Шедевры музыкального романтизма сообщение: Презентация по МХК на тему “Шедевры музыкального искусства эпохи романтизма”

Шедевры музыкального искусства эпохи романтизма

1. Шедевры музыкального искусства эпохи романтизма.

Над презентацией работали:
Бражников М., Рудченко Е., Куликов В.

2. Музыка 19 в.

Признавая уникальную способность музыки «моделировать
эмоции», романтики не музыканты ставили на первое
место среди других искусств искусство звуков.
Музыка 19 в. имела множество ответвлений и национальных
школ, но оставалась единой в главном – в стремлении
запечатлеть «внутреннего человека», передать порыв его
души и боль сердца.

3. Основоположник романтической музыки.

Основоположником романтической музыки считается австрийский
композитор Франц Шуберт (1797 – 1828 гг.). Родился в
предместье Вены, в семье школьного учителя. Приобщение
Франца к искусству началось с домашнего музицирования. Все в
семье играли на инструментах и пели. Франц в 11 лет прошёл по
конкурсу в школе – интернат для придворных певчих, где получил
бесплатное муз. образование. В 17 лет он написал произведение
«Маргарита за прялкой», «Лесной царь», «Скиталец», «Смерть и
девушка». Это песенный жанр. Все сочинения проникнуты
песенностью. Сохранившийся портрет Шуберта вполне
соответствовал характеру композитора. – Мягкий, добрый, он
действительно был сговорчив во всём, что не затрагивало его
«божества» – музыки.
В 21 год композитор начал новую жизнь. Последние годы жизни он повёл в
неотступной нужде, но был объят творческим гонением. Его творческий путь
длился всего 17 лет. Успел создать 1500 сочинений. Это песни и симфонии.
Свыше 600 песен. Ведущее место в песне принадлежит мелодии. Если поэты
– романтики стремились, чтобы слово «пелось», то Шуберт умел заставить

мелодию «говорить». Он тонко соединил интонации речи с распевностью и
создал тот новый вид мелодики, который стал главным в музыке 19 века.

4. Искусство немецкого романтика Роберта Шумана.

Искусство другого немецкого романтика Роберта
Шумана (1810 – 1856) пронизано бунтарским
духом. В 20 лет Шуман поднялся на борьбу, вся
его творческая жизнь была направлена против
сонного покоя немецких обывателей. Именно он
«открыл» для публики Ф.Шуберта, закончив статью
о молодом композиторе: «Шапки долой, господа,
перед вами гений!»
Родина Шумана – немецкий городок Цвиккау. Здесь рано обнаружились его
музыкальные и литературные способности. Однако по требованию матери он
поступает на юридический факультет. Судьба свела его с семьёй Фридриха
Вика – педагога – музыканта. Его 9 –летняя дочь Клара поразила воображение
будущего композитора. Их встреча определила всю последующую личную
жизнь Шуберта, а образы его музыки неразрывно связаны с именем Клары и с
историей их любви.
Чувства и эмоции – главные в творческой жизни композитора. Его
романтическая любовь к Кларе Вик приобрела характер «рокового чувства». В
течение 4-х лет он вёл «борьбу за Клару» с её отцом. И в 1849 г. самочувствие
ухудшилось, его поразило тяжёлое нервное заболевание. Скончался
композитор в лечебнице для душевно больных.

5. Рихард Вагнер (1813 – 1883 гг.)

Одарённость Рихарда Вагнера (1813 – 1883 гг.) последнего
крупного немецкого композитора – романтика,
универсальна. Он создатель музыкальной драмы нового
типа. Вагнер – оригинальный философ и публицист,
выдвинувший идею синтеза искусств как средства
воспитания человека.
Родился Вагнер в Лейпциге, в семье полицейского
чиновника. С детства увлёкся театром, где работал его
отчим. Свою 1-ю оперу «Феи» написал в 20 лет. Вершина
творчества – то оперы «Тангейзер» и «Лоэгрин».
В мае 1848 г. в Дрездене началась революция. Вагнер был в числе тех, кто
воевал против правительственных войск. Опасаясь ареста, он уехал в
Швейцарию и там написал знаменитые философские трактаты «Искусство и
революция» и «Опера и драма».
Умер Вагнер в Венеции, предписав своим завещанием ставить «Парсифаль»
в течение 30 -лет только в Байрете. Сегодня Байрейтский театр – центр
оперного искусства, свято хранящий вагнеровские заветы.

6. Творчество Джузеппе Верди.

Новый высокий расцвет итальянской оперы эпохи
романтизма – творчество Джузеппе Верди (1813 – 1901
гг.). Жизнь Верди является примером композиторского
долголетия. Почти 60 лет он сочинял музыку. Создал 26
опер, сохраняющихся, в репертуаре театров мира, по сей
день.
Родился Верди в деревне Ле Ронколе. Его отец содержал
харчевню, мать была пряхой. Жили бедно. Мальчик
страстно хотел научиться петь и играть на муз.
инструменте. Его первый учитель музыки был церковный
органист. Он попадает в Милан и пытается поступить на
учёбу в консерваторию, но его не принимают. Верди стал
брать частные уроки музыки у маэстро Барецци.
За 10 лет Верди написал 14 опер. Творческая зрелость приходит в 50 –е годы 19 века,
появляются знаменитые оперы «Риголетто», «Трубадур», Травиата».
Опера «Аида», была написана на египетский сюжет, которой полагалось украсить
торжество в честь открытия Суэцкого канала.

В 80 лет Верди написал последнюю оперу «Фальстаф», по мотивам Шекспира. Музыка
полна юношеской жизнерадости, юмора. Премьера этой оперы вылилась в чествование
композитора, достойно завершившего историю итальянской романтической оперы 19 века.

7. Фридерик Шопен (1810 – 1849).

Фридерик Шопен (1810 – 1849) тонкий романтический
художник, посвятил свою музу родной Польше.
С 20 –ти лет Шопен жил на чужбине, что неизбежно усилило
мечтательную тоску по Родине, глубокую любовь к ней.
Фортепиано – для него творил свои сочинения Фридерик.
Он родился недалеко от Варшавы в имении Железова Воля.
Отец – крестьянин, боролся за независимость, в мирное
время работал учителем французского языка в лицее.
Мать была очень музыкальна, играла и пела на
фортепиано. Мальчик с детства был окружён заботой и
лаской. В 1830 г. он выехал в Вену, где до него дошла
тревожная весть о восстании в Варшаве. По настоянию
отца он на родину не вернулся.
В 1836 г. знакомится с писательницей Жорж Санд. Вскоре они стали жить
вместе. Но взгляды на жизнь у этих двух людей были разными и они
расстались. Душевные страдания подорвали его здоровье. Вскоре
композитора не стало. Похоронили Шопена в Париже, но сердце его навечно
упокоилось в храме Святого Креста в центре Варшавы.

8. Ференц Лист (1811-1886гг.).

Ференц Лист (1811-1886гг.) – гордость венгерской
национальной культуры. Композитор, дирижёр, пианист,
педагог, он рано покинул Родину и бывал в Венгрии лишь
наездами. Это определило его привязанность к традициям
французского и немецкого искусства. Однако Лист всегда
помнил о своём Отечестве и неоднократно обращался в
творчестве к венгерским образам.
Родился Лист в венгерском местечке Доборьян. Его отец –
смотритель княжеской овчарни, хорошо разбирался в музыке
и заметил необычные музыкальные способности у сына. В 9
лет Лист уже давал концерты в различных городах Венгрии.
Чуть позже уехал в Вену, где стал брать уроки у итальянского
маэстро Антонио Сальери. Здесь же Лист встретился с
Бетховеном.
Гениальный престарелый мастер уже не мог слышать игру «вундеркинда», но он
внимательно следил за бегом пальцев и по окончании концерта поцеловал
ребёнка. Этот момент Лист запомнил на всю жизнь.
С 1823 г. Лист поселился в Париже. Начинает выступать на самых престижных
сценах, он стал общаться на «равных» – Паганини и Шопеном, Бальзаком и
Гейне, Делакруа и Дюма.
Начиная с 1835г. жизнь Листа – это постоянные переезды, концерты,
путешествия.
Лист вошёл в историю как создатель нового
музыкального жанра – симфонической поэмы.
Умер от воспаления лёгких в немецком городе
Байрете, куда приехал послушать оперы
Вагнера.

Музыкальное искусство эпохи романтизма-презентация по мхкСайт учителя МХК

Презентация «Музыкальное искусство эпохи романтизма» продолжает тему «Романтизм в европейском изобразительном искусстве», Эта запись на блоге познакомила с основными чертами стиля. Презентация, посвящённая музыке романтизма, не только богата иллюстративным материалом, но содержит также аудио- и видео- примеры. К сожалению, услышать музыку, пройдя по ссылкам, можно только в программе PowerPoint.

 

Музыкальное искусство эпохи романтизма

Ни одна эпоха до XIX века не подарила миру столько талантливых композиторов и исполнителей и столько выдающихся музыкальных шедевров как эпоха романтизма. В отличие от классицизма, в основе мировоззрения которого лежит культ разума, главное в искусстве романтизма – чувство.

«В теснейшем и существеннейшем своём значении романтизм есть не что иное, как внутренний мир души человека, сокровенная жизнь его сердца. Сфера его, как мы сказали, – вся внутренняя  задушевная жизнь человека, та таинственная жизнь души и сердца, откуда подымаются все неопределённые стремления к лучшему и возвышенному, стараясь находить себе удовлетворение в идеалах, творимых фантазиею».                                                                                                                                                    В.

Г. Белинский

В музыке, как ни в одном другом виде искусства, возможно выразить самые разнообразные чувства и эмоции. Поэтому именно музыка стала главным искусством в эпоху романтизма. Кстати, термин «романтизм» по отношению к музыке впервые употребил выдающийся писатель, художник, композитор Эрнест Теодор Амадей Гофман, жизнь и судьба которого может служить ярчайшим примером судьбы романтического героя.

 

Музыкальные инструменты эпохи романтизма

Благодаря богатству звуковой палитры, разнообразию тембровой окраски, одним из любимейших музыкальных инструментов романтиков стало фортепьяно. В эпоху романтизма фортепьяно обогатилось новыми возможностями. Среди музыкантов-романтиков много таких как Лист, Шопен, поражающих любителей музыки виртуозным исполнением своих (и не только своих) фортепьянных произведений.

Оркестр эпохи романтизма обогатился новыми инструментами. Состав оркестра увеличился в несколько раз по сравнению с оркестром эпохи классицизма. Для того, чтобы создать фантастическую, волшебную атмосферу, композиторы использовали возможности таких инструментов, как арфа, стеклянная гармоника, челеста, глокеншпиль.

На скриншоте слайда из моей презентации видно, что к каждому изображению музыкального инструмента я добавила пример его звучания. Загрузив презентацию на свой компьютер и открыв её в программе PowerPoint, мой любознательный читатель, вы сможете насладиться звучанием этих удивительных инструментов.

«Обновлённые инструменты несказанно расширили рамки оркестровой выразительности, позволили обогатить колористическую палитру оркестра и ансамбля неведомыми ранее тембрами, техническим блеском и мощной роскошью звучности. А в сольных пьесах, концертах, фантазиях они могли поражать слушателей небывалой, подчас акробатической виртуозностью и утрированной чувственностью, придавая исполнителям-концертантам черты демонические и властные».                                                                                                                                                   В.В. Березин

Жанры в музыке романтизма

Наряду с популярными жанрами, существовавшими в предшествующую эпоху, в романтической музыке появляются новые, такие как ноктюрн, прелюдия (ставшая вполне самостоятельным произведением (вспомним восхитительные прелюдии Фредерика Шопена), баллада, экспромт, музыкальная миниатюра, песня (Франц Шуберт сочинил их около шестисот), симфоническая поэма. В этих произведениях композитор-романтик мог выразить тончайшие оттенки  душевных переживаний. Именно романтики, стремясь к конкретности музыкальных идей, пришли к созданию программных сочинений. Эти творения часто вдохновлялись произведениями литературы, живописи, скульптуры. Ярчайшим примером таких творений являются сочинения Ференца Листа, вдохновлённые образами, Данте, Микеланджело, Петрарки, Гёте.

Композиторы-романтики

Рамки «жанра» не позволяют поместить в данной записи рассказ о творчестве композиторов-романтиков. Задача моя состояла в том, чтобы дать общее представление о музыке романтизма и, если повезёт, вызвать интерес к теме и желание продолжить самостоятельное изучение музыкального искусства эпохи романтизма.

Обнаружила среди материалов Arzamas Academy то, что может быть интересно любознательному моему читателю о музыке романтизма. Рекомендую настоятельно почитать, послушать, поразмышлять!

Как всегда, предлагаю список литературы. Хочу пояснить, что список составляю, используя собственную библиотеку. Если вам покажется он не полным, дополните его сами.

Советую почитать о музыке романтизма

•          Энциклопедия для детей. Т.7. Искусство.  Часть третья. Музыка, театр, кино.– М.: Аванта+, 2001.
•         Энциклопедический словарь юного музыканта. ‒ М.: «Педагогика», 1985.
•         Музыкальный энциклопедический словарь. ‒ М.: «Советская энциклопедия», 1990.
•         Великович Э.И. Музыкальные путешествия в историях и картинках. ‒ СПб.: Информационно-издательское агентство «ЛИК», 2009.
•          Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура: Учеб. Пособие для студ. сред. пед. учеб. заведений. – М.: Издательский центр «Академия», 1998.
•          Залесская М.К. Рихард Вагнер. Запрещённый композитор. ‒ М.: Вече, 2014.
•         Коллинз Ст. Классическая музыка от и до. ‒ М.: ФАИР_ПРЕСС, 2000.
•          Львова Е.П., Сарабьянов Д.В., Борисова Е.А., Фомина Н.Н., Березин В.В., Кабкова Е.П., Некрасова Л.М. Мировая художественная культура. XIX век. Изобразительное искусство, музыка, театр. ‒ СПб.: Питер, 2007.
•         Роллан Р. Жизни великих людей. ‒ М.: Известия, 1992.
•         Сто великих композиторов / Автор-составитель Д.К. Самин. ‒ М.: Вече, 1999.
•          Тибальди-Кьеза М. Паганини. ‒ М.: Мол. Гвардия, 1981

Удачи!

