хэллоуин, опубликованных в Instagram, которые идеально подходят как для художников, так и для ценителей искусства. Наслаждаться!

The Frida Freakout

С таким количеством двойников Фриды Кало, размещающих селфи в Интернете, было трудно выбрать кого-то одного. Итак, вот несколько невероятных образов для тех из вас, кто хочет направить свою внутреннюю Фриду на этот Хэллоуин.

Сообщение, опубликованное elahbee (@elahbeedesign) на 12 марта 2017 г. в 4:18 утра по тихоокеанскому времени

Попробуйте “Я так проснулась” Фрида.

 

Сообщение, опубликованное Клэр Секстон (@clairebearkiss) на 1 ноября 2015 г. в 11:08 по тихоокеанскому времени

Взгляните на эту начальницу Фриду с ее бедром, маленькой подругой: миниатюрным Энди Уорхолом.

 

Сообщение, опубликованное Саритой Риверой (@sarita.coco) на 1 ноября 2016 г. в 7:15 утра по тихоокеанскому времени

Повторите этот безупречный образ Фриды.

 

Пост, опубликованный MCA Chicago (@mcachicago) 31 октября 2015 г., 13:33 по тихоокеанскому времени

Вот костюм идеальной пары: Диего Ривера и Фрида Кало — отлично подходит, если вы влюблены и хотите быть Фридой.

 

Сообщение, опубликованное г-жой G (@time4artclass) на 3 ноября 2015 г. в 17:32 по тихоокеанскому времени

Не забудьте мини-фриду для всех ваших детей, любящих искусство!

 

Известные картины превратились в живое действие

От современной Моны Лизы до совершенства Звездная ночь мода, вот несколько способов включить ваши любимые произведения искусства в костюм на Хэллоуин.

Сообщение, опубликованное Мадель Зариной Гонда (@lilmissmadel) на 1 ноября 2015 г. в 7:50 утра по тихоокеанскому времени

Будьте шедевром для своего художника, э-э, партнера. Это может стать отличным нарядом для пары или не менее потрясающим отдельным костюмом на Хэллоуин!

 

Сообщение, опубликованное Азией Чиао (@asiachiao) 30 октября 2015 г. в 8:39вечера PDT

Нужна идея костюма в последнюю минуту? Добавьте несколько искусственных водяных лилий или любых других больших цветов на голубоватое одеяло, и вы сможете воспроизвести любимые водяные лилии Моне. (Бонус: это может быть особенно крутой наряд, если вас зовут Лили.)

 

pcdn.co/wp-content/plugins/complianz-gdpr-premium/assets/images/placeholders/instagram-minimal.jpg.optimal.jpg” data-instgrm-version=”7″>

Сообщение, опубликованное Хизер Стэнгл (@weirdyogurt) на 30 октября 2016 г. в 00:29 по тихоокеанскому времени

Попробуйте слиться со звездной ночью во время угощения или на вечеринке в честь Хэллоуина — в буквальном смысле.

 

Сообщение, опубликованное Art Career Cafe (@artcareercafe) 31 октября 2016 г. в 14:17 PDT

Будь смелым, как Дюшан, в этом забавном костюме. (Совет: убедитесь, что никто не считает вас настоящим писсуаром.)

 

pcdn.co/wp-content/plugins/complianz-gdpr-premium/assets/images/placeholders/instagram-minimal.jpg.optimal.jpg” data-instgrm-version=”7″>

Сообщение, опубликованное Меган Хеверли (@megan_heverly) на 29 октября 2016 г. в 19:42 PDT

Выиграйте конкурс костюмов «Сделай сам» в последнюю минуту, вдохновившись Джексоном Поллоком.

 

Сообщение, опубликованное Никки Макгуайр (@nmcguire417) на 31 октября 2016 г. в 15:19 по тихоокеанскому времени

По-настоящему подчеркните всю «готическую» природу Хэллоуина с помощью этого классического вдохновения.

 

pcdn.co/wp-content/plugins/complianz-gdpr-premium/assets/images/placeholders/instagram-minimal.jpg.optimal.jpg” data-instgrm-version=”7″>

Сообщение, опубликованное художниками, музеями и галереями (@artfulspace) 31 октября 2014 г. в 7:55 утра по тихоокеанскому времени

И все артисты, которые берут с собой более одного ребенка на ночные угощения, станут предметом зависти соседей с этим невероятным костюмом для дуэта!

Не собираешься рисовать? Как насчет того, чтобы стать художником?

Хорошо, да, у нас уже был целый раздел, посвященный одной конкретной художнице, Фриде Кало. Но есть множество других великих художников, которые вдохновят вас на создание костюма на Хэллоуин в этом году — независимо от того, смотрите ли вы на настоящего художника или предпочитаете его или ее автопортрет.

Возможности практически безграничны! Но, если вам нужна небольшая мотивация:

pcdn.co/wp-content/plugins/complianz-gdpr-premium/assets/images/placeholders/instagram-minimal.jpg.optimal.jpg” data-instgrm-version=”7″>

Пост, которым поделился Эван Банн (@adalay_strong) 1 ноября 2016 г., 20:00 по тихоокеанскому времени

Доберитесь прямо до «точки» с этим образом Винсента Ван Гога!

 

Сообщение, опубликованное ⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀The Art Market (@theartmarket_ca) 30 октября 2014 г. в 7:56 утра по тихоокеанскому времени

Нет соломенной шляпы? Просто возьмите оранжевый парик/бороду и немного краски для лица, и вы уже на пути к убедительному Ван Гогу. (Поднимитесь на ступеньку выше, раскрасив одноразовую одежду!)

 

pcdn.co/wp-content/plugins/complianz-gdpr-premium/assets/images/placeholders/instagram-minimal.jpg.optimal.jpg” data-instgrm-version=”7″>

Сообщение, опубликованное ARTHOUSE (@arthouse4kids) на 26 октября 2016 г. в 7:43 утра по тихоокеанскому времени

Вот несколько симпатичных идей для тех из вас, кто любит опосредованно жить через костюмы своих детей: еще один слишком крутой для школы Уорхол, Дали с невероятной заначкой или еще одна крошечная Фрида!

 

Сообщение, опубликованное Скоттом Халлом (@scottbhull) на 17 декабря 2016 г. в 18:30 по тихоокеанскому времени

И, говоря об усах, выиграй ночь с одним из этих плохих парней.

 

Сообщение, опубликованное The Wild Hymns (@thewildhymns) 28 октября 2015 г. в 11:12 по тихоокеанскому времени

Боб Росс — всегда хороший выбор, особенно сейчас, когда он так заслуженно возвращается.

 

Сообщение, опубликованное Public Art Fund (@publicartfund) 29 октября 2015 г. в 11:08 по тихоокеанскому времени

Кому нужен парик, если можно просто подержать модную прическу и оттенки Уорхола?

 

pcdn.co/wp-content/plugins/complianz-gdpr-premium/assets/images/placeholders/instagram-minimal.jpg.optimal.jpg” data-instgrm-version=”7″>

Пост, опубликованный ⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀⠀The Art Market (@theartmarket_ca) 29 октября 2014 г. в 8:25 утра по тихоокеанскому времени

Почему бы не пойти как сын человеческий — как в « Сыне Человеческом» Рене Магритта . Игра на Хэллоуин стала настоящей — то есть сюрреалистичной — с этим потрясающим и простым костюмом, сделанным своими руками.

 

Планируете отпраздновать Хэллоуин с размахом в этом году? Расскажите нам в комментариях ниже. И отметьте нас @artistsnetwork в Instagram, используя #artistsnetwork_halloween с вашей искусной идеей костюма, и вы можете получить особую благодарность!

Поделиться:

Реформирование моды 1850-1914 гг.: политика, здоровье и искусство

14 апреля – 16 декабря 2000 г.

Посмотреть каталог выставки (pdf).
Посмотреть изображения с этой выставки.

«Старайтесь, как хотите, возвышать женщину, тем не менее ущербность и деградация ее одежды вместе с той большой группой ложных взглядов на использование ее существа и ее отношения к мужчине, символизируемых и увековеченных ее одеждой, сделает ваше стремление тщетным».
-Gerritt Smith

Reforming Fashion, 1850-1914  о движении за реформу женской одежды в конце 19-го и начале 20-го века. Модное платье в 19 веке претерпело несколько изменений силуэта от трубчатого к песочным часам и обратно к трубчатому. Мода на силуэт платья зависела не от естественного человеческого тела, а скорее от ряда предметов нижнего белья, включая сорочки, нижние юбки, обручи, турнюры и корсеты для создания искусственной формы. Все большее число людей, в том числе феминистки, защитники здоровья, врачи, художники и педагоги, начали верить, что женская одежда, особенно модная одежда, вредит женскому здоровью.

Решения, предложенные реформаторами одежды, включали брюки, реформированное нижнее белье и художественное платье. Реформаторы оказали неизгладимое впечатление на одежду, поскольку брюки были переняты любителями спорта и стали частью архетипического спортивного костюма, который носят в колледжах и средних школах. Стили реформ в конечном итоге стали модной одеждой, поскольку художники-реформаторы создали более удобные платья с завышенной талией и мягкими драпируемыми тканями.

• Проблемы с модой
• Дамы в брюках
• Реформа нижнего белья
• Художественное платье
• Влияние реформы одежды на моду

Проблемы с модой: одеваться в 1880-е годы

Выставка «Проблемы с модой» в рамках выставки «Реформирование моды» в галерее Сноудена. На этой выставке представлены различные платья с их «рентгеновскими» аналогами, чтобы показать нижнее белье, необходимое для создания различных модных силуэтов.

Проблемы с модой были очевидны на протяжении всего девятнадцатого века. Модная женщина изменила свое тело не с помощью диеты и упражнений, а с помощью множества слоев нижнего белья, построенной структуры, которая затем поддерживала и создавала то, что стало правильным и идеальным силуэтом для ее платья. Процесс одевания 1885 года был длительным ритуалом. Женщины не просто вскочили с кровати, а накинули лифчик, комбинезоны, колготки, туфли-лодочки и удобное трикотажное платье, прежде чем выскочить за дверь.

Одевшись, модница сначала надела чулки, которые были подвязаны выше колена резинками, которые могли уменьшить кровообращение в ногах. Затем она могла надеть туфли на пуговицах с высоким вырезом, потому что после того, как корсет был надет, ей стало трудно наклониться, чтобы застегнуть туфли. Следующими двумя предметами были комбинезоны и сорочка. Ящики представляли собой хлопчатобумажные брюки до колен или более длинные, застегивавшиеся на талии и часто оставленные открытыми для облегчения удаления. Поверх ящиков она надевала либо вязаный жилет до бедер, и короткую нижнюю юбку, либо сорочку. Следующей обязательной одеждой был корсет, усиленный тонкими полосками китовой кости. Если женщина туго зашнуровывалась, она рисковала сдавить кишечник и внутренние органы. Ее дыхание также будет ограничено. Поверх этого женщина надевала корсетный чехол, а затем суету, приспособление из спиралей, которое обвязывали вокруг талии и вешали сзади. Поверх нее надевали еще одну нижнюю юбку.

Наконец, модница надевала платье, которое могло состоять из корсажа на косточках и жесткой юбки в тон. Внутри юбки можно прикрепить завязки или резинку, чтобы сохранить полноту спины и турнюр на месте. Если бы было холодно, модная женщина могла бы надеть куртку, украшенную гагатовыми бусинами, которые могли добавить к ее одежде целых десять фунтов. В целом, ее полный наряд мог весить до 25 фунтов.

Дамы в брюках

Образцы брюк для женщин в соответствующих условиях, например, для занятий велоспортом и гимнастическими видами спорта.

Одним из первых элементов модной одежды, подвергшихся критике реформаторов, была длинная пышная юбка. Длинные юбки волочились по земле, сметая с улицы крошечных паразитов и мусор с каждым шагом владельца, чтобы затем оставить их в помещении. Нижние юбки тяжело висели на талии, кринолины клетки могли раскачиваться и переворачиваться на ветру, шлейфы и турнюры были тяжелыми и неуклюже сбалансированными. Женские юбки делали подъем и спуск по лестнице предательским, а бег почти невозможным.

Реформаторы выбрали решение, которое они считали практичным и скромным. Они не хотели обнажать женские ноги, потому что это было бы неприлично, даже немыслимо. Скорее, они предпочли носить платье, сделанное как другие модные платья, за исключением юбки до колен, надетой поверх подходящих брюк. Подобный стиль носили турецкие и сирийские женщины, их носили на сцене и для маскарадного платья. Брюки, называемые панталетами, также носили под юбками женщины во Франции в начале 1800-х годов, а позже они стали модой для молодых девушек. Еще в 1830-х годах на гимнастических костюмах можно было увидеть панталоны. Брюки также носили женщины в санаториях и общинных обществах.

Несмотря на ограниченное использование брюк, они привлекли внимание молодой феминистки Элизабет Смит Миллер. Она приняла костюм для своего повседневного платья и представила его своей кузине Элизабет Кэди Стэнтон и подруге Стэнтона Амелии Блумер, редактору The Lily, феминистского трактата, посвященного воздержанию и женским реформам. Блумер начала носить укороченную юбку и брюки в 1851 году, преимущества которых она описала в статье Lily. Местная газета The Courier в Сенека-Фолс, штат Нью-Йорк, также положительно отозвалась о стиле, который носила миссис Блумер, и вскоре газеты подхватили отчет и назвали этот стиль «блумер». Хотя освещение было широко распространено, Амелия Блумер заметила, что «некоторые из наших братьев-редакторов» высоко оценивают нас, в то время как другие выступают против этого «узурпации прав человека».

В 1850-х годах шаровары были широко распространены; женщины в Европе – Великобритании и Германии – приняли аналогичный костюм. Сторонники в Америке отметили практичность и удобство нового костюма, а также его пользу для здоровья. Они видели в его простоте нравственные и патриотические качества. С другой стороны, у оппонентов есть веские аргументы в пользу отказа от блюмера. Некоторые просто считали это дурной модой, аморальной или непатриотичной, потому что она основана на иностранных стилях (ближневосточных). Возможно, самым сильным аргументом была вера в то, что шаровары несовместимы с преобладающей идеологией в отношении роли женщин. К женщинам в брюках существовал сильный антагонизм, а те, кто носил шаровары на публике, подвергались преследованиям. Многочисленные карикатуры играли на глубоко укоренившихся страхах людей относительно пола и моды.

В конце концов, шаровары стали ассоциироваться с движением за права женщин, которое не полностью поддержали американцы. Действительно, феминистки разделяли мнение Элизабет Кэди Стэнтон о том, что платье женщины прекрасно описывает ее состояние: «ее узкая талия и длинные ниспадающие юбки лишают ее всякой свободы». Тем не менее, несмотря на рекомендации, данные в «Лилии», многие феминистки перестали носить шаровары через несколько лет. Они считали, что насмешки стали контрпродуктивными для получения прав женщин. Когда ее спросили, почему она вернулась к модной одежде, Амелия Блумер отметила, что новый кринолин в клетке значительно облегчил тяжелый вес нижних юбок, и, как новичок в Айове, ей нужно было учитывать местную моду.