Понравился материал? Поделитесь!

Понравилось это:

Нравится Загрузка…

Презентация и конспект урока МХК в 11 классе «Романтизм в музыке»

Конспект урока МХК в 11 классе, тема «Романтизм в музыке»

Учитель Квисберт Татьяна Владимировна,

МОУ «Рыбачьевская школа» г. Алушта, Крым.

 

ПРЕЗЕНТАЦИЯ

Цели урока –

1) Познакомить учащихся с характерными чертами романтизма в музыке;

2) Развивать умение самостоятельно изучать материал и анализировать музыкальное произведение;

3) Воспитывать культуру восприятия шедевров музыкального романтизма.

Оснащение урока – Мультимедийная презентация, аудиозаписи произведений композиторов-романтиков, портреты композиторов и репродукции художников эпохи романтизма.

 

ХОД УРОКА

Организационный момент – приветствие, мотивационный этап, презентация темы урока.

Актуализация знаний учащихся по теме «Эпоха просвещения, ее идеалы и принципы. Венский классицизм, общие черты»

Основная часть – предъявление новой темы – «Романтизм в музыке», целеполагание и определение задач на урок.

Показ презентации «Романтизм в музыке»

 

Слайд 4. Исторические предпосылки возникновения романтизма.

Романтизм явился своеобразной реакцией на Просвещение с его культом разума. Его возникновение было обусловлено разными причинами. Важнейшая из них – разочарование в итогах Великой французской революции, не оправдавшей возлагавшихся на нее надежд. Принципы «свободы, равенства и братства» остались утопической мечтой. Буржуазный строй, сменивший феодально-абсолютистский режим, отличался беспощадными формами эксплуатации народ­ных масс.

«Государство разума потерпело полное крушение». Общественные и государственные учреждения, возникшие после революции, «…оказались злой, вызывающей горькое разочарование, карикату­рой на блестящие обещания просветителей»

 

Слайд 6.

Обманутые в лучших надеждах, не способные примириться с действительностью, художники нового времени выражали свой протест по отношению к новому порядку вещей.

Так возникло и сложилось новое художественное направление — романтизм.

 

Слайд 7.Мировоззренческие принципы романтизма.

Для романтического мировоззрения характерен резкий конфликт между реальной действительностью и мечтой. Действительность низка и бездуховна,

Она пронизана духом мещанства, филистерства и достойна только отрицания. Мечта – это нечто прекрасное и совершенное, но недостижимое и непостижимое разумом. Лирическое восприятие мира – важнейшая черта романтической музыки.

 

Слайд 8

Потеряв веру в силу разума, романтики обратили свой взор к чувствам человека, к его душе с надеждой обрести там “царство свободы и гармонии.

Шуман: «разум заблуждается, чувства – никогда».

Не случайно идеальным видом искусства была объявлена музыка,

которая в силу своей специфики наиболее полно выражает

движения души.

Именно музыка в эпоху романтизма заняла ведущее место в системе искусств.

 

Слайд 9. Романтизм обогатил искусство множеством но­вых тем, неизвестных в художественном творчестве предшествующих веков

Тема одиночества художника

Тоска по недостижимому идеалу, совершенству

Противоречие между реальностью и высоким стремлением, идеалом.

Бегство в прошлое, в древность,

в экзотические страны, фантастические миры.

Тема смерти как единственного способа разрешения противоречий.

Горькая ирония над несовер­шенством реального мира.

Тема природы. Резонируя с душевным состоянием человека, она обычно окрашивается чувством дисгармонии.

 

Слайд 10. Характеристика романтического героя

Романтический герой всегда одинок и непонят. Это артист, поэт, музыкант, художник – именно потому что он является незаурядной, одаренной личностью, он остается одиноким и глубоко несчастным. Излюбленные герои в произведениях романтиков – художники («Любовь поэта» Шумана, «Фантастическая симфония» Берлиоза с ее подзаголовком– «Эпизод из жизни артиста», симфоническая поэма Листа «Тассо»).

 

Слайд 11. Жанры романтического музыкального искусства

Желание излить самые сокровенные чувства приводят к возникновению жанра лирической исповеди. Преобладает жанр миниатюры как более камерный, интимный, расчитанный на неширокий круг слушателей. Циклы песен, пьес, музыкальные моменты, рапсодии, баллады отличаются автобиографичностью.

 

Слайд 12. Композиторы-романтики.

Франц Шуберт

Слайд 13. Роберт Шуман

Слайд 14. Фредерик Шопен

Слайд 15. Ференс Лист.

Слайд 16. Вагнер, Берлиоз.

Слушание и анализ музыкальных произведений Шуберта, Шумана, Шопена, Листа. Заполнение дневника слушателя.

Окончание урока. Подведение итогов. Блиц-опрос по теме «Мировоззрение романтизма. Новое в музыке в сравнении с эпохой классицизма.»

Оценивание, домашнее задание – подготовить сообщение про Рихарда Вагнера.

задание по мхк на первое полугодие для 11 «З» класса

Тема 1. Предчувствие мировых катаклизмов: основные течения в европейской художественной культуре

· Романтизм в художественной культуре Европы 19 века: открытие «внутреннего человека»

Художественная картина мира в романтическом искусстве разных видов; проникновение во внутренний мир личности: лирическая образность в произведениях романтиков. Шедевры музыкального искусства

Романтические направления в творчестве Д.Байрона, В.Гюго, В.Скотта, Г.Гейне.

Композиторы : Р. Шуман, Ф. Шуберт,Р.Вагнер,Д.Россини, Д. Верди.Ж.Бизе.

Задание. Читать Учебник Л.А. Рапацкая « Мировая художественная культура 11 класс» стр.5-58. Подготовить презентацию( доклад) о творчестве писателей или композиторов эпохи романтизма.

· Импрессионизм:

Рождение импрессионизма во французской живописи; новые средства художественной выразительности; импрессионизм в музыке : К.Дебюсси и М.Равель.

Художники К.Моне,Э Мане,Э.Дэга,К.Писсарро,О.Ренуар,

Задание: Читать Учебник Л.А. Рапацкая « Мировая художественная культура 11 класс» стр.61-73.. Подготовить презентацию (доклад) о творчестве одного из художников.

· Экспрессионизм: действительность сквозь призму страха и пессимизма

Сущность экспрессионистской образности; символика; экспрессионизм в музыке и театре.

Художники: Э. Мунк, Поэты: Георг Кайзер

Задание: Читать Учебник Л. А. Рапацкая « Мировая художественная культура 11 класс» стр.75-88.. Краткий конспект.

· Мир реальности и мир «новой реальности»: традиционные и нетрадиционные направления в искусстве конца 19 – начала 20 века.

Символизм как философская «сверхидея» искусства; многожанровая литература

Задание: Читать Учебник Л.А. Рапацкая « Мировая художественная культура 11 класс» стр.92-126.. Подготовить презентацию об одном из направлений :

1. реализм в зарубежной литературе конца 19 – начала 20 века

2. символизм в зарубежной поэзии конца 19 – начала 20 века

3. постимпрессионизм в европейской живописи конца 19 – начала 20 века

4. фовизм в европейской живописи конца 19 – начала 20 века

5. кубизм П.Пикассо

6. абстракционизм в европейской живописи конца 19 – начала 20 века

7. Сюрреализм С.Дали.

Задания сдавать учителю Мельничук Елене Владимировне, каб. 2.2. (вторник, пятница, суббота).

Австрия XVII–XIX веков: центр мировой музыкальной культуры

Вклад Австрии в фонд мирового музыкального искусства неоспорим. Именно в роскошной Вене времен Габсбургов под покровительством императорской фамилии в XVIII–XIX веках создавалась и исполнялась музыка, которая впоследствии получила название классической.

Современное понятие классической музыки связано с музыкальной культурой классицизма, которая в Австрии достигла своего расцвета.

Венская классика

Начало XIX века было золотым веком австрийской музыкальной культуры. Представители Первой венской школы Вольфганг Амадей Моцарт, Людвиг ван Бетховен и Франц Йозеф Гайдн создали академическую классическую музыку, какой мы знаем ее сегодня: с совершенной гармонией богатого образного содержания и точной, безупречно выверенной формы.

Франц Йозеф Гайдн (1732–1809)

Старший из венских классиков, он стоял у истоков таких академических жанров, как симфония и струнный квартет. Один из самых плодовитых, знаменитых и успешных композиторов своего века, Гайдн оставил богатое творческое наследие:

• 104 симфонии;


• 24 оперы;


• 3 оратории;


• 6 месс и множество других духовных и светских произведений.

Вольфганг Амадей Моцарт (1756–1791)

Музыкант-виртуоз и гениальный композитор, Моцарт оказал огромное влияние на европейскую и мировую музыкальную культуру. Он одинаково ярко проявил себя и в опере, и в инструментальных произведениях.

Хотя композитор много путешествовал по Европе, именно в Вене он достиг зенита своей славы и написал самые знаменитые шедевры, в том числе оперы («Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Волшебная флейта») и «Реквием».

В 1997 г. Антонио Сальери официально оправдали по обвинению в отравлении Моцарта

Людвиг ван Бетховен (1770–1827)

В наши дни Бетховен – один из самых исполняемых композиторов в мире. Он родился в Бонне, но большую часть своей жизни провел в Вене и ее пригородах, где и работал над произведениями, ныне вошедшими в фонд шедевров мировой музыки (9 знаменитых симфоний, 5 концертов, множество сонат).

Иногда к Первой венской школе причисляют основоположника музыкального романтизма Франца Шуберта (1797–1828), который также жил и работал в Вене.

Венский вальс

Особое место в музыкальной культуре Австрии XIX века занимает венский вальс. Родоначальником вальса, который и поныне считается главным бальным танцем, был австрийский народный танец лендлер. Аристократия cчитала вальс танцем крайне непристойным. Лишь в начале XIX века вальс зазвучал на великосветских балах и вскоре завоевал всю Европу.

Вальсы отца и сына Штраусов звучали везде: от небольших трактиров до великосветских балов

Штраус + музыка = вальс

Популярность вальса тесно связана с именами отца и сына Штраусов. Иоганн Штраус-старший (1804–1849) стал первым автором вальсов для танцзалов – «дискотек» XIX века, где демократически смешивались все слои общества. В его произведениях изящный, легкий, беззаботный и летящий венский вальс приобрел свои классические черты.

Иоганн Штраус-младший (1825–1899) избрал профессию музыканта вопреки воле отца, но впоследствии затмил его как композитор и дирижер. Именно Иоганна Штрауса-младшего венцы провозгласили «королем вальса». Прославленные вальсы Иоганна Штрауса исполняют и сегодня это:

• «Сказки венского леса»,


• «Голубой Дунай»,


• «Весенние голоса»,


• «Императорский вальс» и другие.

Биография Иоганна Штрауса-младшего тесно связана с Россией: в течение 10 лет он работал в Павловске, пользовался невероятным успехом у российской публики и писал трогательные письма своей первой любви, Ольге Смирнитской.

Золотой век австрийской музыки отнюдь не закончился на венском вальсе: в конце XIX века в Вене творил Густав Малер, а в XX веке – композиторы Новой венской школы. Услышать произведения австрийских композиторов можно на концертах, которые организованы австрийскими культурными центрами или в записях – например, на сайте классической музыки classic-online.ru.

Если вы хотите узнать больше о культуре и искусстве Австрии и других стран Европы и мира, читайте наши статьи и подписывайтесь на рассылку.

Шедевры русской и зарубежной музыки XIX и XX века / Музей-заповедник «Царицыно»

Тысяча восемьсот десятый год подарил миру двух музыкальных гениев – поляка Фредерика Шопена и немца Роберта Шумана. Принадлежащие одной – романтической – эпохе, эти композиторы в своих художественных устремлениях имеют множество точек пересечения. Суть их творчества составляет безбрежный мир тончайших человеческих переживаний, музыка их отражает ведущие эмоциональные настроения человечества. Сила таланта каждого из них такова, что спустя двести лет самое сокровенное, глубоко личностное остается понятным и близким  миллионам слушателей.

Рожденные одной эпохой, и Шопен и Шуман, несмотря на общие творческие цели, находят свои индивидуальные пути в поисках художественной правды. Их отличает способ раскрытия музыкальных событий. Борису Асафьеву, выдающемуся русскому советскому музыкальному историку принадлежат следующие слова: «Шопен – совершенство, но Шуман эмоционально первозданнее его: исповедь души и начало эпохи». Трудно представить более точную характеристику, чем ту, которую дал ученый, ведь в этих словах – и суть самого романтического направления. В концерте будет исполнена музыка двух великих романтиков. Украсят программу сочинения других композиторов романтической эпохи – венгра Ференца Листа и русских Петра Ильича Чайковского и Сергея Рахманинова.

Исполнители: лауреаты международных конкурсов Айшан Мамедова (сопрано), Глеб Степанов (виолончель),  Алексей Стариков (фортепиано).

В программе:

• Р. Шуман. Du bist wie eine blume op.25, Посвящение, Три фантастические пьесы для виолончели и фортепиано ор.73;
• Ф. Лист. «Лорелея», Ноктюрн № 3, «Грёзы любви», Этюд по Паганини №3, «Кампанелла»;
• П. И. Чайковский. «Я ли в поле да не травушка была», ария Лизы из оперы «Пиковая дама», Две пьесы для виолончели и фортепиано: Романс, Pezzo capriccioso;
• С. Рахманинов. «Сон», «Не пой, красавица», Две прелюдии ор.23 №4,5, Вокализ;
• Ф. Шопен. Полонез ля бемоль мажор ор.53.

Композитори романтики презентація – kinderugolok.ru

Скачать композитори романтики презентація doc

Композиторы-романтики. 1. Презентация на тему “Композиторыромантики” Презентацию создал ученик 8 Б класса Карих Леонид. 2. Ференц (Франц) Лист Родился 22 октября года в городе Доборьян, Венгрия.

Композиторы-романтики   Зачем использовать учебные презентации на уроках музыки? Маэстро: Романтизм в музыке. презентация содержит представление о романтизме в различных видах искусств, а также их представителях. Просмотр содержимого документа «презентация для урока “Романтизм в музыке”». Изображение жизни и слово в искусстве романтизма. «Прекрасное было время Человеческий дух был раскован: считал себя вправе всему существующему противополагать свою действительную свободу и спрашивать не о том, что есть, но о том, что возможно».