Некоторые женщины-активистки продолжали носить брюки и не прекращали пропаганду того, что брюки лучше для женщин по состоянию здоровья. Те, кто выступал за шаровары для здоровья, подразумевали слабость по отношению к женщинам, что тогда не встречало такой критики. В середине девятнадцатого века резко возрос интерес к физическим упражнениям, которые еще больше связали брюки с женским здоровьем и сделали их приемлемыми для различных видов спорта и активного отдыха, таких как альпинизм, плавание и езда на велосипеде. Так продолжалось до начала двадцатого века. Брюки, возможно, не были легко приняты в качестве модной одежды, однако они были приняты для физических упражнений, таких как купание, езда на велосипеде и гимнастика.

Нижнее белье Reform

Корсет/нижнее белье цвета слоновой кости из хлопкового твила «equipose» без косточек, c. 1880-1884 гг. Музей Кентского государственного университета.

Многие возражения против модной одежды на самом деле были напрямую связаны со злоупотреблениями, вызванными нижним бельем. Помните, что модница 1880-х годов носила слишком много нижнего белья; это ограничивало ее и отягощало ее. Летом может быть слишком жарко, а зимой недостаточно тепло. (Даже клетка-кринолин, милостиво сократившая количество нижних юбок, позволяла воздуху обдувать женские ноги). Корсет обычно носили слишком туго. Многослойность юбки создавала объем на талии, а вес одежды распределялся неравномерно. Если бы убрали лишнюю массу, то женщине не пришлось бы прибегать к тугой шнуровке, которая, по мнению многих специалистов в области здравоохранения, сильно повреждала внутренние органы женщины и вызывала болезни.

Одним из первых реформ нижнего белья, которое продвигалось в Америке, был «эмансипационный союз под фланелью», запатентованный в 1868 году. Этот союзный костюм сочетал в себе трикотажную фланелевую талию (рубашку) и панталоны в одном. Комбинация, как часто называли профсоюзный костюм, постоянно совершенствовалась различными трикотажными компаниями и реформаторами в Америке. Сьюзан Тейлор Конверс из Уоберна, штат Массачусетс, разработала улучшенную версию в 1875 году и назвала ее «Эмансипационный костюм». Присборенная часть лифа освобождала грудь от сжатия, а наборы пуговиц на талии и бедрах помогали подвешивать несколько слоев юбок. Костюм Эмансипации также можно было купить в виде двух отдельных частей, которые застегивались на бедрах.

Костюм об освобождении был одобрен Женским клубом Новой Англии, одной из первых организаций, выступавших за реформу нижнего белья. В 1873 году их комитет по реформе одежды, возглавляемый Аббой Гулд Вулсон, спонсировал серию лекций четырех выдающихся женщин-врачей о вреде модной одежды. Эти лекции были позже опубликованы в 1874 году под названием «Реформа одежды».

Одним из самых известных реформаторов нижнего белья был уроженец Германии доктор Густав Ягер, опубликовавший в 1880 году книгу о рациональной одежде под названием «Die Normalkleidung» («Рациональная одежда»). Трикотажные костюмы Jaeger были особенно популярны среди реформаторов в Англии после того, как они были представлены на Международной выставке здравоохранения в 1884 году. Эта выставка в Кенсингтоне включала раздел, посвященный гигиенической одежде, и известный архитектор и театральный дизайнер Эдвард Годвин выступал в качестве докладчика по реформе одежды.

Системы одежды

Несколько человек, приверженных реформам, разработали целые системы нижнего белья, которые вообще не включали корсет. В 1890-х годах один из самых известных реформаторов здоровья в Америке, доктор Дж. Х. Келлогг, разработал систему одежды в санатории Батл-Крик, которая была «практичной, полезной для здоровья и артистичной». Келлог заявил, что «любая молодая женщина, которая не навсегда испортила свое тело плохо сшитой одеждой, может за короткое время научиться стоять, как Венера-прародительница». Его система одежды пыталась свести к минимуму вес на бедрах и плечах, которые ранее подчеркивались в моде. От корсетов и обтягивающих лифов отказались. Через санаторий женщины могли заказать выкройки или «одежду, изготовленную в отделе одежды». Общий план системы одежды включал дизайн платьев и нижнего белья. Что касается последнего, женщины могли выбрать один из следующих вариантов, который наилучшим образом соответствовал их потребностям в тепле и комфорте: комбинезон, трикотажные колготки (надевались поверх комбинезона для дополнительного тепла), комбинированный костюм (вместо рубашки и панталонов), комбинезон. Юбка с разрезом Dr. Lindsay (трикотажная для тепла), улучшенная юбка с разрезом (без видимого разреза), талия юбки (пришивается или пристегивается к юбке), улучшенная талия Freedom (с двумя рядами пуговиц для крепления юбки платья и нижней юбки). или выдвижные ящики, или выдвижные ящики для зонтов (юбка с кокеткой, юбка с разрезом и ящики с рюшами и кокеткой) 9.0003

Энни Дженнесс Миллер, частый лектор, автор и издатель на тему физической культуры и правильной одежды, также разработала систему одежды, чтобы заменить модную сорочку и панталоны, корсет, покрывало корсета и нижние юбки. Как показано в ее журнале «Платье», журнал Дженнесс Миллер, эта система была похожа на систему Келлога и включала легетты и шемилетты вместо нижних юбок и модельный лиф вместо корсета. Система Дженнесс-Миллер также включала грудь. поддержка полных женщин, предмет одежды, похожий на бюстгальтер.

Хотя это и не было отдельным нижним бельем, форма платья, предоставленная Келлогом и Дженнес-Миллер, была необходима в качестве основы для верхнего платья. Форма платья, скроенная в стиле принцессы, не только заменяла подкладку модной юбки, но и была устроена так, «чтобы на ней [могла] образовываться изящная драпировка, и вес равномерно выдерживался» телом. В нем также были устранены завязки вокруг ног и не было ленты на талии. Выкройки для обеих систем можно было приобрести у издателя или в различных магазинах реформ одежды по всей стране.

Новые реформы систем нижнего белья от Kellogg, Jenness-Miller и других были предназначены для распределения веса одежды, отказа от тяжелого корсета и уменьшения чрезмерного объема и веса. Это нижнее белье можно было носить незаметно, и оно было большим улучшением по сравнению с более модным, но искажающим нижнее белье.

Художественное платье

Вид из галереи Верхнего Сноудена на различные стили художественной реформы.

Для того, чтобы сделать видимым разрушительное воздействие корсета, многие авторы литературы по реформе одежды изображали статую Венеры Милосской, воплощение естественной красоты, в контрасте с искаженным телом женщины в корсете. Однако именно сторонники художественной одежды наиболее искренне придерживались классических идеалов красоты, отраженных в статуе Венеры. Они применяли принципы искусства, на которых основывались эти идеалы, к одежде. Для них искусственность модного платья «корсет, кринолин, турнюр и другие маскирующие элементы моды» шли вразрез с природой и разрушали тем самым красоту естественной формы женщины.

Среди первых реформаторов эстетической одежды были те, кто был связан с английскими художниками-прерафаэлитами. Когда прерафаэлиты и их приверженцы получили признание в 1860-х и 1870-х годах, у публики появилась возможность увидеть историческую и эстетическую одежду на картинах и у женщин, посещавших выставки в Королевской академии и галерее Гросвенор в Лондоне. Многие ткани для художественных платьев были поставлены Liberty’s, магазином на Риджент-стрит, который был основан в 1875 году Артуром Ласенби Либерти как магазин Ост-Индии. Специализируясь на шелках, наиболее подходящих для облегающих платьев и драпировок, которые носит художественное сообщество, Liberty представила нежные пастельные оттенки, которые они назвали «художественными красками», для окрашивания импортных шелков.

В 1884 году Артур Ласенби Либерти попросил реформатора Эдварда Годвина возглавить отдел одежды в магазине Либерти, сделав художественные платья доступными. В своих каталогах компания Liberty предлагала художественные платья, которые были изменены, чтобы соответствовать условностям современной жизни, но имели общие элементы дизайна с классической греческой одеждой, переосмысленной в периоды Империи и Возрождения. Платьям Liberty были даны соответствующие имена, такие как «Жаклин», платье из бархата и шелкового крепа, созданное по образцу французского платья пятнадцатого века для использования в помещении, или «Жозефина», вечернее платье в стиле ампир (с высокой талией), и они работали. хорошо сочетается с мягкими и очень драпируемыми тканями Liberty. Платья Liberty получили широкую огласку и были доступны в их собственном магазине в Париже и других магазинах по всей Европе, а также в Нью-Йорке.

Художественное платье в Германии и Австрии

Реформаторы британского движения искусств и ремесел оказали большое влияние на художников, архитекторов и дизайнеров в Германии и Австрии, где, что неудивительно, движение современного дизайна 1890-х и начала 1900-х годов включало художественную реформу женской одежды. платье. Генри ван де Вельде, который продвигал стиль ар-нуво, также поддерживал художественную реформу женской одежды на всем континенте, особенно в Германии. Он не только писал о реформе одежды, но и создавал платья. В поддержку новой художественной одежды Ван де Вельде заметил, что архитекторы наконец осознали, что женское платье должно соответствовать современному дизайну интерьера и архитектуре как новая декоративная идея, которая сразу же делает его «произведением искусства». Он также предположил, что одежда должна выражать женскую индивидуальность, за исключением уличной одежды, которая будет продиктована местом или уместностью; одежда должна соответствовать назначению и соответствовать личным, общим или церемониальным сферам. 19 апреля00, успешная выставка в Крефельде, Германия, на которой были представлены художественные дизайны одежды Ван де Вельде, вызвала выставки реформаторской одежды, разработанной художником, и в других городах, включая Дрезден. Лейпциг, Висбаден и Берлин. Директор Wiener Werkstatte Коломан Мозер создал для своей жены реформаторские модели с высокой талией и пышными формами. Анна Муфезиус также предпочла полный стиль с высокой талией. Муфезиус был оперной звездой и автором книги о реформе одежды «Личная одежда женщин» (1903).

Реформистские стили, представленные в австрийском модном журнале Wiener Mode в 1903 году, включали стиль принцессы и ампир, а также пышные платья с высокой талией, похожие на стиль «Матери Хаббард». Они могут быть для свадьбы, чая, общества или работы по дому.

Художественное платье в Америке

На эстетическое платье в Америке большое влияние оказало британское эстетическое движение. Представления о художественных стилях быстро распространялись в различных печатных СМИ. Художественная одежда, похоже, не ограничивалась исключительно элитными кругами художников, а имела поклонников из среднего класса. Действительно, американские журналы не упустили возможности сообщить об эстетичном платье. В выпуске журнала American Agriculturist за 1878 год отмечалось, что цель стиля прерафаэлитов заключалась в том, чтобы «иметь толстую талию», как у Венеры Медичи и Венеры Милосской. Кроме того, сообщалось, что художники объявили узкие талии нехудожественными и вульгарными, поскольку природная красота человеческой фигуры теряется из-за разрушения ее здоровых пропорций.

Энни Дженнесс Миллер, издатель журнала «Платье» в журнале «Дженнесс Миллер» (1887–1898), была ярым сторонником художественной реформы в женской одежде, подчеркивая необходимость адаптировать художественные принципы к жизни и одеваться, чтобы достичь красоты через простоту. , единство, полезность и гармония. В журнале часто публиковались образцы художественной одежды, выкройки которой можно было приобрести в издательстве Jenness-Miller Publishing Company.

За пределами художественных кругов наиболее приемлемыми для модных американских женщин стилями художественной реформы были накидки или домашние платья, особенно более формальная версия, чайное платье, которое приобрело популярность в 1870-х годах. Следуя примеру британцев, американцы разработали чайные халаты в слегка средневековом или классическом стиле, которые казались свободными. Этикет требовал, чтобы их носили только дома, где они были уместны, развлекая близких друзей. Однако, как отмечается в журнале Jenness Miller Magazine, женщины 189-летнего возраста0s часто носили чайные халаты на публике, особенно на летних курортах.

Влияние реформы одежды на моду

Ясно, что все усилия по реформированию одежды оказали неизгладимое влияние. Свободные брюки в турецком стиле, которые носили для упражнений, стали частью архетипического спортивного костюма, который носили в колледжах и средних школах вплоть до середины двадцатого века. А брюки остались вполне приемлемыми и подходящими для пеших и велосипедных прогулок, да и для многих других видов активного отдыха. Стиль свободных полных брюк иногда возрождается сегодня как мода. Нижнее белье Reform — трикотажные комбинезоны, рубашки и кальсоны — по-прежнему предлагалось в магазинах и каталогах почтовых заказов. Комбинезон с откидным сиденьем по-прежнему обеспечивает теплый нижний слой для катания на лыжах и других зимних видов спорта. Реформа стилей как мода не была новинкой на европейском континенте. В универмаге Вертхайма в Берлине был отдел реформирования одежды, которым руководили 1903. А уже в 1901 году модный журнал Wiener Mode, издаваемый в Вене, иллюстрировал различные платья реформистского стиля наряду с более модными платьями. Они явно опирались на язык художественных реформаторов, называя эти платья «новым стилем», «стилем ампир» или «стилем реформ ампир». Ясно, что еще до 1909 г. на публике было реальностью. Женщины не только привыкли носить более удобную одежду дома и во время физических нагрузок, но и стали видеть актрис, танцовщиц и оперных певиц в более простых художественно оформленных платьях на сцене и в общественных местах. Эти артисты разыскивали двух самых знаменитых дизайнеров-авангардистов начала двадцатого века, Поля Пуаре и Мариано Фортуни. компанией «Либерти». Платья Delphos от Fortuny и модели Directoire от Poiret, представленные публике в 1907 были похожи на другие художественные стили, вдохновленные греческим идеалом. Хотя этим двум мужчинам часто приписывают освобождение женщин от корсетов, они не были новаторами. Скорее, они просто взращивали семя, посеянное художественными реформаторами одежды девятнадцатого и начала двадцатого веков. Силуэт в стиле ампир с высокой талией доминировал между 1909 и 1915 годами. а иногда и прозрачные шелковые ткани, мало чем отличающиеся от тех, которые импортируются и производятся компанией Liberty Co. в Лондоне. Среди других дизайнеров-кутюрье, чьи платья отражают стиль реформ, Жак Дусе и Люсиль, а в подростковом возрасте Вионне и Шанель.

FRISCO Front Walking French Artist Dog & Cat Costume, X-Small

By Frisco

Рейтинг 4,65 из 5 звезд

x-smalllargex-largexx-largexxx-large

размер

Размер

X-Small

Большой

x-Large

XX-Large

xxx-large

---

4444492.0002 $ 15,99 Цена. Костюм, X-Small

Оценка 4,65 из 5 звезд

Заполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звезда

20

0003

Оценка 4,3333 из 5 звезд & Костюм кошки, X-Small

Рейтинг 5 из 5 звезд0087 Очень милый дизайн для ходьбы спереди подчеркнет художественную сторону вашего питомца.