Франц ШубертАвстр. композитор, создатель романтической песни-романса (ок. на стихи Шиллера, Гёте, Гейне и др.). 9 романтич. симф. («Неоконченная»).Песенные циклы, квартеты, вальсы, фантазии. № слайда 3. Описание слайда: Гектор БерлиозФр.

композитор, дирижёр, новатор в области муз. форм.«Фан тастическая симфония», «Траурно-триумфальная симфония».Опера «Троянцы», Реквием, трактат «Дирижёр оркестра», «Мемуары». № слайда 4.

Описание слайда. Презентация на тему Шедевры музыкального искусства эпохи романтизма. Скачать бесплатно в формате powerpoint (ppt/pptx).

Просмотреть и скачать презентацию Композиторы-романтики. Романтизм в музыке (Музыка).  Смотреть слайды в большом размере. Презентация – Композиторы-романтики. Романтизм в музыке. 1, просмотра. Презентации / Музыка / Композиторы-романтики. Романтизм в музыке. Скачать презентацию Понравилось | 1.

Текст этой презентации. Слайд 1. Выполнила Башкирова Джанетта Геннадьевна, преподаватель хорового класса МБУ ДО Озерненская ДШИ. Презентация на тему Композиторы – романтики из раздела Музыка. Доклад-презентацию можно скачать по ссылке внизу страницы. Эта презентация для класса содержит 11 слайдов. Для просмотра воспользуйтесь удобным проигрывателем, если материал оказался полезным для Вас – поделитесь им с друзьями с помощью социальных кнопок и добавьте наш сайт презентаций kinderugolok.ru в закладки!

Главная. Музыка. Композиторы – романтики. ← «Презентация по праву социального обеспечения «Протезно-ортопедическая помощь и обеспечение инвалидов средствам передвижения» «Презентация по проектной деятельности:» Азбука в загадках. Загадки о сказочных героях» →. Добавить комментарий Отменить ответ.

djvu, fb2, EPUB, PDF

Похожее:

Космирин історія села

Гдз м.м савчин хімія 7 клас

Фізика 7 клас збірник задач і.м.гельфгат pdf

Фізика ньютон реферат

Курсова робота туризм в італії

Англійська мова 9 клас карпюк робочий зошит гдз

Граматична компетенція у початковій школі англійська мова

Связь между романтической музыкой и искусством – видео и стенограмма урока

Эмоциональная субъективность

Романтизм обозначил несколько ключевых тенденций. Давайте рассмотрим некоторые из наиболее распространенных тенденций, которые мы увидим, глядя на романтическое искусство и слушая романтическую музыку.

Захват экстремальных эмоциональных состояний был отличительной чертой той эпохи. Картина французского художника Теодора Жерико «Плот Медузы» изображает сцену сильных страданий и отчаяния.Это культовое произведение французского романтизма показывает надвигающийся шторм на море, который угрожает беспомощным и голодающим выжившим после кораблекрушения. Художники-романтики, такие как Жерико, использовали смелые цвета и предпочитали рисовать движущиеся объекты, а не статические портреты или идеально сбалансированные сцены.

Музыкантам-романтикам нравилось использовать жирных тонов – термин, описывающий уникальный звук музыкального инструмента. Чтобы расширить доступные варианты цвета тона, в эту эпоху в оркестр было добавлено несколько новых инструментов, в том числе большое количество ударных инструментов, таких как треугольник, а также туба, концертная арфа и челеста, инструмент, похожий на фортепиано, который звук похож на музыкальную шкатулку.Благодаря этому богатому оркестровому вкусу композиторы могли создавать очень эмоциональную музыку.

Одним из композиторов, который воспользовался преимуществами расширенного оркестра для создания очень эмоциональных мелодий, был Петр Чайковский. Его музыкальное представление истории Ромео и Джульетты прекрасно передает страсть юных влюбленных и пылкую напряженность боев на мечах между враждующими семьями.

Современные события

Романтики часто создавали искусство на основе современных событий, особенно связанных с политикой.Один из примеров – Третья симфония Людвига ван Бетховена . Первоначально сочиненный как дань уважения Наполеону Бонапарту, человеку, которого Бетховен восхищался его демократическими идеалами, Бетховен позже в гневе порвал свою страницу посвящения после того, как Наполеон объявил себя императором. Бетховен переименовал свое произведение «Героическая симфония, сочиненная в честь памяти великого человека». Эта симфония, широко известная под прозвищем «Героическая», является одним из первых шедевров музыкального романтизма. Использование описательного названия, а не общего, является отличительной чертой музыки эпохи романтизма, направленной на то, чтобы вдохновить воображение. Подобно картине Жерико, музыка этой симфонии включает в себя интенсивные выражения эмоций, переходящие от беззаботной жизнерадостности к мучительной тоске за секунды.

«Плот Медузы» также был основан на одном из современных событий – очень спорном кораблекрушении 1816 года французского военного корабля. Капитан и главный морской офицер спаслись, бросив 147 пассажиров на спешно сделанном плоту. Только 15 выжили.

Национализм

Причина, по которой Бетховен был так расстроен самокоронованием Наполеона, заключалась в том, что он, как и многие другие, верил, что Наполеон был защитником простого человека.Демократические настроения охватили континент, и национализм стал важным фактором поощрения революционной активности. В то время многие европейцы стремились к независимости от монархического правления, которое веками доминировало в Европе, особенно от Австро-Венгерской империи. Пока граждане восстали, современные художники своим искусством способствовали продвижению националистических идей, прославляя эту революционную деятельность. Знаменитый пример этого – в книге Эжена Делакруа «Свобода, ведущая народ».На этой картине изображена аллегорическая фигура Свободы во главе разношерстной толпы французских революционеров из всех социальных слоев. Картина основана на июльской революции 1830 года, восстании, которое свергло короля Карла X.

Некоторые композиторы эпохи романтизма, такие как Фредерик Шопен из Польши, писали музыку, которая пропагандировала национализм, включая народную музыку. Многие фортепианные пьесы Шопена написаны в стиле польских народных мелодий и танцев, например мазурка. Другие композиторы, такие как Клара Вик Шуман , писали музыку с аллегорически политическими текстами, например, ее песня «Вперед!».Название было лозунгом немецкого демократического движения, а песня стала гимном для революционных активистов во время политических демонстраций 1848 и 1849 годов.

Природа

Попытка запечатлеть силу и красоту природы была заманчивым вызовом для художников и музыканты одинаково. Чешский композитор Бедржих Сметана объединил темы национализма и природы в своем произведении «Die Moldau», оркестровом произведении, которое отправляет слушателя в музыкальное путешествие по реке Влтава.Он начинается у истока реки с двух небольших горных ручьев в чешской сельской местности, которые объединяются, чтобы течь через чешские леса и, наконец, в могучую реку, которая окружает великий город Прагу. Smetana воссоздает плавные звуки реки с пышной и перекатной мелодией, которую играет струнная часть оркестра, а медные духи изображают древние чешские крепости и замки на берегу реки.

Художники, такие как Джон Констебл , воссоздали потрясающие пейзажи, такие как «Солсберийский собор на лугах», написанный в 1831 году.Над этой идиллической сценой возвышается радуга, окружающая собор, что придает этой сцене фантастический вид. Это подводит нас к следующей тенденции.

Realms of Fantasy

В эпоху романтизма поощрялось исследование всего фантастического, включая идиллическое, иррациональное, мир грез и сюрреализм. Иногда образы были беззаботными, как собор Констебля или музыкальное изображение озорных фей Феликса Мендельсона в его увертюре к «Сон в летнюю ночь».’

Иногда царство фэнтези принимало более мрачный оборот. На картине Франсиско де Гойи «Шабаш ведьм» изображен шабаш ведьм, проводящих черный ритуал субботы, тот же сюжет, который композитор Гектор Берлиоз выбрал для пятой части своей «Фантастической симфонии» под названием «Сны ведьм». . ‘

Экзотика

С творческими сферами фантазии пришло увлечение экзотикой. По мере улучшения условий межконтинентальных путешествий художники и музыканты пытались запечатлеть виды и звуки Африки, Ближнего Востока и Азии.Многие композиторы эпохи романтизма экспериментировали с добавлением экзотических звуков в свои композиции, избегая традиционных западных гамм, создавая необычные гармонии и используя новаторские методы композиции. Ярким примером экзотики является симфоническая поэма «» Николая Римского-Корсакова по повести «Арабские ночи». Самая известная часть этой пьесы – «Шахерезада», музыкальное изображение легендарной рассказчицы гарема, которая сохранила жизнь благодаря своей способности очаровать жестокого императора своими увлекательными сказками.Шахерезада также была популярным предметом для художников-романтиков, в том числе Софи Андерсон .

Краткое содержание урока

Романтизм был художественным движением, которое повлияло на изобразительное и музыкальное искусство в 19 веке. Было несколько ключевых тенденций, которые помогли определить эпоху романтизма.

Эмоциональная субъективность включает представление людей в экстремальных эмоциональных состояниях. В музыке это часто связано с использованием всего оркестра для мощи и разнообразных инструментальных оттенков, как это слышно в увертюре Чайковского «Ромео и Джульетта» в фэнтези-увертюре.Художники использовали смелые цвета, чтобы запечатлеть движущиеся объекты, как в «Плоте Медузы».

Романтики часто были вовлечены в политические движения, такие как национализм, используя свою музыку и искусство для пропаганды революционной деятельности. Например, картина Делакруа «Свобода, ведущая народ» была ответом на революционное восстание, свергнувшее короля Франции Карла X, а третья симфония Бетховена была написана как дань уважения Наполеону Бонапарту. Национализм также нашел отражение в использовании композиторами народной музыки в композициях и создании ими политических гимнов.

Романтики часто обращались за вдохновением к природе и царствам фантастики. Сметана использовал струнную мелодию, чтобы воссоздать звук реки Влатва, а Мендельсон использовал те же инструменты, чтобы изобразить озорных фей, летящих через лес. Иногда фантастика принимала более мрачный оборот, как, например, картина Франсиско де Гойя с ведьмами в черную субботу, которую композитор Берлиоз выбрал для пятой части своей «Фантастической симфонии». Наконец, романтики часто увлекались экзотикой и приносили в Европу виды и звуки Азии, Африки и Ближнего Востока через свою музыку и искусство.

Результаты обучения

Когда вы закончите видео, вы сможете:

• Определить романтизм
• Объясните, что такое эмоциональная субъективность и как ее изображают художники и музыканты-романтики
• Опишите, как художники были вдохновлены современными событиями
• Обсудить влияние национализма на романтическое искусство
• Сравните, как музыканты и художники запечатлевали природу
• Вспомните вдохновение фантазии и экзотики в романтическом искусстве и музыке

The Classical Era vs.

Романтическая эра в классической музыке: интерлюдия

Классический Моцарт против романтического Бетховена?

Когда мы читаем учебники по истории музыки, Моцарта часто называют классическим композитором, а Бетховена – композитором-романтиком. Это почти звучит так, как будто эти два музыкальных гиганта были диаметрально противоположны друг другу – как два боксера на ринге – с четкой границей между ними. Моцарт и Бетховен не ненавидели друг друга и, вероятно, никогда лично не встречались. Каждый явно стремился выразить значимые эмоции, но у них были несколько разные точки зрения.В то время как мир Моцарта стремился к порядку, уравновешенности, безмятежности и рациональной беседе, мир Бетховена предпочитал экстаз, изумление и иррациональность. Один искал объективный и рациональный подход к жизни и искусству и смотрел на мир с точки зрения всеобщего братства, в то время как другой исследовал мир с сильной субъективностью и с точки зрения личных чувств.

Аполлон Бельведерский

Философ Фридрих Нитше сравнил классическую эпоху с Аполлоном, богом света и меры, а эпоху романтизма – с Дионисом, богом вина, опьянения и страсти. Оба чувства на самом деле соответствуют основным импульсам человечества, противопоставляя потребность в умеренности, развлечениях, рациональности и контроле над эмоциями с желанием раскрепощенных эмоциональных выражений, тоской по неизвестному и недостижимому. Проще говоря, классицизм объективен, а романтизм субъективен.

Дионис

Как мы слишком хорошо знаем из нашего сегодняшнего опыта, когда рациональность и чувства рассматриваются как фундаментальные противоположности, искры действительно летают.Поэтому давайте рассмотрим известных композиторов, которые работали в переходный период, когда эстетический и музыкальный миры, казалось бы, столкнулись. Франц Шуберт (1797-1828) вполне мог быть центральной фигурой в этот переходный период. В начале своей карьеры он считался последним из классических композиторов, поскольку он игнорирует шумные модели Бетховена и возвращается к уравновешенности и порядку вселенной Моцарта.

Франц Шуберт: Симфония № 5 си-бемоль мажор, D. 485 (Philharmonia Cassovia; Йоханнес Вильднер, конд.)

Молодой Шуберт, Йозеф Абель

Это основное повествование о разграничении классицизма и романтизма имело социальные, культурные и экономические корни и возникло в результате революций во Франции и Соединенных Штатах. В результате власть перешла от аристократии к среднему классу, и в результате промышленной революции общество стало зависеть от торговли и промышленности. Это стимулировало акцент на политических, экономических, религиозных и личных свободах, но, прежде всего, на личности.И на более поздних этапах своей карьеры Шуберт решительно обратился к центральным идеям романтизма. В своих пьесах «Лидер» и поздних инструментальных пьесах он делал упор на сверхъестественное, ночное, пугающее и прямо-таки устрашающее. Вдохновленная внемузыкальными ассоциациями, музыка стала полностью духовным опытом.