Включает передний прогулочный боди и шапку с регулируемыми эластичными ремнями для ушей и подбородка.

Легко надевается благодаря застежке-липучке на шее для удобной посадки.

Детальный дизайн включает в себя палитру цветов в одной руке и кисть в другой.

Отлично подходит для вечеринок в честь Хэллоуина или угощений по соседству.

Узнайте больше о Frisco от нашей команды экспертов

---

Любители домашних животных также купили

• Deal

  Frisco Pirate Ship Dog & Cat Costume, X-Small

  . 2/10: купи 1, получи 1 скидку 50% — смешай и подбери

• Сделка

  Frisco Rooster Костюм собаки и кошки, маленький

  Рейтинг 5 из 5 звезд

  Заполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звезда

  1

  12,14 $ Цена Chewy

  14,99 $ Старая цена

  Окончание 10/2: Купите 1, получите 1 скидку 50% — Mix & Match

• 99″ data-position=”3″ data-list=”pet-lovers-also-bought-pdp” data-parent-list=”” data-recommendation-strategies=”Q2Fyb3VzZWw6cHJvZF80″ data-source-view=”” data-analytics-widget-experiment=”{"__typename":"ExperimentData","requestId":"e7fab3ec,6337CC01-D294C8D,UI-PDP-GJioXFp9QVCE0MCvKBEkJw_,LND-YQOsAthWSAeYqj2lAClTCQ","experiments":[]}” data-is-monetized=”false” data-promo-id=”8629″ data-product-deals-flag=”{"greenbar":true,"deal":true,"strike":false}”>

  Сделка

  Frisco Большой

  Rated 4.3214 из 5 звезд

  заполненные звезды StarFiled StarFiled StarFiled Star

  56

  $ 17,99 Цена

  Концы 10/2: купить 1, получить 1 50%. Королевский королевский королевский костюм для собак и кошек, X-Large

  Оценка 5 из 5 звезд

  заполненные звезды StarFiled StarFiled StarFiled Star

  2

  $ 17,99 Цена. Прогулочный костюм собаки и кошки шеф-повара, XX-Large

  Рейтинг 4,3333 из 5 звезд Матч

• 99″ data-position=”6″ data-list=”pet-lovers-also-bought-pdp” data-parent-list=”” data-recommendation-strategies=”Q2Fyb3VzZWw6cHJvZF80″ data-source-view=”” data-analytics-widget-experiment=”{"__typename":"ExperimentData","requestId":"e7fab3ec,6337CC01-D294C8D,UI-PDP-GJioXFp9QVCE0MCvKBEkJw_,LND-YQOsAthWSAeYqj2lAClTCQ","experiments":[]}” data-is-monetized=”false” data-promo-id=”8629″ data-product-deals-flag=”{"greenbar":true,"deal":true,"strike":false}”>

  Сделка

  FRISCO 18-го века Костюм для собак и кошачьего платья, X-Large

  Оценка 5 из 5 звезд

  заполненные звезды StarFiled StarFiled Star. , Получите 1 скидку 50% на Mix & Match

• Сделка

  Frisco Front Walking Cowboy Costume Dog & Cat, Small

  Рейтинг 4,2258 из 5 звезд

  Заполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звезда

  31

  Цена Chewy 14,39 $

  Окончание 10/2: Купите 1, получите 1 скидку 50% на сочетание и подбор

• 58″ data-position=”8″ data-list=”pet-lovers-also-bought-pdp” data-parent-list=”” data-recommendation-strategies=”Q2Fyb3VzZWw6cHJvZF80″ data-source-view=”” data-analytics-widget-experiment=”{"__typename":"ExperimentData","requestId":"e7fab3ec,6337CC01-D294C8D,UI-PDP-GJioXFp9QVCE0MCvKBEkJw_,LND-YQOsAthWSAeYqj2lAClTCQ","experiments":[]}” data-is-monetized=”false” data-promo-id=”8629″ data-product-deals-flag=”{"greenbar":true,"deal":true,"strike":false}”>

  Сделка

  Костюм собаки и кошки Frisco Prisoner, X-Small 2 из 93

  3

  3

  3 Звезды

  Заполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звезда

  31

  $17,58Chewy Price

  Ends 10/2: Купите 1, получите 1 скидку 50% — Mix & Match

• Костюм для прогулки с собакой, Frisco Scarrow

  3 90 Средний

  Оценка 5 из 5 звезд

  заполненные звезды StarFiled StarFiled StarFiled Star

  1

  $ 14,39 Цена. Сделка

  Frisco Sheep Dog & Cat Costume, X-Small

  Оценка 5 из 5 звезд

  заполненные звезды StarFiled StarFiled Starfilled Star

  1

  $ 11,99 Хиховая цена

  $ 14.9-й. Получите 1 скидку 50% на Mix & Match

• Сделка

  Калифорнийские костюмы для родов -водителя Dog & Cat Costume, Small

  . Получите 1 скидку 50% — Mix & Match

• Сделка

  Frisco Front Walking Alien Костюм собаки и кошки, маленький

  Рейтинг 4 из 5 звезд

  Заполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звезда

  3

  $ 12,79.

  Ваше прозвище

  1 Вопросы клиента

  ---

  Will xxl Fit a Antry 80 фунтов

  Ответ

  Чувей

  •

  размеры питомца максимально приближены к размерной сетке. Чтобы измерить длину тела вашего питомца, измерьте расстояние от основания шеи до основания хвоста. Чтобы измерить обхват шеи, измерьте окружность шеи вашего питомца, оставив место для двух пальцев, а чтобы измерить обхват груди, измерьте грудь вашего питомца по самой широкой части. Если ваш питомец находится где-то между двумя размерами, мы советуем заказывать больший из двух. Полную таблицу размеров смотрите на фотографии ниже или перейдите на вкладку «Размер» рядом с вкладкой «Инструкции» под фотографиями товара.

  ---

  4.7

  Rated 4.65 out of 5 stars

  Empty StarEmpty StarEmpty StarEmpty StarEmpty StarFilled starFilled starFilled starFilled starFilled star

  20 Reviews

  100%

  Would recommend to a friend

  20 Customer Reviews

  ---

  Все звездыТолько 5 звездТолько 4 звездыТолько 3 звездыТолько 2 звездыТолько 1 звездаВсе положительныеВсе критические

  Фильтровать по

  Самые актуальныеНовыеВедущие авторыИзбранные отзывыСамые старыеСамый высокий рейтингСамый низкий рейтингФотообзоры

  Сортировать по

  ---

  Рейтинг 5 из 5 звезд

  Я купил эту или мою 14-фунтовую кошку – она ​​идеально подходит и ее так легко надеть. Обе мои кошки терпели костюм, и они были чертовски милы!

  ---

  Рейтинг 5 из 5 звезд0184 By AnnArbor on 10 сентября 2022 г.

  Oui oui и гав-гав!

  Это самый милый костюм!! Мы купили маленькую для нашего 8-фунтового мальтипу, и она идеально подошла! Получила столько комплиментов. 🙂

  ---

  Рейтинг 5 из 5 звезд

  Это обязательно! Я заказал XXX-L для моего большого мальчика! Он готов к Хэллоуину! Его очень легко надеть. Ну, я думаю, если ваша собака ведет себя лол.

  ---

  Оценка: 5 из 5 звезд Мой кот немного не уверен в этом, но терпит.

  ---

  Рейтинг 2 из 5 звезд0003

  Маломерит

  Пришлось вернуть. Средний размер кажется маленьким. Не смог использовать.

  ---

  Оценка 5 из 5 звезд Теперь я просто добавляю слова, потому что

  ---

  Рейтинг 5 из 5 звезд0184 By Painter от 14 октября 2021 г.

  Подходит для высокой собаки!

  Для справки: у меня есть стандартный пудель 27,5 дюймов (измеряется от плеч/холки), и я купил XX-L. Этот костюм очень удобен, я искал тот, который не слишком раздражал бы моего мальчика, потому что он очень разборчив в костюмах. Это буквально ошейник на его шее и довольно свободный эластичный ремешок вокруг каждой ноги, это эквивалент того, что он носит фартук. Я был впечатлен головным убором, дизайн которого создан для того, чтобы носить его каждый год с регулируемым ремешком вокруг головы, но мой не будет его носить, потому что он ненавидит головные уборы, а он черный, а этот элемент черный, поэтому он не особо выделяется. тем не мение.

  ---

  Оценка 5 из 5 звезд

  Пустые Starempty Starempty Starempty StarFiled StarFiled StarFiled StarFiled Star -Star

  от Rusty 22, 2021

  Gannelling и Somey worhol

  9. 000 9003 9003 9004 и Somey worhol 9595 года. Всегда подскажите. Конкурентные продукты. Отличное взаимодействие по телефону. Большой выбор вариантов и описание еды, игрушек, костюмов. Отличное место для покупок. Много лет пользуемся кораблем Chewey Auto и никогда не были разочарованы или получили неправильную доставку.

  ---

  Оценка 3 из 5 звезд

  Пустые Starempty Starempty Starempty Starfiled Starfiled Starfilled Starfilled Star

  , So So So So Arratiled You To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To To Mrab Вы хотите действительно прочитать размеры на. Моему уиппету пришлось носить гораздо больший размер, чем большинство одежды и костюмов. Кроме того: поскольку длина моей собаки намного больше, чем ширина, мне пришлось сделать окружность шеи и резинку для ног НАМНОГО короче, чтобы она подходила моей длинноногой собаке. Хотя все равно победитель. Мы выиграли лучший костюм!

  ---

  Рейтинг 5 из 5 звезд

  Реакцией на это было подавляющее хихиканье, это выглядит НАСТОЛЬКО хорошо! На «штанах» есть эластичные петли, в которые можно вставить штанины, это не полная штанина. Итак, представьте, что передняя часть находится там, а петля сзади, чтобы продеть ногу. Шляпа очень хорошо сделана, с ремешком для подбородка и петлей для каждого уха. Он очень плотно прилегает к голове, и даже при нескольких встряхиваниях мой веймаранер не сбил его. Одна вещь, однако, обязательно измерьте область шеи / плеч вашей собаки, моя девушка весит 14,6 фунтов, а ремешок на липучке был ближе к концу области ремешка для закрытия (где вы вставляете липучку в себя). Я заказал средний и оставалось еще немного места. Кисть из длинных меховых прядей и очень милая, в костюме все сделано качественно. Цвета на палитре тоже хорошо подобраны. Не могу ошибиться с этим. Есть искусство?

  ---

  Оденься как известный художник/Конкурс костюмов художественного произведения!

  Дэн фон Рентцель в роли Винсента Ван Гога. Я имею в виду, держи трубку! Разве мы не уверены, что это НЕ Винсент Ван Гог?! Вот что Дэн сказал о своем наряде: Я преподаю искусство в старшей школе в Эрлхэме, штат Айова. На неделю возвращения домой у нас было платье, как у нашей любимой знаменитости. Решил, что буду “фон Гогом”, в комплекте с окровавленным ухом. Достойно хвастаюсь своей картиной спальни, нарисованной после возвращения домой из моего пребывания в «больнице» после близкого столкновения с острым предметом у уха!

  О боже, вы все. Я так взволнован всеми удивительными учителями рисования, которых вы собираетесь увидеть. Добро пожаловать на конкурс «Оденься как известный художник/художественное произведение» !

  Пару месяцев назад, когда я обдумывал идеи для другого ансамбля, вдохновленного художниками, я думал, что некоторые учителя рисования сделают то же самое для Хэллоуина. Я имею в виду, что учителя рисования — самые креативные и веселые люди, которых я знаю, и наверняка (эй! не называй меня Ширли!) найдутся те, кто наряжается по этому случаю. Все. Я не ожидал, что в моем почтовом ящике появится огромное количество гениальных художников-костюмеров. Конечно, есть много работ Фриды, Лихтенштейна и Ван Гога, но каждый из них настолько искусно сделан и отличается, что смотреть на них было волнительно. Художники-интерпретируют-(при этом выдавая себя за) художников – как это круто?!

  Так как выбор так хорош, я сделал так, что вам не нужно выбирать только один. Победитель будет объявлен в понедельник, 10 ноября. Красивое лицо победительницы украсит страницы журнала SchoolArts Magazine (спасибо, Нэнси Уолкап!). Удачного голосования!

  
  

  Джейми Аддамс в роли одной из двух Фрид. Я знаю, просто потрясающе, правда? Вот немного из того, что Джейми рассказала о себе и своем костюме: Я учитель рисования в средней школе Эллис в Эглине, штат Иллинойс, и тот, что справа на фотографии выше. Слева — Стейси Джонс, наш школьный библиотекарь и учитель чтения. Она большая поклонница Фриды Кало и в течение многих лет украшала свою библиотеку плакатами и статуэтками Фриды, а также делилась многими биографиями своего любимого художника с нашими учениками. В этом году она одолжила мне много своих ресурсов, чтобы я мог преподавать модуль в пятницу в моей художественной комнате, так уж получилось, что это была неделя, предшествующая Хэллоуину. Поэтому мы с ней решили инсценировать воссоздание двойного автопортрета, известного как «Две Фриды».

  
  

  Джейми продолжает: На самом деле я преподавал в своей одежде (окровавленное сердце/вены и все такое) всю пятницу, и было здорово наблюдать за реакцией детей – один даже сказал мне, что мне этого мало усов! Что ж, Джейми, давайте посмотрим правде в глаза: когда дело доходит до Фриды, всегда ли достаточно монобровей и «усов»? Я думаю, что нет.

  Ник Хан в роли Анри Матисса. Ник работает учителем рисования в Элк-Ривер, штат Миннесота. Недавно она поделилась в своем удивительном блоге учителя рисования, как она использует концепцию переодевания со своими учениками. Она создала костюмы и реквизит в стиле фотобудки, чтобы они могли использовать их, узнавая об известных артистах. Это чистая гениальность. Посетите здесь, чтобы узнать гораздо больше.

  Кимберли Джонс в роли Бэнкси. Вот что Кимберли сказала о своем костюме: I   был вдохновлен широко популярным черно-белым трафаретом Бэнкси «Метатель цветов». Изображение было широко воспроизведено в виде принтов, футболок, чехлов для телефонов и даже татуировок. Я решил воспроизвести его сам, нарисовав черно-белые тени на черно-белой одежде.  

  Деби Уэст в роли Моны Лизы и Даллас Гиллеспи в роли Леонардо да Винчи. Деби — невероятный учитель рисования, которого мне посчастливилось знать целую вечность. Она и ее коллега Даллас преподают в средней школе Северного Гвиннетта.