Ханс Бальдунг, Смерть и Дева , 1517

На протяжении большей части карьеры Моцарта ясность, баланс и прозрачность были отличительными чертами классического музыкального стиля. Музыка подчинялась принципам риторики и грамматики, и контрастирующие музыкальные идеи знакомили слушателей с противоположными аффектами и идеями. Сильный акцент
на музыкальной форме включал интеллектуальные, а иногда и эмоциональные диалоги, а музыкальный акцент делался на мелодии и простой музыкальной текстуре. Музыка должна быть не только интересной, но и благородной, всегда естественной и незамысловатой. Моцарт для последующих поколений, по-видимому, стал олицетворением этого классического музыкального стиля.Однако, когда мы действительно начинаем изучать музыку Моцарта, все эти упрощенные обобщения оказываются неверными. Хотя он определенно руководствовался идеалами классицизма, исключительные эмоциональные и даже демонические качества, которыми были наполнены его лучшие шедевры, определенно являются предшественниками романтических идеалов. Ученый пишет: «Во всех высших проявлениях страдания и ужаса Моцарта есть что-то шокирующе сладострастное».

Портрет Шуберта Габора Мелега, 1827

Мы считаем Людвига ван Бетховена революционным композитором, работавшим в революционные времена. Пропитанный романтическим духом, он снял формальные ограничения и представил непринужденное выражение своих идей и эмоций. Он обрел новую свободу выражения, и в своей инструментальной музыке, освобожденной от бремени слов, он мог передавать чистые эмоции. Его музыка действительно достигает новых крайностей с точки зрения длины и краткости, и он исследовал самые далекие гармонические и тональные отношения. Экстремальные контрасты динамики подкрепляются использованием очень выразительных терминов как намек на настроение музыки.Утверждается, что Бетховен был озабочен внутренними проблемами, чувством вечной тоски и сожалением о потерянном счастье и детстве. Мы ошибочно думаем о Бетховене как о старом сварливом пессимисте. Однако ничто не может быть дальше от истины, поскольку он является мостом между классическим и романтическим. В своих композициях Бетховен идеально уравновешивает эти два противоположных мировоззрения.

Муцио Клементи Томаса Харди

Моцарт и Бетховен были не единственными композиторами, пытавшимися осмыслить этот сдвиг культурной парадигмы. Фактически, к ним присоединился целый ряд очень талантливых и исключительных композиторов. Среди них был Муцио Клементи (1752-1832), которого помнят как одного из самых известных и влиятельных музыкантов в этот переходный период. Родившийся в Риме, но в основном активный в Англии, он был «первым из великих виртуозов и может считаться создателем правильного обращения с современным фортепиано … он первый композитор, сочинитель сонат, полностью оборудованный». Клементи лично встречался с Гайдном и Моцартом и знал о поздних произведениях Бетховена.Бетховен очень ценил Клементи, и он очень восхищался сонатами Клементи, потому что они были специально написаны для возможностей фортепиано. В отличие от Моцарта и Бетховена, Клементи твердо стоял на плечах как классических, так и романтических традиций. И Иоганнес Брамс был одним из его самых больших поклонников.

Муцио Клементи: Соната для клавишных соль минор, соч. 34, No. 2 (Мария Клементи, фортепиано)

Иоганн Непомук Хаммель

Иоганн Непомук Хаммель (1778-1837) учился у Моцарта около двух лет с 1768 по 1788 год. Талант Хаммеля впечатлил Моцарта, и он не только согласился обучать его бесплатно, но и бесплатно предоставил ему жилье и еду. Хаммель пришел к сочинению через фортепиано, как и Клементи, и он также был одним из величайших виртуозов своего времени. Собственные композиции Хаммеля, очевидно, начинаются с моцартовских моделей, но он придерживается другого направления, чем Бетховен. Хаммель одновременно бросил вызов классическим гармоническим структурам и расширению формы, и его влияние повлияло на ранние работы Шопена и Шумана.Один критик пишет: «Начало концертов Хаммеля ля минор и Шопена ми минор слишком близко, чтобы быть случайным». Пытаясь разобраться в меняющихся параметрах музыкальной мысли, музыка Хаммеля ярко отражает переход от классической к романтической музыкальной эпохе.

Иоганн Непомук Хаммель: Концерт для фортепиано с оркестром № 2 ля минор, соч. 85 (Мартин Галлинг, фортепиано; Штутгартский филармонический оркестр; Александр Паульмюллер, конд.)

Франц Иосиф Гайдн по Томасу Харди, 1791

Композитор-классик Франц Йозеф Гайдн (1732-1809) написал одну из самых оригинальных музыкальных композиций. умы.На долгие периоды времени он был изолирован от других композиторов и направлений в музыке, и, как он писал: «Это заставило меня стать оригинальным». Во многих произведениях Гайдн любил играть ожиданиями слушателей. И в одном особенно известном произведении его музыка связана с общественной причиной, одной из отличительных черт музыкального романтизма. «Прощальная симфония», пожалуй, самая необычная композиция Гайдна. Гайдн и его группа музыкантов должны были остаться еще на два месяца в отдаленном месте, прежде чем им разрешили вернуться домой.Все протестовали, но Гайдн решил сочинить симфонию с посланием для князя Николауса. В конце симфонии музыканты один за другим задули свечи на музыкальных стойках и вышли из комнаты. Принц понял намек, и победу одержал Гайдн. Создание всей пятичастной симфонии на внемузыкальных мотивах и социальных статьях – это смелый шаг в дверь романтизма.

Франц Йозеф Гайдн: Симфония № 45 фа-диез минор, Hob.I: 45, «Прощание» (Мюнхенский камерный оркестр; Александр Либрейх, конд. )

Молодой Мендельсон

Феликс Мендельсон (1809-1847) вырос в семье, принадлежащей интеллектуальной и финансовой элите берлинского общества. К 14 годам в его композиционном портфолио уже было впечатляющее разнообразие и количество работ. Фактически только между 1821 и 1823 годами он сочинил в общей сложности 12 симфоний для струнных. Композитор-подросток собрал серию сочинений, искусно синтезирующих классические формы с техникой барокко и романтическими оркестровыми техниками и симфоническими процессами.Mozartian с его формальной ясностью и выразительным контрастом, разработка в полной мере использует эту тематическую простоту, представляя материал во множестве гармонических и инструментальных обличий. Гармонические прогрессии очень сложны, и фугальный вывод, должно быть, вызвал некоторые легкие сюрпризы. Здесь, как и везде у Мендельсона, классическая уравновешенность и романтический пыл удачно сочетались друг с другом.

Карл Филипп Эмануэль Бах

Когда мы ищем предшественников музыкального романтизма, мы явно должны учитывать Баха. Однако речь идет о Карл Филипп Эмануэль Бах (1714-1788), сын знаменитого Иоганна Себастьяна. Его высоко ценили при жизни и хвалили Моцарт, Гайдн и Бетховен, но в 19 веке его именем пренебрегли. Работая в Берлине, C.P.E. поддерживал регулярные контакты с Моисеем Мендельсоном – дедом Феликса Мендельсона – основателя немецкой популярной философии и одной из центральных фигур Просвещения. Соответственно, он был близким другом поэта Иоганна Геллерт.Геллерт проложил путь в немецкой литературе и искусстве, в котором субъективность и крайности эмоций получили свободное выражение. Названный «Буря и натиск» (Буря и стремление) в честь популярного стихотворения, этот литературный поток со временем смаковал мучительные, мрачные, испуганные и иррациональные чувства. Опираясь на крайнюю непредсказуемость и широкий спектр эмоций, музыка C.P.E легко движется с полной свободой и разнообразием по всему спектру структурных решений. Его истинное наследие ощущается не только в психологической сфере романтизма, но и в импровизационных и циклических музыкальных экспериментах XIX века.

Карл Филипп Эмануэль Бах: Симфония ми минор, Wq. 178, H. 653 (Клаус Кирбах, клавесин; Камерный оркестр Карла Филиппа Эмануэля Баха; Хартмут Хэнхен, конд.)

Иоганнес Брамс, ок. 1894

В отличие от бурных и страстных произведений таких композиторов, как Рихард Вагнер и Ференц Лист, Иоганнес Брамс (1833-1897) сохранил почтение к классическому наследию и сохранил романтические традиции своих великих предшественников. Во время своей композиторской карьеры Брамс проявлял повышенное чувство музыкальной незащищенности.Он застенчиво отвечал на критику, даже когда ее критиковали его самые близкие друзья, и он безжалостно уничтожал или сильно переделывал свои композиции. Например, Брамс завершил свое трио си-мажор в 1853 году, но спустя 36 лет пересмотрел это произведение. В переработанном произведении сочетаются юношеское романтическое изобилие с утонченными музыкальными фактурами, а также вполне логичный и классический способ построения мотивов и контроля их последующего развития. Брамс сочетает в себе теплый лиризм романтического воображения с мускулистой интеллектуальной рациональностью.

Название статьи говорит о столкновении двух музыкальных миров, но на самом деле этого не произошло. Это правда, что композиторы, представленные в этой статье, пытались художественно осмыслить противоречивые мировоззрения, но они все равно разговаривали друг с другом и учились друг у друга. Они черпали вдохновение с обеих сторон этого эстетического разрыва, и их художественные решения и компромиссы имеют фундаментальное значение для западной культурной и художественной мысли.

Чтобы узнать больше о лучших произведениях классической музыки, в нашем электронном бюллетене

10 лучших композиторов-романтиков в истории классической музыки

23 ноября 2020, 08:56 | Обновлено: 3 апреля 2021 г., 15:56

Композиторы-романтики: Лист, Фанни Мендельсон и Верди.Рисунок: Getty

С 1800 по 1910 год западная классическая музыка определялась ее высокими мелодиями и постоянно расширяющимися оркестрами, ее оригинальностью и самовыражением. Вот композиторы, благодаря которым все это произошло.

Романтический период. «Настолько хорошо, что они назвали его дважды», – по замечанию композитора и ведущего Classic FM Джона Браннинга.

«Ранний» романтический период начался примерно в 1800 году с тогдашнего великого классика Людвига ван Бетховена, чье революционное преобразование симфонии дало жизнь новой эре в истории музыки.

Перенесемся в начало века, и музыка выглядела совершенно иначе, чем в классическую эпоху (1730-1820). Поздние романтики, такие композиторы, как Рахманинов и Малер, расширяли оркестр до беспрецедентных масштабов, добавляя больше красок и инструментов и превращая музыку в средство выражения всего спектра человеческих эмоций – от печали до радости, от страсти до горя.

Здесь мы исследуем некоторых из величайших авторов романтического периода.

1. Фредерик Шопен (1810-1849)

   Фредерик Шопен был пианистом-виртуозом, писавшим почти исключительно для инструмента.

   Фортепиано претерпело значительные изменения в 19 веке, когда композиторы стали более амбициозными в выборе диапазона, цветов и динамики. Он стал символом романтизма и был расширен, чтобы удовлетворить потребности таких музыкантов, как Шопен.

   Из репертуара самого польского романтика фаворитами были прелюдии, наряду с которыми его ноктюрны, вальсы, этюды, мазурки, сонаты и концерты до сих пор остаются одним из самых популярных репертуаров пианистов.

2. Ференц Лист (1811-1886)

   Другой композитор, неразрывно связанный с фортепьяно, Ференц Лист, которого прозвали «первой рок-звездой в мире», поднял виртуозное пианизм на новую высоту.

   Великий венгерский композитор, в репертуаре которого вы узнаете ошеломляюще дьявольский La Campanella , , был шоуменом, который произвел революцию в исполнительском искусстве. На его фортепианных концертах поклонники Листа срывали с себя одежду и выкрикивали его имя – феномен, который немецкий поэт Генрих Гейне назвал «Листоманией».

   Вы часто услышите сегодня на сольных концертах непреходящую и прекрасную песню Листа Liebestraume No. 3 ля-бемоль .

3. Джузеппе Верди (1813–1901)

   Бесспорный король итальянской оперы, Верди известен прежде всего – наряду со своим монументальным реквиемом – своими великолепными сценическими произведениями Травиата, Риголетто, Набукко, Аида, Форза дель судьба, Трубадур.

   Оперы Верди, написанные в основном во время объединения Италии, стали неотъемлемой частью национальной идентичности Италии, а его хоры были приняты в качестве гимнов итальянских борцов за свободу.

   В Италии в 19 веке Верди был музыкальным монархом, и его смерть в 1901 году принесла горе национальному населению, которое было глубоко связано со страстью его опер.

4. Рихард Вагнер (1813–1883)

   Новые инструменты, индивидуальные площадки, смехотворно длинные произведения – список нововведений Рихарда Вагнера в музыке XIX века можно продолжить.

   Вагнер, довольно противоречивый персонаж, в основном из-за его связи с нацизмом – подробнее об этом в нашей галерее фактов – был музыкальным провидцем, известным прежде всего своими операми.Среди его наиболее устойчивых работ – «Летучий голландец», «Тангейзер», «Тристан и Изольда» и, конечно же, его монументальный цикл « Ring Cycle », произведение из четырех опер, исполнение которого длится 15 часов.

   Опере он дал «лейтмотив» – широко используемую ныне музыкальную подпись, предназначенную для обозначения персонажа или темы. Подумайте о музыке Дарта Вейдера в Star Wars , , и вы поймете, что мы имеем в виду.

5. Фанни Мендельсон (1805-1847)

   Фанни Мендельсон была поистине великим композитором, но публикация ее сочинений в XIX веке была почти непосильным испытанием.

   Ее брат Феликс Мендельсон, чьи скрипичные концерты ми минор и Гебриды регулярно появляются в концертных программах 21 века, считал, что как женщина Фанни не должна публиковать музыку. Он решил, что многие ее работы, в том числе ее довольно замечательная песня «Italien», должны быть изданы под его именем.

   Всего Фанни написала 460 музыкальных произведений, в том числе песен без слов , жанр фортепианной музыки, которым прославился ее брат Феликс Мендельсон.Музыковеды теперь считают, что Фанни была первой этой формой.

6. Пётр Ильич Чайковский (1840-1893)

   Чайковский – один из самых успешных композиторов, которых когда-либо создавала Россия.

   Он был плодовитым композитором симфоний, концертов, опер, балетов и камерной музыки, чьи Щелкунчик , Лебединое озеро и Сонная красавица гарантированно распроданы для балетных трупп по всему миру, и чьи симфонии и концерты являются основой сегодняшней международной концертной сцены.

   Чайковский также был глубоко обеспокоенным человеком, и его работы были сформированы эмоциональными последствиями его катастрофического брака, многочисленных любовных связей и гомосексуализма, что в то время было незаконным в России.

7. Иоганнес Брамс (1833-1897)

   Есть что-то в твоем глазу, или ты только что слушал немецкий реквием ? Брамс – один из самых почитаемых и популярных композиторов эпохи романтизма. Его симфонии, концерты для фортепиано и скрипки, веселая академическая фестивальная увертюра и глубоко трогательный «Немецкий реквием », , который он написал после смерти своей матери, входят в число наиболее популярных его произведений. .

   Знакомство с музыкой Брамса также означает погружение в его увлекательный союз классических традиций с народными и цыганскими влияниями, которые послужили источником вдохновения для его 21 динамичных и разнообразных Венгерских танцев .

8. Джакомо Пуччини (1858-1924)

   Вы говорите «ария, вызывающая рыдания», мы говорим Пуччини. Этот великий итальянский композитор написал Богема , Тоска, Мадам Баттерфляй, Турандот – все из самых исполняемых сегодня опер, в основе всех которых лежит душераздирающая музыка.

   Фактически, его последняя опера Турандот , включающая в себя арию великого тенора «Nessun dorma», является одной из немногих опер ХХ века, прочно закрепившихся в оперных театрах по всему миру. Работая над своим последним произведением, Пуччини сказал: «Всемогущий Бог коснулся меня своим мизинцем и сказал:« Пиши для театра – ум, только для театра ».

   «И я повиновался его высшему повелению».

9. Сергей Рахманинов (1873-1943)

   Переходя теперь к поздним романтикам, Рахманинов – ваш идеал на рубеже веков в области выдающихся мелодий и виртуозного пианизма, шедевром которого, несомненно, стал Второй фортепианный концерт 1901 года.Его последующее использование в фильме Brief Encounter сделало его неизменным фаворитом.

   Известный джентльмен с крупными руками, Рахманинов, по-видимому, умел перебирать 12 клавиш фортепьяно от мизинца до большого пальца и был настолько способен писать фортепианную музыку грандиознее, полнее и дороже по тону, чем его предшественники.

   Его Третий фортепианный концерт, вечный фаворит концертных залов, (буквально) доводит солистов до предела своих возможностей.

10. Густав Малер (1860-1911)

    Для многих Малер представляет собой кульминацию выдающихся изменений, которые претерпела западная классическая музыка за столетие.

    Мастер симфонии, Малер думал, что «симфония должна быть подобна миру; он должен охватывать все ». Будь то бушующее насилие, глубокая сентиментальность или экзистенциальная тоска, вы найдете все это и даже больше в симфониях Малера.

    В своей второй симфонии, для которой выражение «размер имеет значение» как никогда применимо, Малер стремился подчеркнуть жизнь и смерть во всем ее ужасающем великолепии. Его эмоциональный диапазон и каденциальное напряжение сделали его одним из – произведений классического репертуара, которые не только отчаянно хотят услышать публики, но и оркестры и дирижеры также хотят выступать.

Мы знаем, о чем вы думаете – конечно, романтическая музыка не заканчивается на этих 10 композиторах.

XIX век произвел на свет плавильный котел музыкального самовыражения, в который внесли свой вклад такие композиторы, как Рихард Штраус, Феликс Мендельсон, Сибелиус, Берлиоз, Шуман, Григ, Дворак и Дебюсси. Узнайте больше о композиторах и их музыке, нажав на их имена.

Расцвет классицизма и романтизма

Определение периода.

Музыка конца восемнадцатого века часто описывалась как «классическая», и этот термин проблематичен по нескольким причинам. Подобно композиторам позднего Возрождения и раннего барокко, великие лидеры этой классической эпохи Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и молодой Людвиг ван Бетховен не подражали музыке классической античности, поскольку для них сохранилось мало старинной музыки. подражать. Скорее, использование термина «классическая» для описания своей музыки появилось в девятнадцатом веке среди тех, кто видел в этих композиторах музыкальный язык, выражающий гармонию, баланс и идеализированное чувство красоты – ценности, которые в то время рассматривались как сильно отличается от более эмоционального и бунтарского духа, обнаруженного в произведениях ранних романтиков, движения, которое долгое время считалось заменой «классического» стиля после 1800 года. Таким образом, термин «классика» в этом смысле суммировал различия между музыкой этой короткой эпохи и предшествовавшего ей периода барокко, а также эпохи романтизма, которая вскоре последовала за ней. Такое простое обобщение оказалось трудным выдержать при ближайшем рассмотрении, поскольку более поздние исследования показали, что многие европейские композиторы в конце восемнадцатого века не полностью отказались от техник и форм, на которые долгое время полагались композиторы эпохи барокко. Не все приняли элегантную простоту и уравновешенность, типичные для произведений Моцарта или Гайдна.Этот классический стиль был распространен только среди определенных групп композиторов, особенно тех, которые жили и работали в австрийской столице Вены и ее окрестностях в конце восемнадцатого века, а также среди художников, которые подражали их музыкальному языку по всей Европе. Обозначение этого периода как «классического» также оказывается проблематичным, поскольку даже в произведениях двух высших образцов классического стиля – Гайдна и Моцарта – присутствуют элементы, предвещающие более бурный романтизм начала девятнадцатого века. В результате термин «классический» в последние годы стал ассоциироваться только с определенным типом музыкального стиля, популярным среди венских композиторов и их подражателей по всей Европе в течение относительно короткого периода в конце восемнадцатого века.

Восемнадцатый век и понятие музыкальной “классики”.

Использование термина «классический» оказывается проблематичным и по другим причинам. В восемнадцатом веке возник современный феномен музыкальной публики для серьезной музыки.Около 1700 года те, кто посещал концерты и оперы или слушал музыку в церкви, ожидали услышать новую музыку. Крупные общественные мероприятия того времени требовали оригинальной музыки; эти композиции могли бы звучать еще несколько лет, но вскоре их заменили бы новые, как того ожидают слушатели от популярной музыки. В оперных театрах того времени также немногие произведения сохранились в репертуаре большинства компаний более чем на несколько лет. На протяжении восемнадцатого века происходили важные изменения в том, как люди думали о музыке и слушали ее. Сначала в Англии, затем в других частях Европы многие люди стали ценить великих композиторов начала восемнадцатого века и искали продолжать выполнять свои работы. Английское общество под названием «Концерт старинной музыки», основанное в Лондоне в 1776 году, посвятило себя организации концертов более ранней музыки, а в 1789 году, через тридцать лет после смерти Генделя, они организовали фестиваль, посвященный его музыке. Такое отношение к музыке во многом было похоже на почтение, которое развивалось в Англии восемнадцатого века по отношению к произведениям Шекспира, которые теперь были восприняты как литературные воплощения гения английского языка.Как и музыка Генделя, произведения Шекспира быстро превращались в совокупность текстов, которые рассматривались как канонические литературные классики, которые необходимо постоянно возрождать, исполнять и отмечать на фестивалях. В музыкальном мире этот энтузиазм по поводу старой музыки вскоре распространился повсюду, поскольку группы в Германии и других частях Европы возродили музыку Иоганна Себастьяна Баха и других композиторов эпохи барокко. Сторонники этих возрождений считали музыку этих композиторов не только красивой, но и серьезной и образованной.Его исполнение могло воодушевить слушателей, в отличие от популярных песен того времени, которые они осуждали как аморальные и непристойные. Новые правила этих движений возрождения учили, что музыка прежних времен заслуживала особого внимания и что ее следует слушать в тишине и уважении. В результате этих ранних попыток возрождения возникло понятие «классическая музыка» как серьезная форма искусства. Представление публики, собирающейся на концерты, появившейся в конце восемнадцатого века, заключалось в том, что публичные выступления серьезной музыки должны включать не только новые сочинения, но и сочинения, написанные много лет назад, в том числе еще в эпоху позднего барокко.

Музыкальные центры Европы.

Начиная с восемнадцатого века поклонники европейской серьезной музыки полагались на термин «классическая» двояко; они использовали его для обозначения всего корпуса сочиненной музыки, написанной в западной традиции, которая заслуживает серьезного прослушивания в каждую эпоху, даже если они также использовали это слово для описания короткого периода в конце восемнадцатого века, в котором доминировали элегантные, простые и сбалансированные работы таких фигур, как Гайдн и Моцарт. Оба деятеля разработали особый музыкальный язык, который часто называют «венским классицизмом». Бесспорно, что произведения этих композиторов активно изучались и копировались по всей Европе, что способствовало развитию “венских классических” композиторских школ даже в Финляндии. И все же Вена была лишь одним из многих важных музыкальных центров в Европе конца восемнадцатого века. Лондон а в Париже, например, были более энергичные и устоявшиеся традиции проведения публичных концертов, чем в Вене, и и Гайдн, и Моцарт на протяжении всей своей карьеры заботились о том, чтобы их музыка звучала и была известна в этих и других городах.Сегодня произведения Гайдна и Моцарта стали настолько широко известными, что стали в сознании многих людей синонимом всей концепции звука конца «восемнадцатого века». Однако огромная популярность этих работ, как правило, затемняет беспрецедентную композиционную активность и эксперименты, которые происходили во многих местах по всей Европе в этот период. Например, небольшой город Мангейм был столицей земли Рейнланд Пфальц на юго-западе Германии и, несмотря на свои размеры, в то время был одним из крупнейших центров музыкальных инноваций. Моцарт, Гайдн и другие великие венские композиторы были в курсе музыкальных событий, которые происходили там, и они писали произведения для великих виртуозов, которые были членами знаменитого оркестра города. Композиторы города, признанные еще в конце XVIII века «школой Мангейма», разработали музыкальный язык, отличный от венского классицизма. Среди самых известных членов этой группы Иоганн Стамиц (1717–1757) и его сын Карл Стамиц (1734–1801) использовали быстрые динамические изменения и контрастирующие темы, элементы, которые продемонстрировали блестящую игру оркестра Мангейма.И Глюк, и Гайдн приветствовали другого композитора, получившего образование в Мангейме, Иоганна Мартина Крауса (1756–1792), как музыкального гения. Обученный в Мангейме и активно работающий в Париже и Стокгольме, с восемнадцатого века репутация Крауса затмила его почти точного современника Моцарта. Помимо Вены и Мангейма, Париж и ряд итальянских городов воспитывали композиторов и музыкантов, которые в то время приобрели международную репутацию.

ЧУДО МУЗЫКИ

введение: Подобно тому, как живопись и скульптура занимали центральное место в эпоху Возрождения, выдающиеся музыкальные достижения восемнадцатого века побудили многих комментаторов поэтично описывать большие успехи, достигнутые в музыкальном искусстве. в свое время.Пример этого можно увидеть в письме английского юриста и антиквара Дейнса Баррингтона Лондонскому Королевскому обществу в 1769 году, в котором он описал удивительные подвиги молодого Моцарта.

Сэр,

Если бы я отправил вам хорошо засвидетельствованный отчет о мальчике, рост которого составлял семь футов, когда ему было не более восьми лет, это можно было бы считать заслуживающим внимания Королевского общества. . Пример, о котором я теперь желаю, чтобы вы сообщили этому образованному телу, уже с самого начала проявление самых выдающихся музыкальных талантов, похоже, в равной степени, вероятно, потребует их внимания.

Иоанн Хризостом Вольфганг Теофил Моцарт родился в Зальцбурге 17 [на самом деле 27] января 1756 года. Один наиболее способный музыкант и композитор сообщил мне, что он часто видел его в Вене, когда он был немного старше. чем четыре года.

К этому времени он не только мог выполнять уроки на своем любимом инструменте, клавесине, но и сочинял в легком стиле и со вкусом, которые пользовались большим одобрением.

Его необыкновенные музыкальные таланты вскоре достигли ушей нынешней вдовствующей императрицы, которая ставила его на колени, пока он играл на клавесине.

Это замечание, сделанное на него таким великим человеком, вместе с определенным осознанием его самых необычных способностей, очень воодушевило маленького музыканта. Поэтому, будучи в следующем году в одном из немецких дворов, где курфюрст ободрил его, сказав, что ему нечего бояться его августейшего присутствия, маленький Моцарт тотчас же с большим доверием сел за свой клавесин, сообщив его высочеству, что он играл перед императрицей.

Когда ему было семь лет, отец отвез его в Париж, где он настолько отличился своими композициями, что на нем была сделана гравюра.

Отец и сестра, представленные на этой гравюре, очень похожи на свои портреты, как и маленький Моцарт, которого называют «Compositeur et Maitre de Musique, age de sept ans».

После имени гравера следует дата, которая находится в 1764 году: Таким образом, Моцарт был в это время на восьмом году своего возраста.

Покинув Париж, он перебрался в Англию, где прожил более года. Так как в это время я был свидетелем его самых выдающихся способностей как музыканта, как на некоторых публичных концертах, так и в том случае, когда я пробыл с ним наедине в течение значительного времени в доме его отца; Я отправляю вам следующий отчет, удивительный и невероятный, каким бы он ни казался.

Я принес ему рукописный дуэт, составленный английским джентльменом на любимые слова из оперы Метастазио Demofoonte .

Весь счет состоял из пяти частей, а именно. аккомпанементы для первой и второй скрипки, двух вокальных партий и баса.

Я намеревался носить с собой эту рукописную композицию, чтобы получить неопровержимое доказательство его способностей как игрока на виду, абсолютно невозможно, чтобы он когда-либо видел эту музыку раньше.

Как только партитура была положена на его стол, он начал виртуозно играть симфонию [то есть оркестровое вступление], а также в то время и в стиле, которые соответствовали замыслу композитора.

Я упоминаю об этом обстоятельстве, потому что величайшие мастера часто терпят неудачу в этих деталях при первом испытании.

Симфония закончилась, он взял верхнюю [вокальную] партию, оставив нижнюю своему отцу.

Его голос в этом тоне был тонким и детским, но ничто не могло сравниться с мастерством его пения.

Его отец, который принимал нижнее участие в этом дуэте, вылетал один или два раза, хотя проходы были не сложнее, чем в верхнем; в таких случаях сын оглядывался назад с некоторым гневом, указывая ему на его ошибки и исправляя его.

Однако он не только полностью воздал должное дуэту, исполнив свою партию в самом истинном вкусе и с величайшей точностью; он также добавил аккомпанементы двух скрипок туда, где они были наиболее необходимы, и произвел наилучшие эффекты.