  Дженна Манчини в «Звездной ночи». Когда я увидел созданную Дженной юбку на странице Art Teachers в Facebook, я практически умолял ее прислать фотографию (и под «практически» я подразумеваю, что я полностью сделал). В основном потому, что я хотел знать, как она это сделала. Вот что она сказала:  Я купила ткани в магазине JoAnn’s Fabric, где нашла идеально закрученную ткань. Я хотела убедиться, что юбка и нижняя юбка подходят мне по размеру, поэтому я разрезала две ткани, а затем сшила их вместе на швейной машине. Я добавила кружевную ленту по краю низа платья. Я также добавила молнию на спину и завязала ее сзади, чтобы получился бантик. На изготовление у меня ушел день, а затем я использовал объемную ручку для рисования по ткани, чтобы нарисовать «Звездную ночь» Ван Гога. Пришлось сохнуть несколько часов. Но вместо того, чтобы использовать ручку для рисования, я использовал кисть, чтобы нарисовать картину. Я преподаю искусство в школе для глухих от дошкольного до среднего школьного возраста. Кстати, я тоже глухой.

  Бет Картер в роли Пигассо. Какая милая Бет?! Она преподает начальное искусство в Техасе, но я люблю ее, потому что она по происхождению Хузьер, как и я! У нее также есть фантастический блог по художественному образованию, на который вам следует немедленно перейти (конечно, после голосования!) здесь.

  Энджи Джексон в образе Пикассо. Энджи преподает искусство в Шелбивилле, штат Теннесси, и создала этот удивительный костюм (а также туфли, прокрутите вниз!) для группы Пикассо, которую сейчас изучают ее пятиклассники. Удивительно, правда?!

  Эти туфли — абсурдно абстрактны! И что ты знаешь, я тоже ношу 10-й размер. Эй, Энг, тебе нужен мой адди, чтобы ты мог отправить мне этих красавцев на Рождество?!

  Лиза Даффи и Супер Потрясающий Хранитель в роли Американской Готики Гранта Вуда. Не знаю, что мне больше всего нравится на этом фото: удивительно отзывчивый смотритель; кисти, которые держит Лиза (ну, как идеально для учителя рисования!) или театр на заднем плане. Спасибо, Лиза, что поделилась этой фотографией. Это заставляет меня смеяться каждый раз, когда я вижу это!

  Лия Келлер в роли золотой рыбки Анри Матисса. Хорошо, как будто одного платья было недостаточно, девочка сделала свитер. С объемными листьями не меньше! Мне так нравится этот образ, что я говорю носить его все время, Лия! Это не костюм, это мода, сестричка!

  Хизер Хислоп в роли Сальвадора Дали. Должна сказать вам, я очень хотела создать наряд в стиле Дали, и Хизер только что скрепила сделку этим образом. Я люблю ее плавящиеся часы и этих длинноногих слонов, которых она создала. Вы можете найти больше крутизны Хизер в ее блоге. Проверьте это, йоу.

  Дженнифер Лав Жиронда в роли Фриды Кало. Дженнифер использовала Фриду как источник вдохновения для творчества. Вот что она сказала об этой идее и процессе:  Я творю каждый день на основе темы месяца. В августе я погрузилась в мир Фриды Кало, каждый день в этом месяце создавая произведение, вдохновленное ее работами. Чтобы начать свою серию и помочь создать шумиху для моих социальных сетей и блога, я оделась как Фрида и попросила своего мужа (и кошек!) (показано в сравнении друг с другом).

  Короче, фотки получились приличные! Думаю, я направил свою внутреннюю Фриду… И… я сделал тридцать произведений искусства Фриды!

  Вы можете просмотреть первый пост Дженнифер об этой идее здесь; ее 30 произведений искусства Фриды здесь; и ее последний пост о процессе здесь. Такая крутая концепция, вы не находите?

  
  

  Тесса Даунс в образе Роя Лихтенштейна. Когда я создавала свое платье Лихтенштейна, я думала нарисовать свое лицо… но я так рада, что не сделала этого. Я был бы смущен, увидев эту потрясающую работу по рисованию! Я имею в виду, посмотрите на эти слезы, так потрясающе сделано. Тесса преподает от детского сада до восьмого класса в Монтгомери, Миннесота.

    Дастин Андерсон в роли Винсента Ван Гога. Живописный костюм Дастина просто супер. Вот что Эль Гог сказал об этом наряде:  В этом году я оделся как один из моих любимых импрессионистов, Винсент Ван Гог! Было очень весело делать этот костюм, и он был бы неполным без подарка для ведущего вечеринки… моего уха. Детям очень понравился мой костюм. Я думаю, что мои туфли Starry Night настолько круты, что мне, возможно, придется начать носить их каждый день.

  Хотя я не сфотографировал туфли, Дастин поделился СВОИМ УХОМ! Боже мой, когда я увидел это фото, я чуть не умер от смеха. Спасибо, Дастин!

  Джемма Амендола в роли Фриды Кало. Разве это не сногсшибательная Фрида? Мало того, что Джемма довела до совершенства взгляд Фриды, заглядывающий в глубины своей души, она также обладает изысканным чувством стиля (я вижу тот самый топ Forever21, который есть у меня в шкафу!). Джемма преподает рисование и живопись, графику, керамику, фотографию и 3D-анимацию в средней школе в Линдене, штат Мичиган.

  Лиза Бейнон в Моне Лизе и Бриджит Райли. Лиза – моя тайная сестра по шитью души, если ты не знал. Она сшила это платье Моны тканью, которую нашла на Spoonflower. Я никогда не заказывала там ткань, но Лиза меня вдохновила! Говоря о вдохновении, вам всем нужно заглянуть в ее блог, где она берет вещи из комиссионных магазинов и превращает их в дизайнерские вещи. Вы можете найти ее блог здесь.

  А это платье? Изготовлен из винтажного листа! Я точно знаю?! Сумки моей швейной души систах!

  Мелисса Коссик в платье Andy Warhol Soup Cans Frock. Я знаю, это платье просто потрясающее. На самом деле, мне нравится весь образ, включая перчатки, парик и жемчуг. Мелисса похожа на саму Эди Седжвик, ты не думаешь?! Она пишет:   Я преподаю K-12 в YMCA и в Художественном музее Равнин в Фарго, Северная Дакота.

  Я состою в правлении ассоциации визуальных художников Fargo Moorhead. У нас 160 членов. Фотография была сделана на нашем октябрьском мероприятии в Rourke Gallery в Мурхеде, штат Миннесота.

  К. Ли Мок в роли Роя Лихтенштейна. Картина. К. Ли выглядит как настоящая кукла, вам не кажется? Я влюблен в этот сиреневый парик. Вот что К. Ли сказала о себе: Я преподаю в Чартерной школе Ривер-Вэлли в Ньюберипорте, штат Массачусетс. Детский сад-8 класс. Мы государственная школа Монтессори! (И мы очень классные!). И я бы сказал, что им очень повезло с ней.

  Эшли Корвин в роли Фриды Кало и Розмари Кокс в роли девушки Вермеера с жемчужной сережкой. Познакомьтесь с замечательными учителями рисования в средней школе Белоголового орлана в Пенсильвании. Мне нравится, как они оба справились с этими взглядами, а вам? Вот что Эшли сказала об их костюмах:  Вот фотография меня и другого учителя рисования на Хэллоуин. Это была неделя духа/красной ленточки, а пятница была одеждой вашего любимого персонажа. Если вы спросите меня, они оба выглядят как сумасшедшие забавные персонажи, с которыми можно учиться искусству!

  Лиза Реддитт в роли «Большой волны» Хокусая. Лиза быстро создала эту футболку специально для предмета, который она преподает по искусству. Мне нравится это и юбка, которую она сочетает с ней, совершенство! Вот что Лиза сказала о своем ансамбле:  В настоящее время я занимаюсь искусством со 2–5 классами, вдохновленными местами со всего мира. Пятый класс изучает японское искусство, поэтому я решил одеться как «Большая волна у Канагавы» в качестве введения к этому произведению. Детям понравилось, как моя рука сделала «волну».