Хорошо известно, что никто, кроме самых опытных музыкантов, не может аккомпанировать в этом превосходном стиле. …

Поскольку я сам был свидетелем большинства этих экстраординарных фактов, я должен признаться, что не мог не подозревать, что его отец навязан с учетом настоящего возраста мальчика, хотя он имел не только очень детскую внешность, но и имел все действия на этом этапе жизни.

Например, когда он играл для меня, вошел любимый кот, на котором он немедленно оставил свой клавесин, и мы не могли вернуть его в течение длительного времени.

Он также иногда бегал по комнате с палкой между ног через лошадь.

источник: Дэйнс Баррингтон, «Отчет об очень замечательном молодом музыканте», в Моцарт: Die Documente seines Lebens. Ed. О. Э. Дойч (Кассель: Bärenreiter, 1961): 86–90. Репродуцировано в . Музыка в западном мире: история в документах. Ред. Пьеро Вайс и Ричард Тарускин (Нью-Йорк: Ширмер, 1984): 308–310.

Гайдн.

К последним годам восемнадцатого века Вена уже затмевала эти другие центры в целом частично из-за продуктивности его самых известных композиторов, Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта, и в самом конце века Людвига ван Бетховена, гражданина немецкого города Бонна, который поселился в городе и некоторое время учился с Гайдном.В Вене было много других музыкальных деятелей, некоторые из которых привлекли международное внимание в конце восемнадцатого века. Среди них были Карл Диттерс фон Диттерсдорф (1739–1799), композитор ряда опер и симфоний; Иоганн Альбрехтсбергер (1736–1809), композитор духовной и клавишной музыки, часто писал фуги; и Джозеф Эйблер (1765–1846), протеже великого Гайдна. Иоганн Непомук Хуммель, ученик Моцарта, также достиг зрелости в эпоху венского классицизма и продолжал писать музыку, отражающую его ценности в начале девятнадцатого века.Однако именно Йозеф Гайдн помог установить условности многих жанров оркестровой и инструментальной музыки, в которых писали венские мастера. Эти формы продолжали доминировать в серьезной музыке до наших дней. Влияние Гайдна было особенно важным в развитии симфонии, струнного квартета, сонаты и фортепианного трио. Он родился в скромных обстоятельствах и сначала получил образование певчих. Оставшись без средств в семнадцать лет, он занялся музыкальной карьерой.Он начал учиться композиции, в основном читая основные сочинения по теории музыки и изучая партитуры других крупных композиторов, в том числе Карла Филиппа Эмануэля Баха. Вскоре он стал аккомпаниатором в кабинете Никола Порпора, одного из ведущих оперных импресарио того времени и учителя вокала таких великих певцов, как Фаринелли и Каффарелли. Порпора предлагал все, что мог, когда Гайдн начал совершенствовать свои композиции, но Гайдн разработал музыкальный язык, который был явно его собственным даже в ранние годы.В течение 1750-1760-х годов композитор экспериментировал с новейшими стилями, сочиняя композиции с использованием техник. стилей Galant и Sensitive, а также экспериментирует со способами выражения Sturm und Drang эмоций в своей музыке к концу этого периода. Самая длинная часть карьеры великого композитора прошла при дворе Эстерхази, одном из самых богатых и культурных аристократических кругов Центральной Европы. В семье Эстерхази работал один из крупнейших оркестров того времени, и через пять лет после назначения Гайдна в 1761 году он стал директором этого завидного музыкального заведения.Он оставался на этой должности до 1790 года, хотя его обязанности часто приводили его в Вену. В семье Эстерхази Гайдн должен был создавать музыку во всех популярных тогда жанрах, и, хотя изначально у него были некоторые проблемы в отношениях с графом, он постепенно приобрел большую независимость и благодаря публикации своих произведений в Австрии и за рубежом, он приобрел значительное состояние.

Произведения Гайдна и его влияние на форму сонаты.

Гайдн был чрезвычайно плодовитым человеком, хотя в течение поколений после его смерти ему ложно приписывали ряд работ.Сегодня его значительное количество новых сочинений включает 104 симфонии, 68 струнных квартетов, 29 трио, 14 месс и 20 опер. Гайдн является автором ряда концертов, сонат для фортепиано, а также множества небольших сочинений. Хотя он создал шедевры почти во всех жанрах, его чаще всего прославляют за славу, содержащуюся в его симфониях и струнных квартетах. Хотя Гайдн не создавал симфонию, он усовершенствовал ее форму и составил собрание симфоний, которые неизменно служили источником вдохновения для более поздних композиторов.Среди них Парижские симфонии (номера 82–87) обычно считаются первым набором шедевров зрелого стиля Гайдна. Их пригласили для выступления в масонской ложе этого города в 1785–1786 годах, и они были с энтузиазмом приняты с первого же слушания. Набор лондонских симфоний Гайдна (номера 93–104), завершенный в то время, когда композитор был жителем английской столицы, представляет собой его высшее достижение в жанре, и они по-прежнему являются одними из наиболее часто исполняемых оркестровых произведений восемнадцатого века.Благодаря своим многочисленным композиционным усилиям Гайдн также помог установить популярность сонатной формы, формы, которая все чаще использовалась для организации первой части фортепианных сонат, концертов и симфоний. Разработка этой формы помогла композиторам выработать стандарты, которыми они руководствовались в своей работе, и способы продемонстрировать свои навыки и творческое воображение. Это дало членам аудитории представление о том, что им слушать, чтобы они могли наслаждаться работой и ценить то, как композитор играет с формой.После того, как он принял свою основную форму, композиторы использовали форму сонаты на протяжении всего девятнадцатого и двадцатого века. Движение в форме сонаты состоит из двух основных частей. В первой части, называемой «экспозицией», композитор сначала вводит основную музыкальную тему в основной тональности произведения, а затем вторую тему в связанной тональности. Вторая основная часть состоит из двух разделов. Первый из них называется «развитием», потому что композитор обыгрывает или развивает темы из первого раздела различными способами.Во втором разделе, «перепросмотре», композитор снова возвращается к основным темам, что напоминает экспозицию, хотя теперь произведение остается в его основном тональности. Некоторые части в форме сонаты могут просто заканчиваться каденцией, набором заключительных аккордов, в то время как другие могут добавлять коду или заключительный сегмент. Этот формат довольно прост и допускает множество вариаций и творчества. Хотя он был не единственным композитором, использовавшим эту форму, блестящее использование Гайдна сонатной формы неизменно вдохновляло композиторов с восемнадцатого века, которые полагались на нее.

Струнный квартет.

В конце восемнадцатого века струнные продолжали пользоваться самым большим уважением среди музыкальных инструментов, уступая только голосу по общему статусу. Группы струнных инструментов разного размера (и, следовательно, по высоте от низкого до высокого), играющие вместе, были обычным явлением с эпохи Возрождения. В середине восемнадцатого века композиторы изменили некоторые сочинения, которые они писали для скрипок и континуо. Они стали отдавать предпочтение струнным инструментам, обычно виолончели, для нижней или континуальной партии, а также включать среднюю партию для альта. Таким образом, клавесин, который часто играл партию континуо, постепенно исчез из этих ансамблей в пользу новой группы, состоящей только из струнных. Получившаяся группа из четырех голосов – двух скрипок, альта и виолончели – стала стандартной группой для композиторов и исполнителей, известной как струнный квартет. Огромные результаты Гайдна для этих струнных ансамблей помогли популяризировать форму струнного квартета и стандартизировать жанровую форму даже более окончательно, чем его оркестровые произведения повлияли на более позднее написание симфоний.Благодаря его усилиям струнный квартет в значительной степени утвердился как форма, состоящая из четырех частей, обычно из быстрых вступительных и заключительных частей, окружающих две внутренние части. Один из этих предметов интерьера обычно был написан как медленная часть, а другой часто был менуэтом. В его 68 квартетах ярко проявляется непрерывная адаптация композитора к меняющимся стилям и вкусам конца восемнадцатого века, а также глубина его творческого и лирического гения. Эти произведения, как и знаменитые парижские и лондонские симфонии композитора, демонстрируют чувство баланса, пропорции и идеализированной красоты, а также интеллектуальную согласованность и легкость разборчивости, которые часто отмечались как ключевые особенности музыкального языка венской классической эпохи. .За свою недолгую жизнь Вольфганг Амадей Моцарт также сочинил 26 струнных квартетов несравненной красоты, хотя и по сей день остается во многом вопросом вкуса, какие произведения композитора предпочитает индивидуальный слушатель. Моцарт открыто признал свой большой долг перед Гайдном в совершенствовании его использования формы, когда он опубликовал свое почтение великому мастеру. “Шесть квартетов Гайдна” в 1785 году. Квартеты обоих композиторов входят в число величайших достижений западной музыкальной традиции и долгое время служили плодородным источником вдохновения для великих творческих работ, которые продолжали такие композиторы XIX века, как Бетховен, Шуберт и Брамс. сделать в жанре.

Моцарт.

В то время как великий гений Гайдна давно признан, его достижения побледнели в народном воображении до достижений Вольфганга Амадея Моцарта, человека, который при жизни в Австрии и за ее пределами был признан вдохновленным Богом вундеркиндом. Гайдн написал мастерские сочинения во многих жанрах, но оказал влияние на более поздние композиции в первую очередь через свои симфонии и струнные квартеты. Он также боролся с композицией, работая над своими произведениями, пока не получил нужные детали.Моцарт, напротив, за свою короткую жизнь собрал каталог произведений, в который вошли шедевры всех музыкальных жанров, распространенных в конце восемнадцатого века. Другими словами, он был великим универсальным гением, способным ставить церковную музыку и оперу так же, как и создавать крупные произведения для оркестра или небольшого ансамбля. В отличие от Гайдна, он, как сообщалось, совсем не трудился над своими сочинениями, но имел произвел их, продолжая беседы со своей семьей и друзьями. Обученный отцом, чтобы взять на себя роль музыкального руководителя в рамках традиционного двора, архиепископства Зальцбурга, Моцарт внес значительный вклад в церковную музыку в начале своей карьеры и продолжал писать духовную музыку на протяжении всей своей жизни.Его духовная музыка включала четырнадцать месс; две оратории и несколько духовных музыкальных драм; и 22 мотета, помимо его неполного, но мастерского «Реквиема », одного из нескольких шедевров, над которыми он работал в последние месяцы своей жизни. Он поставил пятнадцать опер, в частности его великие шедевры, Свадьба Фигаро, в 1786 году и Дон Жуан, в 1787 году, а также несколько других музыкальных драм, таких как Cosi fan tutte , La Clemenza di Tito и Idomeneo , которые и сегодня вызывают огромное восхищение.Он написал 56 симфоний и 23 фортепианных концерта, а также множество эпизодов и танцевальной музыки для оркестра, небольших ансамблей и клавишных. Такое краткое описание едва ли поверхностно затрагивает творчество Моцарта и не может отдать должное тому множеству маленьких жемчужин, которые верный слушатель может обнаружить среди его опусов. Невозможно кратко охарактеризовать масштабы такого достижения, достижения, которое было сжато в краткие сроки всего в 35 человек. лет, хотя поколения постоянно обращали внимание на мелодические изобретения композитора, его богатые гармонии и текстуры, его чувство элегантной красоты и его формальные пропорции.Его достижения долгое время считались лучшим выражением венской классической эпохи. И все же на более поздних этапах своей карьеры, особенно в последние годы жизни, композитор также экспериментировал с новым музыкальным языком, который должен был расцвести лишь позже, в эпоху романтизма. Его поздние произведения предвосхитили более бурный романтический музыкальный язык, который Бетховен и другие венские композиторы должны были развить в начале девятнадцатого века.

Расцвет романтизма.

В последние годы восемнадцатого века композиторы в Вене и других европейских музыкальных центрах начали экспериментировать с новыми звуками и стилями, используя более широкий спектр возможностей, которые предлагали новые большие оркестры того времени. Они также использовали широкую популярность небольших камерных ансамблей, таких как струнный квартет. В Вене и других европейских музыкальных центрах многие композиторы начали экспериментировать с новыми звуками и стилями, и музыка стала очень быстро меняться.Эти изменения можно увидеть в карьере Людвига ван Бетховена, который учился у Гайдна в Вене в 1792 году. Хотя он был приучен к изящной элегантности и рациональности венского классицизма, Бетховен вскоре начал экспериментировать с способами расширения возможностей этого стиля. Карьера Бетховена также совпала с важным изменением вкусов европейской публики и композиторов. К концу восемнадцатого века инструментальная музыка привлекала все больше и больше внимания, что было отходом от чувств эпохи Возрождения и барокко, которые высоко ценили вокальную музыку.Возрастающее значение инструментальной музыки было результатом нового взгляда на искусство. В частности, литературное движение, известное как романтизм, начало оказывать влияние на мир музыки, а также другие искусства. Его сторонники ценили чувства и эмоции выше слов и разума. Многие из них утверждали, что инструментальная музыка с ее абстракцией как от слов, так и от изображений, является самой благородной и высшей формой человеческого выражения. В то время как ранние композиторы-романтики, такие как Бетховен и Франц Шуберт, соблюдали основные правила гармонии и композиции, унаследованные ими от восемнадцатого века, они часто отходили от этих правил или тонко модулировали их, чтобы выразить свои сокровенные чувства и тем самым поднять дух аудитории.Таким образом, сторонники романтизма нарушили связь между мелодией и словом, риторический образец мысли, который вдохновлял многие музыкальные новинки семнадцатого и восемнадцатого веков. Хотя обычно верно сказать, что границы десятилетий или столетий слишком искусственны, чтобы отмечать конец художественных движений, разумно сказать, что около 1800 года ознаменовали важные изменения в европейской музыке. С этого времени новый романтизм должен был превзойти по важности давние чувства эпохи барокко и классицизма.

источника

Джон Ирвинг, “Классическая соната” в Словарь музыки и музыкантов New Grove. Ред. С. Сэди и Дж. Тиррелл. (Лондон: Macmillan, 2001).

Сандра Мангсен, “Соната барокко” в Словарь музыки и музыкантов New Grove. Ред. С. Сэди и Дж. Тиррелл. (Лондон: Macmillan, 2001).

Джеймс Вебстер, «Форма сонаты» в Словарь музыки и музыкантов New Grove. Ред. С. Сэди и Дж. Тиррелл. (Лондон: Macmillan, 2001).

Нил Заслав, изд., Классическая эра: с 1740-х до конца 18-го века (Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Прентис Холл, 1989).

Эта старая музыка в стиле кантри: мини-шедевры вызывают глубокий заряд эмоций

Эпиграф к новому сборнику рассказов Кевина Барри – это цитата из великого режиссера из Новой Зеландии Джейн Кэмпион: «Я думаю, что романтический порыв есть в каждом из нас, и что иногда мы живем им в течение короткого времени. , но это не часть разумного образа жизни.Это героический путь, который обычно заканчивается опасно. Я дорожу им в том смысле, что считаю, что это путь великого мужества. Это также может быть путь безрассудства и компульсивности ».

– эпиграф, он проливает свет в двух направлениях: внутрь, к персонажам, которые появляются в художественной литературе Барри, и вовне, к самому Барри.Героический, отважный, безрассудный, компульсивный: это портрет художника и своего рода признание. Это романтические истории, а Барри – писатель-романтик. Я имею в виду романтику в старомодном литературном смысле: призрачное настроение, призрачное место, посвященное темам любви, потери и самосозидания.

Можно провести прямую линию от Вордсворта, смотрящего на свои нарциссы, к любому количеству персонажей Кевина Барри: пабам и меланхоличным гангстерам, страстным молодым женщинам, художникам в кризисной ситуации, дерзким молодым парням, которые постепенно сходят с ума в бильярдные провинциальных городков.Романтики, все.

Конечно, у романтизма есть свои риски. Романтические персонажи рискуют загореться в огне глупой страсти. А писатель-романтик рискует впасть в сентиментальность или просто проявить эмоции. Барри это прекрасно понимает. Он знает, что, если вы ошибаетесь в романтизме, ваша история в конечном итоге превращается в театральную постановку или банальность.

Но он также знает, что когда вы правильно понимаете романтику, это вызывает у читателя огромный заряд эмоций. Что делает Барри таким выдающимся писателем, так это то, как часто и насколько превосходно он правильно понимает романтику.

Он понимает это особенно правильно в своих рассказах.Роман не подходит писателям-романтикам. Это не означает, что три романа Барри на сегодняшний день – Город Бохан (2011), Битлебон (2015) и Ночная лодка в Танжер (2019) – не содержат богатства. Они делают, и в изобилии. Но именно в своих рассказах Барри наиболее полно и блестяще кажется самим собой.

Эта старая музыка в стиле кантри , его третий сборник, состоит из 11 рассказов, и, по моим подсчетам, шесть из них – шедевры, которые нельзя улучшить.Четыре из остальных просто (просто!) Очень и очень хороши – лучше, чем средний тираж рассказов на значительное расстояние.

Один из них, «Торонто и состояние благодати», не совсем работает, но это единственный недостаток в коллекции, которая в остальном так хороша – так богата и так безупречно написана – что ее лучшие истории мгновенно кажутся каноническими, как будто мы Я их уже много лет читаю. Начальный рассказ, «Побережье Литрима», идеально подходит для букв с первой строки: «Живя один в коттедже своего мертвого дяди, и с бременем блуждающих в последнее время мыслей по ночам, Симус Феррис сильно влюбился в польскую девушку. который работал в кафе в Каррике. Забавный, трогательный, построенный с исключительной экономичностью, это настоящая вещь.

Также идеально подходит заключительный рассказ «Ретке в Бугхаусе».Это выдумка реального инцидента: в 1960 году американский поэт Теодор Рётке, страдавший от того, что тогда называлось маниакальной депрессией, посетил Инишбофин, где у него случился срыв. История Барри представляет собой последствия, когда Ретке попадает в психиатрическую больницу в Баллинасло под любезным присмотром доктора О’Рейли. Плотно сплетенная проза вызывает колючие ритмы самого Ретке; он также перекликается с одним из величайших вдохновителей Барри, Солом Беллоу («Он всю ночь пролежал, закутанный в пальто, на пирсе, и какое-то время казалось, что это безопасная гавань. Да, была бутылка, и Марс тоже был виден »). Это виртуоз на 10 страницах.

Также виртуозным является «Сезон оленей», в котором у девочки-подростка из небольшого городка («Ей было почти 18 и она решила потрахаться до этого») завязывается короткий роман с одиноким мужчиной. «Ox Mountain Death Song» – прекрасный фрагмент ирландской кантри-готики, в которой тучный и мстительный сержант Браун отслеживает харизматичного хулигана Каванана от одного места преступления до другого.«Рома Кид» рискует проявить слабоумие – это история о девятилетней девочке, которая убегает от прямого кормления, – но с такой осторожностью и деликатностью обращаются, что в итоге получается великолепно трогательно.

Видео дня

Другие истории с их слепками охваченных призраками одиноких мужчин и не совсем невинных молодых женщин, а также с их великолепными воспоминаниями о пейзажах и интерьерах, сравнительно захватывающие и богатые. Следуя своему мужественному пути, Кевин Барри остается великим романтиком современной ирландской фантастики. Как и все самые интересные художники, он становится лучше со всеми рисками. Смелость может быть его. Но все награды – наши.

Рассказы
Эта старая музыка в стиле кантри Кевина Барри
Canongate, 192 страницы, твердый переплет 16 €.99; электронная книга 7,12 £

Закрывать

Эта старая музыка в стиле кантри, Кевин Барри

Эта старая музыка в стиле кантри Кевина Барри

Период романтики – Восток

Особая благодарность Екатерине Аллегретти из Eastern за написание этого вступления!

Период романтики начался примерно в 1798 году и продолжался до 1837 года. Политическая и экономическая атмосфера того времени сильно повлияла на этот период, и многие писатели черпали вдохновение в Французской революции. В этот период произошло много социальных изменений. Призывы к отмене рабства стали громче в это время, и все больше людей открыто писали о своих возражениях. После аграрной революции люди переехали из сельской местности и сельскохозяйственных угодий в города, где промышленная революция предоставила рабочие места и технологические инновации, что распространилось на Соединенные Штаты в 19, ^и годах.Романтизм был реакцией на это распространение индустриализма, а также критикой аристократических социальных и политических норм и призывом к большему вниманию к природе. Хотя писатели того времени не считали себя романтиками, викторианские писатели позже классифицировали их таким образом из-за их способности улавливать эмоции и нежность человека.

НАЧАЛО РОМАНТИЗМА

Роберт Бернс считается пионером романтического движения. Хотя его смерть в 1796 году предшествовала тому, что многие считают началом романтизма, его лиризм и искренность отмечают его как раннего писателя-романтика. Его самые известные работы: «Auld Lang Syne», (1788) и «Tam o’ Shanter », (1791). Бернс вдохновлял многих писателей эпохи романтизма.

Уильям Блейк был одним из первых писателей романтического периода. Блейк верил в духовную и политическую свободу и часто писал на эти темы в своих произведениях.Хотя некоторые из его стихов были опубликованы до официального начала эпохи, Блейка можно считать одним из основателей этого движения. Его работы, Песни невинности (1789) и Песни опыта (1794), являются двумя из его самых значительных. Эти сборники стихов – одни из первых, которые романтизируют детей, и в этих произведениях Блейк противопоставляет невинность и воображение детства суровому развращению взрослой жизни, особенно в Лондоне.Он также был известен своими красивыми рисунками, которые сопровождали каждое из этих стихотворений.

ПОЭЗИЯ

Ученые говорят, что романтический период начался с публикации Лирических баллад (1798) Уильяма Вордсворта и Сэмюэла Тейлора Кольриджа . Это был один из первых сборников стихов, которые отклонились от более формальной поэтической лексики неоклассического периода. Поэты того периода вместо этого использовали повседневные слова, понятные среднему человеку.Это также помогло выразить человеческие эмоции. Вордсворт в первую очередь писал о природе. Он чувствовал, что это может стать источником душевной чистоты и духовного понимания. Одно из самых известных произведений Вордсворта – «Одинокий жнец» (1807). Это стихотворение восхваляет красоту музыки и показывает излияние выражения и эмоций, которые Вордсворт считал необходимыми в поэзии. Его величайшее произведение – Прелюдия (1850), полуавтобиографическая поэма-беседа, в которой рассказывается обо всей жизни Вордсворта. Разговорная поэзия был литературным жанром, наиболее часто используемым Вордсвортом и Кольриджем, последний написал серию из восьми стихотворений, следуя жанровой структуре разговорных стихов и исследуя высшие идеи природы, человека и морали. Эти стихи написаны пустыми стихами и носят исключительно личный и интимный характер, причем большая часть содержания основана на жизни автора.

Кольридж и Вордсворт были очень хорошими друзьями, и они часто влияли друг на друга.В то время как Вордсворт был гораздо более медитативным и спокойным, Кольридж был противоположным и жил более неконтролируемой жизнью. Из трех его основных стихотворений полное только одно: Иней древнего мореплавателя (1798). В этом стихотворении рассказывается о путешествии моряка и его опыте на корабле. Моряк проклят сверхъестественными силами и может вернуться домой только тогда, когда ценит животных и природу вокруг него. Он вынужден бродить по Земле, делясь своей историей из-за сделанных ранее ошибок.Его два других полных стихотворения: Кубла Хан (1816) и Кристабель (1816). По словам Кольриджа, его стихотворение « Кубла Хан » явилось ему во сне, вызванном опиумом, после прочтения произведения о китайском императоре Хубилай-хане. Он так и не смог закончить работу. Christabel рассказывает историю главной героини, которая встречает незнакомку по имени Джеральдин, которая просит помощи у Кристабель. Игнорируя сверхъестественные знаки, Кристабель спасает и забирает ее домой, но оказывается, что незнакомец ненормальный.Кольриджу удалось закончить только две из пяти запланированных частей стихотворения.

Второе поколение поэтов-романтиков

Преемники Блейк, Кольридж и Вордсворт были новым поколением поэтов, каждое из которых следовало образцу романтизма своих предшественников. Джон Китс по-прежнему остается одним из самых популярных из этих поэтов, его произведения сегодня постоянно читаются и анализируются. Китс стремился выразить крайние эмоции в своих стихах, используя для этого естественные образы.Он хорошо известен своими одами , лирическими строфами, которые обычно написаны в восхвалении или посвящении чему-то или кому-то, чем восхищается писатель. Эти оды соответствуют жанру лирической поэзии и сосредоточены на сильных эмоциях с использованием личного повествования. Среди этих од наиболее известны « ода соловью» (1819) и « ода греческой урне» (1819). Китс был озабочен смертью и старением на протяжении всей своей жизни, что отражено в каждой из этих двух од.«Ода соловью» обсуждает временный статус жизни и красоты, но в «Оде греческой урне» он исследует художественное постоянство изображений на урне.

Перси Биши Шелли считался радикальным мыслителем из-за его религиозного атеизма и в значительной степени подвергался остракизму современниками за его политические и социальные взгляды. Одна из его самых известных работ – Adonais (1821). Это была пастырская элегия , стихотворение, сочетающее смерть и сельскую жизнь, написанное для Джона Китса.Поэма оплакивает смерть Китса и его вклад в поэзию. Еще одна из его известных работ – Ода западному ветру (1819), где он обсуждает силу и мощь дикого ветра и показывает склонность писателя-романтика связывать природу с искусством.

Лорд Байрон отличался от стиля письма Китса и Шелли. На него сильно повлияли сатира и остроумие предыдущего периода, и он вложил это в свои стихи. Его сатира Дон Хуан (1819-1824) рассказывается в 17 песнях , частях длинных стихотворений, и основана на традиционной легенде о Дон Хуане.Байрон меняет исходное повествование истории и вместо того, чтобы создать женственного персонажа, он делает Дон Хуана кем-то, кого легко соблазнить женщины. Песни рассказывают о путешествии его персонажа по Европе, где он встречает нескольких женщин и постоянно пытается убежать от неприятностей. Другая известная работа Байрона – Паломничество Чайльда Гарольда (1812-1816), еще одно длинное повествовательное стихотворение. Это стихотворение было в основном биографическим и обсуждает многие личные путешествия Байрона.Он описывает размышления молодого человека, который после многих лет войны ищет новые начинания в зарубежных странах. Это стихотворение значимо, потому что оно представило байронического героя , как правило, красивого и умного человека, склонного к угрюмости, циничности и непокорности социальных норм.

РОМАН

В период романтики популярность романа росла, и он стал одним из основных источников развлечения для граждан среднего класса.Авторы начали адаптировать свои тексты к этой аудитории. Сэр Вальтер Скотт за это время приобрел популярность как в Великобритании, так и по всей Европе. В основном он писал в жанре исторических романсов и сделал их жизнеспособной формой художественной литературы для более поздних писателей. Скотт также сосредоточился на своей родной стране Шотландии, часто писал о ее красоте и романтике. Первым крупным романом Скотта был Waverly (1814), действие которого происходит во время восстания якобитов 1745 года.Мятежная группа стремилась восстановить династию Стюартов Чарльзу Эдварду Стюарту. Герой, Эдвард Уэверли, получает задание в армию и отправляется в Шотландию в 1745 году. Находясь там, он присоединяется к группам якобитов, хотя знает, что они потерпят неудачу и попадает в тюрьму; однако в конечном итоге он освобожден. Роман заканчивается браком между Уэверли и дочерью барона Роуз, представляя рациональное и реалистичное настоящее Шотландии после восстания. Хотя это был его первый успех, обычно его шедеврами считаются The Antiquary (1816), Old Mortality (1816) и The Heart of Midlothian (1818).

Готическая фантастика

Во второй половине 18, ^-го, века, готическая фантастика начала набирать популярность в Великобритании. Это восходит к средневековью. Часто этот жанр сочетает в себе сверхъестественные и загадочные элементы с замками и подземельями прошлого. Готический роман сочетает в себе сильные эмоции ужаса, тоски, страха и даже любви. Кольридж и Байрон оба внесли свой вклад в этот канон, но Джона Уильяма Полидори Вампир (1819) и Мэри Шелли Франкенштейн (1818) выделяются как две из самых устойчивых произведений жанра.Работа Полидори имеет важное значение для создания жанра вампирской литературы. Книга Брэма Стокера « Дракула », опубликованная в викторианскую эпоху, будет и дальше вызывать популярность среди вампиризма.