  Таша Ньютон в роли Винсента Ван Гога. Смотри, наш первый женский Ван Гог! Виктория Ван Гог, привет! Мне нравится то, что Таша сделала с курткой. Задняя часть – мой абсолютный фаворит. Таша преподает искусство с четвертого по шестой класс в Висконсине.

  Натали Гийетт в образе Роя Лихтенштейна. Натали — учитель рисования в старшей школе (благослови ее. Это территория, на которую я никогда не планирую рисковать) в Ньюпорте, штат Вермонт. Мне нравится ее олицетворение картины Лихтенштейна, особенно знак и нарисованное декольте. Я думаю о том, чтобы каждый день красить свое декольте. Спасибо за инфу, Наталья!

  Ребекка Рокко в роли Фриды Кало. Не спрашивайте меня, как ей это удалось, но я считаю, что у Ребекки самая правдоподобная монобровь (она нарисована, аааа, Ребекка?!). Ребекка — учитель рисования от дошкольного до пятого класса, и я уверен, что дети обожают ее.

  Джилл Таттл в образе Джексона Поллока. О боже. Да, этот костюм и то, как он был создан, потрясающие. Джилл — учитель рисования в средней школе, и вот что она сказала: В этом году я решила превратить костюм на Хэллоуин в урок! Мы узнали о Джексоне Поллаке, провели акварельные эксперименты в его стиле и создали мой костюм! Ученики разрисовывали этот белый костюм в течение двух дней, а затем мы добавили краску к моему фавориту, чтобы он подходил к школьному дню переодевания! Это был отличный способ воплотить искусство в жизнь!

  Синди Блэр в образе Пикассо. Я так влюблен в этот костюм, что вы даже не представляете. Я имею в виду, этот головной убор, гах! Вот что сказала Синди: Я преподаю в музее и решил стать Пикассо. Головной убор представляет собой светящийся кусок бамбука и папиросной бумаги. Вместе с сообществом мы делаем светильники для световых шествий, и я не могу перестать их делать.

  Дон ДеБэр в образе Роя Лихтенштейна. Картина. Лично я считаю, что тот факт, что слово “пузырь” – это заколка для волос, не что иное, как гениальность. Большое спасибо за эту идею, Дон. Я украду его немедленно.

  Ребекка Бэйли в роли TMNT Микеланджело. Как вы думаете, насколько мальчики любили Ребекку в этот день?! Такая отличная идея! Ребекка сказала:  Я играла Микеланджело из Черепашек-ниндзя, но у меня были нунчаки для рисования, чтобы принести художника. Это было очень весело, детям понравилось, и это дало мне возможность рассказать обо всех четырех черепашках-ниндзя, разделяющих имена замечательных художников!

  Салли Черри в образе Роя Лихтенштейна. Хорошо, я верю, что флуоресцентный парик с черными полосами – это круто. Он передает этот мультяшный вид. А розовый горошек просто бомба. Я думаю, что всем леди Лихтенштейна нужно создать свою собственную группу или толпу пятнистых девушек, как вы думаете? Есть идеи для названия группы?

  Эрин Грин в роли Фриды Кало. Эрин на самом деле из моих старых бродяг, так что ты знаешь, что она мне уже нравится. Вот что она сказала о своем костюме: Я учитель рисования в городе Фишерс, штат Индиана. Вчера в моем классе была Фрида Пятница. Мы узнали о Фриде и некоторых традиционных мексиканских искусствах. Студенты сделали маски Калавераса, папель-пикадо и мини-картины из коры амате. Это была Фиеста веселья!

  Сара Абенд в образе Густова Климта. Остановите прессы, ребята! Это не просто костюм, это инсталляция! Сестра Сары, Мелисса Мари Абенд Колб, , вложила в нее невероятный объем работы.

  Крис Бэр в роли Фриды Кало. Я знаю, что в этом миксе много Фриды, но разве вам не нравится, насколько уникален каждый из них? Прямо как настоящая картина Фриды. Но подождите, это еще не все… прокрутите вниз, друзья.

  Это Крис со своими коллегами! Разве это не похоже на смехотворно веселую группу? Гах, я люблю учителей рисования.
  
  

  А теперь о наших записях, не связанных с художниками/произведениями искусства… У меня было несколько фантастических материалов, которые не были основаны на каком-либо конкретном художнике или произведении искусства, но были слишком хороши, чтобы не поделиться с вами здесь. Поскольку они не соответствуют моим глупым требованиям, вы не можете голосовать за них, но вы, безусловно, можете восхищаться их удивительностью и оставлять милые комментарии для них ниже.

  Искусно нарисованное лицо Жанны Бьорк, красивые цветы и шаль идеально подходят для el Dia de los Muertos. Похоже, ей не стоило тусоваться с этими парнями…

  Хизер Костал рассказала о своем костюме: Я делала эти маски в школе. Дети изучали Dia de los Muertos для месяца латиноамериканского наследия. Мне очень понравились рисунки сахарных черепов, и мне было очень весело их рисовать. Мы с мужем носили их на Хэллоуин, а он устраивал и пел целый кружок на укулеле в своих.

  Эмили Сэмюэлс и Николь Густафсон   надели костюмы монстров, потому что их ученики создавали произведения искусства на тему монстров! Мало того, ее третьеклассники выступали в представлении, вдохновленном монстрами. Как весело!

  О, вы ЗНАЕТЕ, что некоторые девушки сходили с ума из-за наряда Кэролайн Дейли! Вот что она сказала:  Все предметы были расписаны вручную акриловой и воздушной краской. Материал (камзол и электрическое одеяло) я нашла в комиссионном магазине и изменила длину старого выпускного платья. Я вручную сшила окантовку и вручную отштамповала выкройку на накидке. Детям понравилось!

  Разве это не звездная работа по макияжу? Я имею в виду, Лиза Валле выглядит так, будто могла бы сбежать и присоединиться к Cirque du Soliel, верно? Это напомнило мне, что мне нужно научиться наклеивать накладные ресницы. Лиза, ты собираешься научить меня, как? Люблю этот взгляд!

  Саманта Копторн прислала мне это изображение, на котором она и ее товарищи по работе выглядят как статуи предметов, которые они преподают. Прокрутите вниз и прочитайте, что Саманта сказала о костюмах.

  Мы не были каким-то особым произведением искусства, но я думаю, что моя команда была потрясающей. Мы позировали по прибытии машины, возле наших классов и во время парада костюмов. Очень весело, когда ученики пытаются заставить статуи двигаться и вздрагивать!

  Костюм Шерил Депп был вдохновлен книгой «Слишком много клея». Судя по всему, она обнаружила, что у нее совсем немного липкого вещества. Кстати, Шерил недавно завела блог учителя рисования, который вам нужно проверить, посетите здесь.

  Одежда Лиз Ван Аллен должна быть самой умной вещью. Вот что она рассказала о своем творении: В этом году мои ученики в Северной Филадельфии были очень удивлены, обнаружив, что вместо мисс Ван Аллен их учителем на Хэллоуин была их Мать-Волшебница. Она воплощение того тихого голоса в глубине вашего разума, который побуждает вас продолжать, когда ваше искусство идет не совсем так, как планировалось, тот, кто напоминает вам обо всех ваших творческих силах.  Каждое занятие я начинал с объявления о том, что мисс Ван Аллен попала в очень грязную и красочную аварию, в которую попало немало

  краски, и что я, ее Мать-Волшебница, заменю ее

     в течение дня. Костюм имел полный успех. Мой директор не мог смотреть на меня без смеха, моим коллегам это нравилось, и ученики даже начали говорить друг другу, чтобы они называли меня матушкой-волшебницей, а не мисс Ван Аллен! Блоги Лиз здесь.