Шелли сочетает в себе элементы любви и сверхъестественного в своем готическом романе Франкенштейн . Доктор Виктор Франкенштейн использует силу жизни, чтобы оживить созданное им существо. Когда существо изгнано и отказано в общении из-за его ужасных физических черт, он становится убийцей и решает разрушить жизнь Виктора.

Прибыли женщины

В эпоху романтизма появилось больше успешных женщин-писателей, что предвосхитило их популярность в викторианскую эпоху. Самой значительной писательницей этого периода была Джейн Остин . Работая ближе к концу периода, Остин не всегда придерживалась строгих правил романтического периода и высмеивала некоторые из наиболее экстравагантных сюжетов предыдущих писателей. Вместо этого Остин предпочла выделить повседневную жизнь обычных людей, сделав поворот к социальному реализму .В ее романах есть родственные героини с приключениями, с которыми, вероятно, столкнется обычный читатель. Таким образом она также смогла лучше изобразить жизнь женщин. Она понимала, что в то время у женщин было очень мало классовой мобильности, и использовала многие из своих романов как способ показать это. Некоторые из ее знаменитых романов включают Чувство и чувствительность (1811), Гордость и предубеждение (1813), Мэнсфилд Парк (1814), Эмма (1815 ) и 9055 Аббатство Нортангер (1817 г.). Гордость и предубеждение «» до сих пор широко читается и рассказывает историю Элизабет Беннет, второй старшей дочери из пяти. Когда мистер Бингли и мистер Дарси переезжают в этот район, семья Беннетов надеется, что они выйдут замуж за двух незамужних дочерей. Хотя Элизабет Беннет и мистер Дарси сталкиваются друг с другом в начале романа, в конце концов они влюбляются и женятся. Роман Остин Эмма также очень популярен и показывает последствия вмешательства в любовь. Эмма думает, что могла бы быть свахой, но ее усилия в конечном итоге терпят неудачу и приводят к разбитию сердца.Хотя в начале романа она клянется никогда не выходить замуж, к концу она понимает, что влюблена в мистера Найтли, и они действительно женятся.

Европейское романтическое движение достигло Америки в начале 19 ^{-х годов} века. Он охватывал многие из тех же идеалов, жанров и стилей, что и европейский романтизм, и обращался к революционному духу американцев. Период английского романтизма закончился коронацией королевы Виктории в 1837 году. Промышленная революция начала полностью ощущаться народом Англии, поскольку рабочий класс стал доминирующим в культуре.Наиболее значительным было бы введение парового печатного станка и железных дорог, которые позволили бы легко создавать и распространять тексты.

Для этого введения я обратился к: Краткая история английской литературы Роберта Барнарда, Краткая история английской литературы Стивена Кута Пингвин Краткая история английской литературы Эндрю Сандерса Краткая оксфордская история английской литературы

Возрожденных шедевров Шумана – Филармония, барочный оркестр и хорал

Иоганн Себастьян Бах (1685-1750)

Фуга а 3 Соггетти, «Неоконченная фуга» из «Искусства фуги», BWV 1080

Интеллектуальное развитие гармонии Иоганном Себастьяном Бахом заложило основы для столетий последующей музыки, от Моцарта до ABBA.В частности, Бах освоил контрапункт – сплетение разных, но дополняющих друг друга музыкальных голосов.

Наивысшее проявление контрапункта – фуга: введение и последующее обсуждение единой темы через определенные интервалы и разные высоты тона независимыми в остальном голосами.

Эти голоса могут быть отдельными инструментами или автономными пальцами клавишника. Бах не уточнил, какой инструмент (или инструменты) должен транслировать его кульминационный контрапунктовый манифест, Искусство фуги .

В этом сборнике, начатом еще в 1742 году, но позже собранном в полностью исчерпывающий набор, композитор стремился создать единую, но разнообразную энциклопедию фугальных техник. Он делал это в основном, используя ту же мелодию или «тему фуги», основанную на простом аккорде ре минор. Как всегда, строгая логика Баха привела к музыке одновременно яркой и глубокой.

Две фуги Баха имеют сильные ассоциации с сетом «Искусство фуги» и были опубликованы вместе с ним, даже если чугунная связь с общим проектом композитора не может быть подтверждена.Самая известная из них – это фуга, в которой якобы не используется тема фуги ре минор. Однако многие музыканты заметили, что три его темы можно легко объединить с этим предметом.

Еще более заманчиво то, что Бах, по-видимому, умер, когда помещал эту музыку на страницу. Вскоре после того, как мы слышим появление темы, основанной на девизе, связанном с именем Баха (си-бемоль, A, C, B натуральный), музыка затихает. «В тот момент, когда композитор вводит имя БАХ в контр-субъект этой фуги, – говорится в примечании к рукописи, написанном почерком сына Баха Карла Филиппа Эмануэля, – композитор умер.’

Роберт Шуман (1810-1856)

Концерт для скрипки ре минор, WoO 23

Весной 1853 года Роберт Шуман увидел, как великий виртуоз Иосиф Иоахим исполнил скрипичный концерт Бетховена. Спектакль произвел на композитора глубокое впечатление и побудил его написать два сочинения для скрипки с оркестром, рассчитанные на 18 Иоахимов. Одним из них был скрипичный концерт, начатый 21 сентября 1853 года, завершенный 1 октября и полностью оркестрованный двумя днями позже.

Однако Иоахима не слишком впечатлили усилия Шумана, и именно здесь начинается необычная история. Скрипач пытался остановить публикацию концерта при поддержке Брамса; ни один из них не считал, что партитура достойна имени Шумана (сочетание ужасающе нереалистичного перфекционизма Брамса и неосмотрительности Иоахима). Иоахим нашел партитуру в Прусской государственной библиотеке.

Семь десятилетий спустя появляется еще один скрипач. Джелли д’Араньи была внучатой ​​племянницей Иоахима и лондонской скрипачкой, склонной к сверхъестественному.Д’Араньи утверждала, что слышала о существовании забытого концерта, когда сам Шуман говорил с ней из могилы во время заседания Совета спиритических сеансов. Д’Араньи распространил слух, и вскоре рукопись, спрятанная Иоахимом, была обнаружена. Премьера концерта была запоздалой в Берлине, после чего Д’Араньи, Симфонический оркестр Би-би-си и сэр Адриан Боулт исполнили пьесу 16 февраля 1938 года в Лондоне.

Стремясь присоединиться к авторитетным фигурам Брамса и Иоахима, критики указывали на структурные недостатки работы.В каком-то смысле они дошли до сути: отношения концерта с традиционной формой сонаты непростые, и Шуман не всегда, кажется, развивает свои темы так, как этого ожидал бы композитор его уровня. Они также указали на общее отсутствие драматизма и обилие раздражающих повторений. Контраргумент состоит в том, что это просто сознательный поздний стиль Шумана: более короткие линии, более характерные жесты, большая асимметрия и, во всем, общее избегание сентиментальности.

В наши дни легче услышать Концерт для скрипки как «другой», чем как «нестандартный». Музыковед Альфред Ниман отметил отсутствие у Шумана интереса к противопоставлению столкнувшихся противоположностей, как это обычно делается в большинстве романтических концертов. Вместо этого, пишет Ниман, темы Шумана должны быть услышаны, «как если бы персонажи пьесы формируют новые выравнивания в различных сценах, но редко резко меняют свои основные личности». -звук тематики.Два представлены оркестром до того, как солист сыграет ноту; ближе к середине движения Шуман, кажется, разбирает одну из них, когда оркестр и солист обмениваются короткими аккордами и нежными арпеджио в момент любопытной хрупкости.

Тема медленной части особенно трогательна (Брамс использовал ее как основу для другого набора вариаций), не в последнюю очередь, когда ближе к концу части мы слышим ее в совершенно ином свете: смещенная на треть и внезапно минорный ключ.Короткий переход приводит к финальной части – веселому полонезу, в котором не менее пяти раз вспоминаются три темы. Однако не все так хорошо. В какой-то момент музыка мимолетно оглядывается через плечо, вспоминая главную музыкальную идею медленного движения в момент внезапного леденящего страха. Чувствовал ли Шуман, что его ждет?

Роберт Шуман (1810-1856)

Симфония № 2 до мажор, соч. 61

Психическое заболевание искалечило Шумана на протяжении большей части его дальнейшей жизни.Композитор начал переживать приступы тяжелой депрессии в конце 1820-х годов. Свою первую попытку самоубийства он совершил в 1833 году, выпрыгнув из окна своей квартиры на четвертом этаже.

В 1844 году душевное и физическое благополучие композитора резко упало. Он периодически полностью избегал музыки, утверждая, что просто услышать, что она “ режет мне нервы ножами ”. Ранее в то десятилетие, как вспоминала жена Шумана Клара, она часто просыпалась и обнаруживала, что ее муж “ плачет в слезах ”.

К 1845 году Шуман отчаянно пытался навести порядок в своей жизни и своем разуме, ставя себе строгие упражнения на контрапункт и копируя партитуры Баха и Шуберта. Как это часто бывает, оба композитора давали Шуману надежду, ведя его к интеллектуальному вызову, который, как он считал, может вытащить его из бездны.

В разгар этих контрпунктурных упражнений Шуман написал композитору Феликсу Мендельсону. «В моей голове звучали барабаны и трубы до мажор», – сообщил он; «Понятия не имею, что из этого выйдет.«Когда в декабре 1845 года новая симфония начала переходить из головы Шумана на бумагу, процесс оказался более трудным, чем прежде (« все сочинение – это для меня серьезная нагрузка », – писал Шуман Мендельсону). Тем не менее, у формирующейся симфонии была особенно заметная особенность: барабаны и трубы в тональности C – тональности собственной «Великой» симфонии № 9 Шуберта.

Эти инструменты и этот ключ придали симфонии вызывающий, радостный и даже духовный оттенок.Когда 5 ноября 1846 года произведение было впервые исполнено в Лейпциге под управлением Мендельсона и объявлено как Симфония № 2 Шумана (до этого он фактически закончил две симфонии), некоторые критики почувствовали отчетливо религиозный аспект произведения. Хоралы проходят через три из четырех движений, а девиз, который ясно проявляется, имеет величавую походку.

Еще более примечательно развитие тематических перекрестных ссылок между движениями и объединение четырех контрастирующих глав в единую безошибочную идею.Эта идея может и не быть отражением психического расстройства, но это определенно одно из утверждений, полученных с большим трудом – музыкальных и личных.

Медленное вступление излагает симфонический девиз: фанфары, начертанные медью сквозь туман струн. Он вернется в стратегические точки на пути симфонии, увенчивая первые три части и благословляя четвертую. Во второй части этого вступления собраны пунктирные ритмы, которые продвигают развитие раздела «Аллегро».На просторах движения мы, возможно, слышим остатки работы Шумана над «Великим» Шуберта.

Если между нотами стоит Шуберт, они буквально озвучивают Баха. Энергия меняется в скерцо. Он состоит из двух отдельных частей трио, последняя выбирает «девиз» Баха, услышанный в «Искусстве фуги» (си-бемоль, A, C, B натуральный), прежде чем перевернуть их, как бы для того, чтобы выразить суть. Девиз возвращается в последний раз, как и в благородном Адажио, в момент глубоких размышлений, построенных на широкой мелодии.Он дрейфует в начале фуги, но наполнен слишком большой безмятежностью, чтобы хотеть выработать свой собственный предполагаемый контрапункт.

В финале Шумана все эти идеи трансформируются. Характерные точечные ритмы возвращаются, чтобы придать музыке изобилие ее предшественников, при этом даже мелодия медленной части сплетается в дискурс обо всем, что было услышано до сих пор.

Как раз в тот момент, когда мы ожидаем, что конвергенция материалов (и возврат к до мажору) принесет симфонию домой, музыка превращается в нечто совершенно иное.Гобой цитирует мелодию из фортепианной фантазии Шумана, которая сама сформирована строкой из цикла песен Бетховена An die ferne Geliebte со словами «возьми тогда эти мои песни».

Это, несомненно, послание Шумана своей жене Кларе, получившей в 1840-х годах поток послеродовых песен. Из-за своего запоминающегося внешнего вида тема проникает в музыку и в конечном итоге переплетается с девизом фанфар, не столько восстанавливая доверие к музыке, сколько наполняя ее совершенно новым оптимизмом.

В письме композитору Георгу Дитриху Оттену Шуман был резок. «Я написал симфонию… когда мне стало плохо», – заявил он. «Я чувствую, что люди обязательно заметят это, когда услышат произведение. Я начал больше чувствовать себя, когда написал последнюю часть, но только после того, как я закончил всю партитуру, я почувствовал себя лучше. Все равно это напоминает мне черный период ».

Часть этого черного периода связана с поездкой с Кларой в саксонский район Максен. В то время Шуман был глубоко погружен в концептуальную подготовку симфонии, и пара оказалась по соседству с больницей для душевнобольных.Шумана охватила паранойя, он чувствовал неизбежность своей кончины и предсказывал, что закончит свои дни в таком учреждении. Его опасения были вполне обоснованными. Он был помещен в приют в 1854 году и умер там два года спустя.

Нацисты и концерт Шумана для скрипки

‘Никогда не забуду момент, когда моя мать вошла к нам и сказала с глубоким, но подавленным волнением на лице: «Я только что договорилась с Иоахимом и Иоганнесом [Брамсом], что концерт не будет опубликован, не сейчас , или в любое время ».Так вспоминала младшая дочь Шумана Евгения в интервью The Times в 1938 году, за несколько дней до премьеры Скрипичного концерта в Великобритании.

Всего за год до этого экстрасенсорные дары Джелли д’Араньи привели исследователей в Прусскую государственную библиотеку, где лежал неизвестный скрипичный концерт в руке отца Евгении. Первоначальный план Д’Араньи состоял в том, чтобы дать концерт в Лондоне в октябре 1937 года, но возникла проблема. Нацисты заявили о своей собственности на партитуру и об авторских правах, сославшись на то, что она является государственной библиотекой.